Le Quatrième

Caligula (remix) - Terre des Hommes

2012-01-28T19:46:00.026-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Caligula, Marc Beaupré revisite avec audace l’œuvre d'Albert Camus.

Crédit : Benoît Beaupré

NDLR Voici la critique de la pièce originalement présentée en mai 2010 au Théâtre La Chapelle. Le spectacle est en reprise les 15,16 et 17 février au Gesù.

Dominé en fond de scène par deux martiaux rectangles métalliques dont on tirera parfois de dantesques sons par martèlement, se trouve un immense praticable de contreplaqué horizontal en forme de pyramide tronquée. Il est à la fois en son centre une surface de jeu, puis en sa périphérie, une table entourée de microphones accueillants choreutes, avec au centre-base, tournant dos à la salle, le coryphée et son séquenceur. Disons-le tout de suite, c'est une symphonie de sons, pour texte et acteurs où la contemporanéité rencontre la tragédie.

Crédit : Benoît Beaupré

La chorale climatique, sonore, rythmique et modale évolue par éclats mesmerisant qui sont mantraesques, contrastés, et impliquent variations, contrepoints et contre-effets de sens. L'histoire emprunte un funeste crescendo dramatique illustrant la trajectoire damnée de l'empereur Caligula (telle que romancée par Camus), et ça part des initiales eaux dormantes troublées par la perte de Druisilla, sa sororale et incestueuse passion, jusqu'à la conséquente explosive tempête: c'est une sanglante quête existentielle réactionnelle, celle d'une morbide recherche d'absolu qui empruntera la trajectoire des plus perfides et légendaires exactions.

Le texte lui-même devient matière à jeu de rythme, de vocalise et de musicalité. On y trouve entre autres, d'hypnotiques points d'orgue méphistophéliques en surréelles harmoniques contemporaines, des canons rythmiques en motif de récurrence textuelle, des cérémonieux tintements de triangle réverbéré, des grondements de gong orageux, des chants de gorge, de poétiques textes latins, des évocations de spoken word, le tout livré en jeux de contrepoints - et tutti quanti.

Ainsi, aux éclats de bruitisme et à l'incarnation du texte et du récit se superposent les précités effets, dans un mariage de sens entre tribales musicalités primitives et mystique magma. Outre la collaboration des choreutes sis autour de la table, l'ensemble implique certaines portions jouées : quelques personnages tels qu'entre autres Cherea, Caesonia, Scipion, apparaissent, tandis que le chœur devient un métapersonnage incarnant la romanité. Caligula est joué par Schwartz, qui est aussi simultanément le coryphée-despote dirigeant avec précision chirurgicale un chœur matérialisant en étroits échos climatiques, les éclats cyclothymiques d'une hégémonique mégalomanie remplie de philosophiques délires.

L'ensemble intègre de surcroît jeux de perspective, puis méta mises en abîme empreintes de digressions iconoclasto-analytique : l'ensemble est traversé par de nombreux textes fondamentaux (Platon, Suétone, Virgile...). Le tout met en perspective l'histoire de la genèse littéraire camusienne (il y eut plusieurs versions contrastées de la pièce). C'est un ensemble toujours au service de la mosaïque de niveaux de sens et d'existence de l’œuvre.

À la fois post-moderne et dépouillé, électrisant, performatif,pourvu d'une fluidité éludant un sous-jacent défi terriblement technique, paradoxalement baroque et intriqué, l’œuvre jette un regard intemporel sur l'homme et l'hommerie. C'est une cérémonie antique, organique, viscérale remplie d'impériale déliquescence, et sa portée est toujours actuelle de sens.

Il y a peut-être quelques surenchères de boucles sonores, et conséquemment parfois quelques répliques se perdant dans les multiples couches de bruit. Mais le rendu est convainquant, c'est une éclectique architecture impliquant étroite communion ne tolérant pas le moindre écart.

Voilà Camus et l'humanisme dans les persistants échos du temps, où éternelles questions et ataviques errances ramènent êtres de toute époque au même communal point zéro , dans totale dérision de toute humaine prétentions.

Tout à fait fascinant, une expérience à ne pas rater.

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Texte : Albert Camus

Mise en scène et adaptation : Marc Beaupré

Coryphée : Emmanuel Schwartz

Choreutes : Michel Mongeau, Ève Landry, David Giguère, Iannicko N'Doua Légaré, Mathieu Gosselin, Alexis Lefevbre, Guillaume Tellier, Emmanuelle Orange-Parent

Conception Éclairage/Scénographie : François Blouin

Conception sonore/Musique : Louis Dufort

Direction de production/assistance à la mise en scène/régie : Julien Véronneau

En reprise au GESÙ, 1200 De Bleury

16,16,17 février 2012

29 avril au 15 mai

Théâtre La Chapelle

3700 St-Dominique, Montréal

Billetterie : 514-843-7738

Tristesse animal noir, de Anja Hilling - Théâtre PÀP

2012-01-27T01:31:00.008-05:00

Par Yves Rousseau

Tristesse, animal noir, est une tragédie contemporaine relatant la traversée des flammes de l'enfer, au sens propre, comme au sens figuré...

Crédit : Caroline Laberge

Résumons : plusieurs couples où se mêlent parents et amis se rendent piqueniquer illégalement dans une réserve forestière isolée. Un feu laissé sans surveillance se propage. Le brasier s'élève, le petit groupe est cerné. Les chairs subissent la brûlure. La fumée est dense, on crie, on se cherche. Certains fuient, laissant l'être cher derrière eux. D'autres risquent ce qui leur reste de peau afin de sauver l'Autre. Ainsi, la tragédie révèle la nature véritable des liens. Pour les rescapés, le retour à la vie normale est empoisonné. Les blessures psychologues pèsent, et pour certains le fardeau de la culpabilité devient insupportable...

La pièce en forme de concerto est composée de trois zones temporelles (avant, pendant, et après le feu). Les mouvements premier et troisième sont campés dans le temps réel du quotidien, tandis que la zone centrale traverse un narratif espace de temps suspendus : les événements de l'incendie y sont relatés en (maniaques) détails, et l'amalgame sordide forme un métaphorique flash-back halluciné.

Crédit : Caroline Laberge

C'est une véritable poésie de l'horreur, un jeu de la vérité tordu utilisant des procédés mettant en exergue tant la dimension psychologique que sensorielle des situations. On entre dans la tête de personnages donnant voix au récit, et ces derniers sont tout à fait représentatifs de notre époque. Chacun d'entre eux porte une certaine solitude, un certain isolement, et tous partagent la même post-moderne vacuité. La fragilité des liens est mise tout de suite en évidence dans ce groupe composé d'ex-conjoints venus avec leur énième nouveau partenaire. Les dialogues révèlent pourtant la sensibilité et l’éclectisme de ces êtres vivants dans le confort indifférent de la petite classe moyenne des bobos blasés et désillusionnés. Leurs conversations sociales masquent une incommensurable solitude qu'ils semblent pourtant tous heureux de partager ensemble.

La mise en scène de Claude Poissant est sans compromis dans sa façon de mettre la monstrueuse beauté cruelle de cet implacable texte en avant. L'homme de théâtre place ses comédiens dans un vide espace ou tout ne repose que sur la suggestion. C'est une zone d'apesanteur où on ne trouve que quelques très spartiates repères physiques. Poissant applique ici sa propre recette de principes de distanciation : d'abord l’effet de défamiliarisation généré par les surréelles climatique met ainsi toute la matière gravitant autour de personnages communs ainsi mis en relief; ensuite, certains personnages « sortent » avec régularité des temps de la pièce, et traversent des cabaresques dérives musicales ponctuant cyniquement les cyclothymiques climatiques, avec l'interprétation de chansons populaires aux paroles funestement ironiques.

Crédit : Caroline Laberge

Le jeu procède de la plus grande retenue (trop?), et cette sobriété propulse à l'avant-plan moindre nuance, le moindre soubresaut de viscéralité. C'est très exigeant pour les comédiens, car l'ensemble ne tolère pratiquement aucun écart (il y en a peu, quelques petits décrochages). La matière dramatique est très liée, elle demande au spectateur la même rigueur d'attention. Globalement, on y remarque en particulier Robin-Jöel Cool, un jeune talent des plus prometteur, et le vétéran Stéphane Demers, qui réussit à sublimer les limites ascétiques de l'ensemble par sa subtile présence.

Le texte de Anja Hilling est au feu, ce que celui de Werner Schwab (Les Présidentes) est à l'abjection excrémentielle. Chacun trouve dans la beauté dans la laideur, et chacun met en exergue certaines parcelles d'humanité d'une grande pureté : mais comme fleur au travers du bitume, elles émergent d'univers remplis de tableaux immondes qui montrent avec chirurgicale précision, tout ce qu'on ne préférerait pas savoir sur le genre humain.

On ne sait pas si on en sort nécessairement grandi, ou touché, mais l'ensemble est certes puissamment troublant.

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Texte : Anja Hilling

Traduction : Silvia Berutti-Ronelt, en collaboration avec Jean-Claude Berutti

Mise en scène : Claude Poissant

Avec : David Boutin, Robin-Joël Cool, Stéphane Demers, Pascale Desrochers, Alexandre Fortin, Claude Gagnon, Alice Pascual, Marie-Ève Pelletier

Assistance à la mise en scène : Catherine La Frenière

Décor : Geneviève Lizotte

Lumières : Éric Champoux

Costumes : Marc Senécal

Accessoires : David Ouellet

Musique : Philippe Brault

Mouvement : Caroline Laurin-Beaucage

Maquillages : Florence Cornet

Assistance aux costumes : Elen Ewing

17 janvier au 11 février 2012

4890, boulevard Saint-Laurent

Billetterie : 514 845-4890

La parenthèse des solstices, de Marc Donati - Les Viscères

2012-01-21T22:32:00.018-05:00

Par Yves Rousseau

Avec La parenthèse des solstices, l'auteur Marc Donati explore les générationnelles errances solitaires d'âmes noyées dans la déferlante vague sociétale du narcissisme.

Crédit : François Godard

Dan un nulle part existentiel déréalisé planent deux âmes noyées dans les limbes de leur narcissisme blessé. Elles ne se connaissent pas encore, mais partagent les héréditaires racines du sang. Leur recherche identitaire et leur atavique quête d'appartenance découlent du même paternel abandon, mais c'est pourtant l'éternelle coupable figure maternelle qui se trouve affligée par tous leurs conflits de nombrilistes enfants rois. Perdus dans les dédales schizoïdes de leurs interrogations existentielles, ils autocomtenplent le reflet déformé de leur fragile ego hypertrophié et blessé, par le biais du prisme déformant de la postmodernité. Leur cri n'est que soliloque adressé à l'abyssale vacuité de leur monde, et leurs rares dialogues ne sont qu'autres façons de conjuguer toutes les solitudes de leur époque.

Ce sont deux âmes qui promises l'une à l'autre, se situent aussi substantifiquement aux antipodes que le sont les deux solstices. Elle est chaleur, couleur, intensité, cyclothymie, et dramatique grandiloquence, et les maniaques sommets suivant ses suicidaires creux touchent à la mythomanie aiguë, voir à la psychose. Son univers mystique (de pacotille) croise celui du tarot et des antiques divinités, et sa substance s'exprime dans son pictural art abstrait explosif. Lui est gris, sombre, cérébral, obsessif, maladroit, collant, libidineusement refoulé, c'est un petit dandy à sa maman poseur et maniéré, et toute sa matière incarnée se concrétise dans la pratique de la peinture à numéro...

Crédit : François Godard

La pièce traverse le torve territoire des équivoques relations damnées de la tragédie grecque, dans un foisonnement de (riches) dérives intérieures alternées de (faibles) dialogues. La mythologique présence n'est d'ailleurs jamais loin. Ça touche à la douleur d'une génération, à l'absurdité d'un très contemporain temps d'être, tout cela à partir d'un point de vue qui transporte l'intransigeante signature de l'auto-dérision. Parfois le ton flirte avec le tragi-comique. L'écriture, elle, pêche principalement par un certain éparpillement référentiel, comme si on avait voulu concentrer un trop grand nombre d'idées dans l'espace restreint d'une seule pièce. Il faut par contre dire que cette hyperactivité, ce butinement schizo-kaléidoscopique participe autant de la construction délirante des caractères, que de la description du monde dans lequel ils vivent. La trame dramatique s'émousse un peu en tiers final, lorsque la pièce quitte sa forme éclatée pour tomber dans un style plus téléromanesque.

Crédit : François Godard

L'effort scénographique est tout à fait remarquable, compte tenu des moyens limités d'une jeune compagnie indépendante. Sur la scène, une toiture inclinée repose sur des éléments muraux à angle ouvert, et le tout forme un très contemporain ensemble. L'intérieur de cette construction représente l'atelier de la peintre (là où tout se déroule). C'est par l'angularité et la déconstruction ambiante (accessoires suspendus, chaise au plafond), un peu surréaliste, et c'est par les couleurs et le climat totalement néo-expressionniste. Le mur dominant de l'atelier, qui est situé à cour, accueille une gigantesque fresque peinte in vivo par les personnages qui parfois expriment ainsi leurs états intérieurs : c'est un mariage entre la peinture performative, et le théâtre. La musique modale, zen, psychédélique, hypnotique et transe de Simon Rivest, est en parfaite relation contrapuntique avec l'ensemble, c'est une très belle réalisation.

Le jeu est des plus prometteur, et la recherche des comédiens se concrétise par plusieurs scènes de monologues très réussies. On apprécie la composition de Gabriel Paré, qui interprète avec beaucoup de conviction la tronche névrosée et pathétique, alors que Geneviève Boivin-Roussy porte avec intensité l'hébéphrénique viscéralité bipolaire de son personnage.

On aime beaucoup le travail de recherche de cette jeune compagnie. Il y a un fondamental questionnement de sens, et une volonté de construire, de définir un langage original alliant plusieurs formes d'art. La progression est inévitable, la matière est là : le temps et l'effort feront le reste.

La pièce est intéressante. On passe un bon moment.

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Texte : Marc Donati

Mise en scène : Michel Forget

Comédiens : Gabriel Paré, Geneviève Boivin-Roussy

Décor et costumes : Fannie Breton-Yockell

Éclairages : Marie-Josée Petel

Son : Simon Rivest

20 janvier au 4 février

Studio Jean-Valcourt / Conservatoire d'art dramatique de Montréal

4750, avenue Henri-JulienMontréal

Billetterie : 514 790-1245

Le Distrait, de Jean-François Regnard - Théâtre Advienne que pourra

2012-01-20T00:28:00.016-05:00

Par Yves Rousseau

La Compagnie de théâtre Advienne que pourra présente une adaptation de la comédie "Le Distrait", de Jean-François Regnard.

Crédit : Luc Lavergne

Madame de Grognac, une rombière caractérielle, a fiancé sa cocotte de fille Isabelle avec Léandre, un sobre jeune homme de bonne famille. Mais ce dernier est tombé follement amoureux de la belle Clarice, une fougueuse et spirituelle suffragette. Hélas! la vénale de Grognac refuse de libérer Léandre de son engagement, même si sa fille s'oppose à ce mariage arrangé. Le frère de Clarice qui est un facétieux dandy désargenté, revient de guerre, et courtise avec succès Isabelle, au grand dam de la mégère qui décide alors de précipiter le mariage. Léandre, avec l'aide des domestiques et de la mère de Clarice, n'a alors que quelques heures pour mettre sur pied un stratagème afin de faire changer d'idée la vieille afin que chacun puisse finir par épouser qui il aime. Pour complique les choses, Léandre s'avère être le roi des distraits, et les conséquences de ses nombreuses et rocambolesques gaffes lui compliqueront grandement la tâche...

Crédit : Luc Lavergne

Dans cette adaptation, la pièce originalement écrite à la fin du dix-septième siècle a été expurgée de ses références temporelles d'origine, et l'action a été transposée peu après la fin de la belle époque. Ainsi, la transformation de certains personnages en suffragettes semble pertinente, puisque la dimension libertaire et volontaire des personnages féminins est déjà très palpable dans ce texte de Regnard : les jeunes femmes y défient l'autorité parentale et se donnent le droit de choisir ou non de se marier selon l'inclinaison du cœur, et non par obligation. Il en faudrait malheureusement beaucoup plus pour donner à cette écriture bon enfant autant de satirique mordant, d'ironique substance et d'intemporalité que celle de Molière. C'est une plaisanterie agréable et chargée de tableaux colorés, mais ça reste très léger, voir parfois d'une naïveté obsolète. Ce genre d'histoire qui découle d'un canevas très utilisé dans la comédie d'époque, semble beaucoup mieux servi lorsque le traitement est sublimé par des hybridations avec la commedia dell'arte.

La réalisation est pourtant impeccable. La scénographie très simple représente une devanture d'habitation avec multitude de portes claquantes. Nous ne sommes pas dans un Feydeau, mais l'ensemble a dans son rythme et son climat, un petit côté boulevardier. La production, faute d'être vraiment drôle, a au moins le mérite d'être divertissante. Le travail des comédiens est solide, compte tenu d'un style de jeu adapté au vaudevillesque des situations. C'est évidemment ponctué de chorégraphies et de chansons chorales inspirées des musiques endiablées de l'époque, et ce sont là parmi les passages les plus agréables de la pièce.

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Texte de Jean-François Regnard

Adaptation et mise en scène : Frédéric Bélanger

Comédiens : Guillaume Baillargeon, Maude Campeau, Valérie Descheneaux, Marie-Josée Forget, Nancy Gauthier, Milène Leclerc, Benoît McGinnis et François-Simon Poirier

Concepteurs et collaborateurs artistique : Sarah Balleux, Emanuelle Langelier, Audrey Thériault, Jason Battah, Sylvain Béland, Annie-Claude Coutu Geoffroy, Han Masson, Maryse Drainville, Hélène-Manon Poudrette et Benoît Jolicoeur.

Du 18 janvier au 04 février 2012

Théâtre Denise-Pelletier

4353, rue Sainte-Catherine Est

Réservations : 514-253-8974

Moi, dans les ruines rouges du siècle - Trois tristes tigres

2012-01-17T02:40:00.027-05:00

Yves Rousseau

De l'enfance à l'éventuel exil canadien, le dernière pièce des Trois tristes tigres présente l'existentielle trajectoire d'un jeune ukrainien traversant le tiers dernier du vingtième siècle, celui où les derniers soubresauts d'un déliquescent système en effondrement aboutirent aux rouges ruines de l'utopie soviétique.

Crédit : Stéphanie Capistran-Lalonde

Son mineur de père qui l'élevait seul voulait en faire un athlète de haut niveau en lui imposant un tyrannique entraînement — lui fréquentait le Conservatoire de Kiev et voulait devenir acteur afin de se distinguer et ainsi attirer l'attention de cette mère perdue qu'il rêvait de retrouver. Voilà comment en quelques mots on peut résumer l'essence de l'existentiel drame de Sasha Samar, omniscient narrateur qui sur scène nous entraîne au travers le panorama contrasté de sa période de vie précédent son arrivé en tant que réfugié au Canada, au milieu des années 90.

La fascinante épopée digne des plus grandes épiques dramaturgies traverse un foisonnement d'historiques dérives très dynamiquement articulées où Sasha Samar joue son propre rôle (de sa naissance en 1969, jusqu'à aujourd'hui). Les tableaux, tout en tablant sur le petit et l'intime, se trouvent toujours traversés en arrière-plan par les gigantesques événements sociétaux ayant parsemé le progressif effondrement de l'empire soviétique : Youri Gargarine, Nadia Comăneci, la série du siècle, Gorbatchev, Tchernobyl, Eltsine, et l'Afghanistan traversent entre autres la toile de fond.

Le point de vue sur la vie et le monde (des personnages) est celui qui prévalait alors là-bas, mais il est transporté avec une certaine iconoclastique ironie mettant en relief la totalitaire utopie collective de l'époque. Chacun des personnages traverse avec plus ou moins d'insight un système de couches de mensonges organisés en poupées russes. Les couches externes de ces mensonges collectifs y contiennent les résultantes couches de mensonges personnels : dans ce monde, chacun vit en soi dans le volontaire aveuglement en partageant une certaine communale solitude. Ainsi, l'ultime exil canadien du personnage est précédé d'un long exil intérieur sur le chemin des horizons d'accomplissement formatés, avec l'art comme ultime bouée de survie.

Crédit : Stéphanie Capistran-Lalonde

Le gigantesque et très martial fond de scène forme une muraille rappelant l'affreuse architecture angulaire des monuments soviétiques, et il devient l'inhumaine immensité d'un système idéologique et d'un pays dans lequel déambulent les personnages. Les non moins affreuses couleurs intentionnellement déprimantes et impossibles, forment avec les décors et accessoires sis aux pieds des pans muraux une évocation de très rustres HLM. Le décor dans on ensemble découle d'une très dramatique et ironique vision qui est en parfait accord avec le paradigme de la pièce. Éclairages et musique complètent, avec parfois rocambolesques touches croisant les glauques et torves univers visités.

C'est à partir d'un croisement de procédés narratifs dans lesquels s'articulent moult tableaux historiques que les comédiens enfilent à la volée de nombreux personnages secondaires, tout en étant chacun marqué par un des caractères principaux. C'est au niveau de l'interprétation de ces derniers que l'on perçoit une certaine divergence relative aux écoles de jeu, divergence à laquelle la pièce survit assez bien du fait d'une impeccable articulation de la mise en scène. Si le jupon d'une approche un peu plus « vieille école » dépasse un peu chez l'un, et si le jeu d'un hystérique appuyé de l'autre parfois agace, l'ensemble trouve chez chacun assez de moments de grâce pour que la magie opère. Le jeu est souvent assez physique, et le mouvement y rencontre la substance.

L'histoire est profondément humaine et fascinante, et s'il y eut rencontre entre deux acteurs ce soir-là, ce fut celle où Sasha Samar à partir d'une sobre profondeur torturée parlant tant par silences que paroles, échangeait avec Annick Bergeron. Cette dernière fut aussi juste, poignante et touchante dans le rôle de la mère qu'elle le fut dans un autre rôle maternel pour la pièce « Je voudrais me déposer la tête », de Jonathan Harnois (Théâtre PÀP, 2007), ce qui n'est pas peu dire. Une des dernières scènes finales montrant Sasha retrouvant sa mère, est sans doute l'une des plus belles, des plus puissantes, et des plus fondamentalement vraies qu'il pourra sans doute être donné de voir.

Voilà certainement une pièce qui vaut le détour, c'est un très profond moment d'humanité campé sur les « ruines rouges du siècle »...

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Idée originale, texte et mise en scène : Olivier Kemeid

Idée originale et interprétation : Sasha Samar

Interprétation : Annick Bergeron, Sophie Cadieux, Geoffrey Gaquère, Robert Lalonde

Assistance à la mise en scène et régie Stéphanie Capistran-Lalonde

Conception visuelle : Romain Fabre

Éclairages : Martin Labrecque

Conception sonore : Philippe Brault

Mouvement : Estelle Clareton

Assistance aux costumes : Fruzsina Lànyi

Assistance au décor et aux accessoires : Loïc Lacroix Hoy

Théâtre d’Aujourd’hui

10 janvier au 4 février 2012

Billetterie : 514 282 3900

Orphelins, de Dennis Kelly - Théâtre de La Manufacture

2012-01-13T18:54:00.005-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Orphelins, l'auteur Dennis Kelly jette acide et cruellement lucide regard sur une Amérique post onze septembre : état des lieux.

Crédit : Suzane O'Neill

Helen est une jeune femme maligne, volontaire, obsessionnelle, manipulatrice et contrôlante. Elle semble avoir trouvé chaussure à son pied en s'unissant avec Danny, un homme passif agressif, taciturne et inconsistant qu'elle finit toujours par piloter à sa guise. Sans doute pour oxygéner leur couple qui semble déjà battre de l'aile, ces derniers font garder leur jeune fils afin de s'organiser une petite soirée « d'amoureux » à la maison. C'est alors qu'inopinément surgit Liam, le jeune frère mythomane, régressé, imprévisiblement impulsif et limite schizophrène d'Helen. Liam, qui est surexcité, désorganisé et maculé de sang, prétend être venu en aide à un jeune d'origine ethnique gisant sur le trottoir. Danny, dubitatif, pense appeler la police, car dehors, le jeune saigne peut-être à mort. Helen, qui, orpheline, ne connaît que trop bien le passé parsemé d' esclandres violentes et haineuses de ce frère qui fut sa seule famille, s'y oppose : comme toujours elle tente de le couvrir. Comme si ce n'était pas suffisant, Liam dans sa désorganisation laisse petit à petit échapper des informations trahissant le fait qu'il n'est peut-être pas aussi innocent qu'Helen s'efforce de se le faire croire...

Crédit : Suzane O'Neill

La pièce prends donc la forme d'un huis clos psychologique posant de conflictuelles questions morales face à la relation avec l'autre (l'immigrant), et ces interrogations deviennent progressivement de plus en plus intenses, déchirantes et critiques au fur à mesure que la vérité éclate dans toute sa dimension haineuse. Liam, par sa pulsionnelle dimension de passage à l'acte, devient l'élément révélateur poussant Helen et Danny en dehors de leur zone de Nord-Américain confort indifférent (qui est bellement dépeint dans toute sa vacuité). Ces deux personnages représentant antinomiques positions sociétales : Danny c'est le civique compromis mou tant que pas trop dérangé, la tolérance passive face à l'autre versus le refus de se définir soi-même, c'est l'aveuglement volontaire d'une déliquescente social-démocratie ; Helen, c'est l'Amérique hallucinée de ses propres rêves déchus, paranoïaque et droitiste de l'après onze septembre, vivant dans son clanique repli tribal, survivaliste et ethnophobique. Poussé au-delà de ses limites, et alimenté par le climat d'urgence, jusqu'où chacun ira-t-il?

Crédit : Suzane O'Neill

C'est dans un décor représentant un appartement de classe moyenne d'une tour d'habitation que s'élève dans crescendo dramatique poignant, ce psychopathologique triangle relationnel ou valsent dans un étourdissant tourbillon, mensonges et manipulations. Les fiévreux dialogues sont très étroitement rythmés dans une superbe adaptation en français localisé, par Fanny Britt. C'est servi avec maestria par une fantastique distribution transportant avec viscérale incarnation des personnages insupportables, qui dérangeant et interpellent par leur pathétique vérité. La mise en scène sobre et efficace de Maxime Denommée ne mise pas sur le fla-fla ou l'effet, mais sur la cuisante construction et la substantifique présence de caractères qui par la puissance de leurs relents de sens, renvoient à l'odoriférant bouquet émanent des putrides blessures d'un monde qui nous est jeté en pleine figure sans aucune complaisance. Le départ lent n'est qu'un faux-semblant, une approche qui permet de ne mieux qu'installer les torves éléments dramatiques. Voilà certes une pièce qui interroge, et fait réfléchir sans prêcher : on montre l'état des lieux avec cruelle éloquence.

C'est à voir absolument!

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Production La Manufacture

Texte : Dennis Kelly

Traduction : Fanny Britt

Mise en scène : Maxime Denommée

Comédiens : Steve Laplante, Étienne Pilon et Évelyne Rompré

Assistance à la mise en scène : Marie-Hélène Dufort

Décor : Olivier Landreville

Costumes : Stéphanie Cléroux

Éclairages : André Rioux

Musique : Éric Forget

Accessoires : Patricia Ruel

10 janvier au 18 février

La Licorne, 4559 Papineau

Billetterie : 514-523-2246

Le Nid - Théâtre Qui va là

2012-01-04T19:00:00.004-05:00

Par Yves Rousseau

Avec le Nid, les ailes brûlantes de l'ironie s'envolent vers les cieux incandescents d'un couple déchu, délicieusement boiteux sans sa béquille ornithologique...

Crédit : Justin Laramée

NDLR Le Théâtre Qui Va Là reprend sa pièce Le Nid, du 16 au 27 janvier 2012 à la Petite Licorne. Voici la critique du spectacle original de mai 2009.

L'histoire se déroule dans les vestiges d'une habitation conjugale qui fut ravagée par le feu , et l'état calciné des lieux devient métaphorique représentation d'une flamme passionnelle qui brûla jusqu'à ce que tout se consume : amour, maison et raison. C'est un état de conflictuel aftermath amoureux où s'élèvent en flash-back, les douces réminiscences de l'avant. Comme la passion est volatile, et l'esprit enfiévré de sentiments est aveugle, leur idylle plane comme vol de Phoenix sur soleil incandescent dans les vents changeants du temps, comme un apothéotique tourbillon fiévreux et inflammable s'embrasant d'une étincelle de folie absolutiste et ardente, pour ne mieux que renaître de ses cendres.

Ainsi, dans les ruines incendiées de leur vie, deux énergumènes d'ornithologues volent au-dessus des paysages ravagés de leurs passions. Funambules de l'inconditionnel sifflant et emplumé, les voilà juchés seuls au monde sur l'isolé perchoir de nidification où couve le tison d'une viscérale obnubilation pour tout ce qui vole et a un bec. Cette activité devient le canal dans lequel est sublimé leur relation : l'univers, le langage, les mœurs des oiseaux deviennent le principal relationnel medium transactionnel, et c'est là une iconoclaste symbiose animalière délicieusement pathétique.

Crédit : Justin Laramée

Voilà donc une délirante allégorie truffée de références, métaphores et jeux de mots liés au monde des volatiles.C'est une belle odyssée absurde avec ces olibrius, plantés là dans ces ruines dans les restes de ce qui fût, et traversant réminiscences d'éclats de vie se matérialisant en tourbillons : de la rencontre initiale, jusqu'à l'éclatement final, enfin presque final...

Le jeu, riche et impeccable, est profondément incarné, et étroitement orienté dans une occupation de l'espace avec une gestuelle remplie de métaphorique dérision. On savoure en particulier cette scène de drague où l'homme, en universitaire un peu imbu et prétentieux, s'adonne à une cour calquée sur les comportements nuptiaux d'un paon orgueilleux en quête d'une femelle. On y trouve du théâtre d'objet, et les manipulations sont fantastiques. Il y a des moments d'expression à couper le souffle.

La scénographie est très soignée, et les photos de presse en donnent un bel aperçu: devant ce baroque composé d'artefacts évocateurs, on oublie complètement l'exiguïté de cette scène de cinq mètres par trois, qui devient de facto un immense territoire de l'imaginaire. Les costumes bigarrés composés de bas de pyjamas sur haut en évocation de tenue jardinage grano plein-air, et ces visages et membres couverts de suie sont indéniablement parfaitement dans le ton, tout comme cette trame sonore atypique souvent en contre-effet impliquant parfois clavecin et clarinette basse.

En lecture (Festival du Jamais Lu 2008) je notais : « le texte, lumineux, truculent, coulant, intelligent et particulièrement rythmé est un délice de répliques du tac au tac, on pense un peu à l'absurdité de Ionesco, et à la verve imagée de Guy Beausoleil, avec cette façon de faire flèche de tout bois (en terme d'atmosphères), avec délicatesse, mais ironie à partir d'un univers thématique et référentiel ». C'est toujours vrai, et le texte ainsi habillé par l'ensemble prend bellement vie, mais tout en étant peut-être un peu moins à l'avant. C'est qu'afin de rendre la folie de cet univers, on a peuplé la plaine du propos initial, d'une forêt de cris d'oiseaux : les comédiens excellents à les évoquer par la voix et par les multiples appeaux utilisés, avec en plus un appui ambiant issu de la sonorisation : il y a peut-être une légère surcharge d'effets, à quelques moments (surtout dramatiques) au détriment du texte.

Mais ne vous leurrez pas : Le Nid est une pièce particulièrement amusante, une habile tragicomédie riche et délirante - ça oui ! Côtoyant l'ironie et la verve hallucinée et emplumée, il y a de superbes moments de jeu et d'émotion.

À voir!

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En reprise, du 16 au 27 janvier 2012 à la Petite Licorne

Texte, mise en scène et interprétation : Félix Beaulieu-Duchesneau et Sandrine Cloutier
Musique : Benoît Côté
Conseiller à la création : Jacques Laroche
Scénographie de Josée Bergeron-Proulx
Éclairage par Erwann Bernard

Les 10, 12,17, 18, 19 et 31 mai, 1er, 2, 7, 8, 9, 14, 15 et 16 juin 2009
À La Petite Licorne, 4559 Papineau
Billetterie : 514-523-2246

Manga - Belzébrute - Fringe de Montréal

2012-01-04T18:45:00.004-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Manga, Belzébrute construit un conte fantastique croisant Kabuki, Kyōgen, bandes dessinées manga et animation japonaise.

Crédit : Marc-André Bouvier-Pelletier

NDLR - Belzébrute reprend son spectacle Manga pour la troisième fois. Il sera de passage au Gesù le 20 janvier 2012. Vous trouverez ci-bas la mise à jour pour la reprise de juin 2011, et la critique du spectacle original présenté en janvier 2011.

Mise à jour, juin 20111

Et c'est avec une deuxième version plus achevée, rodée, narrativement liée et de surcroît enrichi de plus de théâtre d'objet que se repointe ce bouillant délire, qui avait été originalement présenté en janvier cette année. La critique originale ci-bas reste donc toujours parfaitement descriptive du spectacle, sauf bien entendu pour les éléments de réserve, qui dans l'ensemble ont été arrangés. Voilà un spectacle des plus cocasse, dynamique et amusant, on y passe un excellent moment !

C'est à voir !

Critique de janvier 2011

L'épopée se déroule à l'époque des Shoguns et des Samourais et relate la sanglante histoire de vendetta d'une héroïne dont la famille fut massacrée. La scénographie se compose essentiellement d'une cloison en papier de riz permettant jeux d'ombre, et projections (parfois bédéesques) illustrant les contextes et soutenant les dérives fantastiques. Tout aussi soigné, on trouve une très imaginative panoplie d'accessoires et de costumes inspirés du Japon médiéval.

À partir d'un clin d'oeil clin d'oeil à la bédé manga et à l'animation japonaise, la forme parodie très librement le théâtre kabuki (et un peu le Kyōgen), avec climatiques effets de musique percusive in vivo inspirée par le genre. Le langage est un galimatias de pseudojaponais serti de quelques mots en français trafiqué. La visuelle fantaisie essentiellement mimographique emprunte à la gestuelle martiale, puis rencontre la marionnette, les ombres et de potaches jeux de tissus pour les épisodes sanglants.

Le travail est intéressant au niveau de l'efficace mécanique d'enchaînement chorégraphique dans son rapport dynamique entre le geste, l'ombre et l'image. Les ancrages symboliques et la cohérence narrative pourraient cependant être encore affinés. L'ensemble est vivant et coloré, avec une matière qui à partir d'ingénieux effets de scène et un cosmétique superbe, flirte avec le conte, et frôle sagement la farce, sans jamais s'assumer ni dans l'un, ni dans l'autre.

L'ensemble touche au stade du laboratoire avancé comportant un potentiel comique tempéré au profit d'une formelle recherche esthétique et dynamique. Le virage du collectif Belzébrute semble palpable, avec une démarche de maturation qui tend à s'éloigner de la farce saltimbanque, festive et anecdotique (comme la pièce antérieure, le rigolard Shavirez) afin d'articuler conjugaison de moyens maitrisés (théâtre d'ombre et d'objet, marionnette, mime, etc.) vers la métaphorique construction plus élaborée. C'est prometteur.

À suivre

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En reprise le 20 janvier 2012 au Gesù, 1200 rue de Bleury, billetterie 514-861-4036

Texte : Jocelyn Sioui et Belzébrute

Mise en scène : Belzébrute

Interprétation : Éric Desjardins, Caroline Fortin, Amélie Poirier-

Aubry et Jocelyn Sioui

Scénographie : Mathieu Poirier-Galarneau

Musique : Amélie Poirier-Aubry

Costumes et accessoires : Caroline Fortin

Vidéos : Jocelyn Sioui

Éclairage et régie : Clémence Doray

Présentation Fringe de Montréal - juin 2011

11 juin @ 19.30
12 juin @ 14.30
15 juin @ 18.00
17 juin @ 21.45
18 juin @ 18.00
19 juin @ 16.00

Théâtre La Chapelle

3700 St-Dominique

Billetterie : 514-849-FEST

Présentation originale - janvier 2011

18 au 30 janvier

Théâtre Mainline

3997 Saint-Laurent

Billetterie : 514.849.3378

Prospero - Personal Jesus, de Gaétan Nadeau

2012-01-04T18:30:00.006-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Personal Jesus, Gaétan Nadeau accouche d'une très personnelle oeuvre sur l'art, le temps, la beauté, dans les dédales blessés de l'intériorité où l'histoire se mâtine de toutes ses couleurs avec post-moderne temps d'être.

Crédit photo : Angelo Barsetti

NDLR La pièce est présentée en troisième reprise du 5 au 15 janvier 2012 au Théâtre Prospero. Voici la critique de la présentation originale (publiée le 16 décembre 2009).

Côté jardin voici une table néo-romano-classico-boulevard-Taschereau laminé beige et dorée, avec tourne-disque. Côté cour, voilà un récamier kitschaddélic-shaggy-synthético-bison. Des bandes verticales en latéralité et verticalité créent de modernes surfaces rectangulaires de projection décalée sur lesquelles viendront éclater une mixture d'images issues de la Romanité antique et moderne, de l'art liturgique et classique, entre autres artéfacts de civilisation. Les costumes : du caleçon au voile de ballerine sur talon haut 50's, du kilt à la jaquette de flanalette et tutti quanti. Iconoclaste, est-il nécessaire de le préciser...

Le ton, la texture, l'espace psychique? Rêverie d'un promeneur solitaire, dans le choc culturel de la découverte et du dépaysement : impressionniste récit d'un voyage intérieur dans le panorama de l'Italie, et d'une Rome hallucinée par le fantôme de Pasolini, l'auteur. Lui, la créature de scène? Spleenétique, songeur, vautré à la romaine, en pastiche d'un temps d'être, lové dans l'évocation « d'un chapelet de petites et grandes blessures et de meurtrissures de l'âme » : « N'y a-t-il pas quelque chose de profondément révolutionnaire aujourd'hui à vouloir aller contre la vitesse? » dixit. L'art ne serait-il pas né de l'oisiveté de certains patriciens qui n'avait pour ainsi dire rien d'autre à faire que de s'y consacrer? Avoir du temps définit-il ainsi une nouvelle classe de riche? Telles sont les prémisses...

Crédit : Angelo Barsetti

Le propos papillonne comme un débarquement d'émotion, comme un voltairien « les sanglots longs des violons de l'automne blessent mon cœur d'une langueur monotone », comme errance et élégie de lenteur dans limbes d'intériorité, comme errer dans un appartement de souvenance un jour de pluie entre disque et bouquins, comme baudelairien spleen suave, poétique et langoureux, comme cette récurrente Chanson Hindoue (sur véritable 78 rpm) interprétée par Beniamino Gigli (Sadko, scène IV, de Nikolaï Rimski-Korsakov) en parfaite symbiose climatique, comme un tableau impressionniste qui interroge identité: tout ça mit ensemble devient un lieu où la grande histoire de la civilisation occidentale rencontre la petite histoire intime et personnelle.

Ce sont des morceaux d'enfance dans la petite vie de province, où la culture se découvrait par le biais d'une encyclopédie populaire dans ce Québec d'une autre époque, dans ce choc de valeur où de pieux parents croisent place St-Pierre, pâque, urbi et orbi, séminariste et c'est une suite où point une envie d'identité pour un fils lâché lousse dans le flou de toutes les couleurs contrastées de l'arc-en-ciel post-moderne. De l'Hadrien imperator contemplatif mur de souvenance au samedi p.m dans une sauce Bovary, de Éros et Thanatos et des païennes et charnelle statues de Rome en agonie tordue d'extase jusqu'à Sainte-Thérèse en agonie de... gaétanitude acide sur Rue St-Dominique, en passant par les émissions de couture matante et autres entertainement d'après-midi berçant enfance traversée de sous-culture populaire, le propos est perpétuellement ancré dans latences, poses, gestes, simagrée mi-figue, mi-raisin, comme un rapport ambigu, blessé, presque automutilatoire face à soi-même.

C'est personnel, intime, vulnérable et étalé : les « chorégraphies » et l'expression corporelle en écho de l'évoqué parsemant les errances en élucubrations ironiques procèdent également du paradoxe, dans une sublime lenteur y alliant pataud et ridicule en contretemps de l'éclectisme et la sensibilité. C'est une autoflagellation expiatoire, c'est une question en lascive et exutoire quête de soi qui s'éclate d'un interrogatoire identitaire en kaléidoscopie d'occidentalité sur fond de crise quadragénaire.

La parole s'illustre ici d’hiatus, de silences, de gestes retenus et d'actes ratés, de fausses fins dans un festif temps de prendre le temps. Fantastiquement inégale d'humaine protubérances, de longueurs assumées, complètement éclatée comme une fresque de digressions traçant pourtant curieusement le panorama d'un certain état des lieux, la pièce est d'un performatif pop-art crapahutant sur le fil de la déconstruction inductive.

Voilà une œuvre personnalisée dans la dépersonnalisation en implosion référentielle et intérieure dans la douce poésie de l'errance, qui reste totalement unique dans sa façon de s'adresser et de rejoindre chaque individu dans un probable profond clivage d'effets et d'appréciations qui seront uniques à chacun.

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En reprise au Théâtre Prospero du 5 au 15 janvier 2012

Théâtre Prospero
1371 rue Ontario Est

Billetterie : 514-526-6582

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En reprise, dans le cadre du OFFTA. Présenté à Tangente 840 rue Cherrier, les 4 et 5 juin à 21h30 - Billetterie : (514) 282-3900
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Texte et interprétation : Gaétan Nadeau
Mise en scène : Jacques Brochu, Marie-Stéphane Ledoux
Conception sonore : Alexander MacSween
Éclairage : Réal Dorval

du 15 au 19 décembre
Théâtre La Chapelle
3700, Saint-Dominique
Billetterie : 514-843-7738

La Noce, de Bertolt Brecht - Le Groupe de la Veillée

2012-01-04T18:20:00.000-05:00

Par Yves Rousseau

Avec La Noce (chez les petits bourgeois), le metteur en scène Gregory Hlady revisite sous parfum d'ostranenie une œuvre de jeunesse de Brecht écrite en 1919, qui dans un huis-clos illustre avec cruelle pertinence une vacuité des relations humaines tout aussi universellement omniprésente presque un siècle plus tard.

Crédit : Dominique Lafond

NDLR La pièce La Noce sera présentée en reprise du 24 janvier au 11 février. Voici la critique de la présentation originale de février 2011.

L'histoire est simple : un jeune couple reçoit pour ses noces sa famille, et tout a été soigneusement préparé. Autour de l'immense table, les huit convives ripaillent et se livrent jovialement aux habituelles conversations sociales affectées de bonnes intentions. Rapidement, l'effet de l'alcool aidant, le vernis craque. À partir d'une sardonique lucidité implacable, les protagonistes sont alors progressivement plongés dans une conflictuelle spirale descendante négative, où chaque pelure habillant le jeu du maintien des apparences, est retirée avec cynique cruauté. Et c'est dans un matériel univers où métaphoriquement tout l'ameublement progressivement s'écroule, que la sociable façade par sa déliquescence révèle nature véritable et abjecte d'une bête humaine à la pulsionnelle animalité. Rien ni résiste, ni les individus cyniques et névrosés qui apparaissent dans toutes leur vicieuses inclinaisons au stupre et à la luxure, ni les adultérins couples transportant leur médiocrité au travers de la grotesque comédie d'une institution maritale ici massacrée dans toutes ses prétentions.

Instrumentalisation des rapports humains et sexualité de surface, manifestation d'investissements affectifs surfaits masquant incapacité relationnelle investie, dialogues de sourds et communale solitude, non vraiment avec tout ça la pièce de Brecht n'a pas pris une ride dans sa capacité de représenter le terrible post-moderne isolement et l'incommunicabilité de notre contemporaine époque des « communications ». Pour rendre la démonstration encore plus probante, sans doute eut-il suffi de pousser plus loin l'appropriation, dans une adaptation où ces personnages bourgeois en costumes d'avant-guerre n'eussent pas été simplement terriblement contemporains par leurs gestes et attitudes, mais aussi actualisés par leurs caractéristiques qui auraient pu être par exemple être celles des bobos-condo, qui sont peut-être l'équivalent d'aujourd'hui des êtres ciblés jadis par l'auteur.

Crédit : Dominique Lafond

Brecht donnait à cette époque l'impression de vouloir noter la complaisance, l'opportunisme et la corruption d'une certaine pseudo élite soi-disant libérale et intellectuelle, qui sous le faux de ses prétentions dérivait en toute absence de projet (de société) communal sur la vague de l'individualisme capitaliste et arriviste - avec les conséquences que l'on connaît. Si l'idéal communiste d'alors est certes depuis longtemps lubie historique, on pourrait peut-être établir un parallèle entre les bourgeois supposément libéraux de Brecht, et ces contemporains dandy poseurs attriqués en artistes branchouilles vaguement altermondialistes et prétendument érudits, et qui sous apparence d'élite sociale-démocrate et bien pensante, forment en réalité dans leur occupation professionnelle le fer de lance thuriféraire de la vague néo-libéraliste avec des postes de cadres dans de grosses corporations, une paradoxale et équivoque position civique participant d'un équivalent glissement sociétal vers une nouvelle barbarie.

Étroitement encadrées par de multiples variations de procédés d'ostranenie aux limbiques échos, on trouve implacable mise en scène bellement chorégraphiée. Moins envisagée pour le rire extraverti que pour l'impitoyable crescendo de jaunes ricanements de sens, la pièce dose avec cruauté une expression porteuse d'ironie et de sarcasme, le tout étant contenu de fausse bonhomie affectée. Ainsi, les comédiens rendent bellement ce faussement rigolard étalage de faux, avec un premier niveau de jeu renvoyant toujours sans psychologisme, à un second où planent implicitement toutes les torves substances implicitement exhibées.

La musicalité naturelle de la prestation trouve écho dans une efficace trame sonore assemblant en copier-coller d'éclectiques extraits empruntés, un choix néanmoins surprenant pour Hlady, un élève de Jerzy Grotowski : sous l'influence des préceptes du théâtre pauvre, son compendium théâtral aurait pu s'enrichir d'une instrumentale, percusive et vocale musicalité autogénérée, et envisagée comme supplémentaire couche d'existence incarnée à même le rendu.

Le travail de Hlady et de son équipe produit néanmoins quelque chose de très intéressant, ayant presque trouvé et maîtrisé le rythme envisagé, une question de quelques spectacles où on pourra également peaufiner quelques éclairages. Mais attention, ici la joyeuse bande de trublions a cherché plus à atteindre, le potachement abject et le sarcastiquement dérangeant et inconfortable, que le risiblement drôle. Ce n'est pas une démarche de séduction, mais de sens.

À voir!

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Traduction : Magali Rigaill

Mise en scène : Gregory Hlady

Avec Paul Ahmarani, Alex Bisping, Enrica Boucher, Stéphanie Cardi, Denis Gravereaux, Frédéric Lavallée

Isabelle Leclerc et Diane Ouimet

Scénographie, costumes et lumières : Vladimir Kovalchuk

Environnement sonore : Dmitri Marine

Assistance à la mise en scène

Annie-Claude Beaudry

Assistance aux costumes

Marie-Pierre Poirier

En reprise, du 24 janvier au 11 février 2012

22 février au 19 mars 2011

1371, rue Ontario Est, Montréal

Billetterie : 514-526-6582

Admission : 514-790-1245

Théâtre Bluff - S'embrasent, de Luc Tartar - en tournée

2012-01-04T18:10:00.000-05:00

Par Yves Rousseau

Avec S'embrasent, le Théâtre Bluff explore avec éloquence ce grand vertige unique et fulgurant des temps premiers, celui que nul jamais n'oublie. Coup de foudre.

Crédit : Caroline Laberge

NDLR la pièce S'embrasent est un véritable coup de foudre théâtral dont le succès ne se dément pas depuis sa présentation originale en octobre 2009 au Festival RTA à la Maison des arts de Laval (la critique qui suit a été réalisée à ce moment). Après avoir été repris à la Maison Théâtre en 2010 et en septembre 2011 au Théâtre de Quat'Sous, ce petit bijou de spectacle continue sa tournée québécoise et internationale. Les dates sont indiquées suite à la critique . C'est à voir absolument!

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Il existe dans un temps de vie de découverte où tout s'éclaire de l'éclatante lumière de la pulsion belle et magnifiée, ce moment premier du grand frisson original, cet instant précis où, initiatiquement, l'univers bascule, l'âme tourbillonne, le cœur palpite, dans ce trouble de la rencontre avec l'Autre. Cette seconde précise où tout s'arrête, tout disparaît, et où seuls au monde, n'existe plus ensemble que cette incandescence transcendante.

Alors, la dyade fusionnée semble traversée de cette vibrante onde électrique qui se répand en vague d'étoiles filantes, d'aurores boréales, et l'univers entier en est illuminé : là, dans la cour d'école, Jonathan et Latifa d'un baiser s'embrasent en aube écarlate, et le big bang passionnel traverse l'espace et les êtres, et le temps s'arrête et se cristallise autour de ce moment.

Voilà la vague d'émotion qui habite et traverse la pièce. Climat.

Subjugués, transportés, tous contemplent et s'en font narrateurs. Il y a les copains, dont l'envoutement est traversé de préoccupations, et une une dame qui de sa fenêtre comme du sommet d'une montagne d'expérience et de souvenance, observe — dans la sérénité spleenétique et complice de celle qui a vue, vécu et compris — le miracle de la vie dans ses milles feux passionnels.

...Quatre-vingts ans. Pensez si j’en ai vu. Mais des baisers comme
celui-là... Leurs âmes entremêlées qui dansent comme sur un fil les corps
secoués par un violent désir qui déferle et désarme et déchire. Deux êtres
en équilibre instable au bord du monde. Un coup de foudre. On reste en
apnée devant ça. On en oublie de respirer. Bouffé par l’émotion. Dans la
cour filles et garçons n’en croient pas leurs yeux et s’agglutinent autour des
amoureux comme s’ils voulaient toucher du doigt cet Amour avec un grand
A qui menace leur quotidien et rend les rêves douloureux. C’est un choc. ...

La scénographie minimaliste d'une belle sobriété offre espace de liberté, tel un terrain de jeux aux parfums de la vie. Elle comprend un fond de scène sombre qui sous découpage lumineux deviendra classe, tableau noir, alors que le sol beige révélera, par effets d'éclairages d'un esthétisme recherchés, un quadrillage à la Piet Mondrian évoquant lignes de gymnase ou de cour d'école. Une causeuse orange, et un microphone sur pied au proscénium complètent. Hautement modulable, l'ensemble accompagne magnifiquement les transitions et dérives de l'opus en tableaux.

Le propos? Campé dans la réalité d'aujourd'hui, sans puritanisme et sans faux semblant, mais aussi sans aucun didactisme ni gratuité, et avec une grande et sensible humanité. Essentiellement, dans une ère de sursexualisation, d'instrumentalisation du corps et des relations humaines, la pièce fait l'élégie d'un moment d'émotion unique de la vie et n'a comme propos principal que cette intention : porter le moment, et dire que cela peut être beau. Et cette intention se matérialise avec poésie, magnificence.

Et le texte lui-même? D'une éloquence lyrique. Crée en France lors d'une résidence au Théâtre du Pélican de Clermont-Ferrand dans un projet intitulé « Vers un nouveau langage amoureux » impliquant un travail d'auteur auprès d'adolescents devant élaborer, nommer dans leurs mots à eux les images du sentiment amoureux. De prime abord, à la lecture, mystifiant en terme de visualisation théâtrale, car sans didascalies et avec des répliques sans rôles attribués. D'où la nécessité d'une mobilisation créatrice en laboratoire travaillé ici avec la présence de l'auteur afin d'incarner le propos. Résultat? Habité, dans cette mise en espace et en mouvement . Osmose.

Sur scène, le chorus du témoignage est d'abord traversé de l'évocatrice présence spectrale de l'âge et du temps, puis alterné de chapitres portant sur de sensibles thématiques, comme la solitude, ou les malsaines et inaccessibles images corporelles médiatiques et les troubles alimentaires :

J’ai résilié mon abonnement à « Oh les filles ». Je tombe des nues quand je
vois les modèles qui s’offrent à toutes les pages. J’ai beau placarder leurs
posters au-dessus de mon lit et commander des tonnes de maquillage
jamais je ne ressemble à ça moi. Après je sanglote toute la nuit je suffoque
j’ai l’impression que les posters me tombent dessus ils m’écrasent ils
m’enroulent comme une saucisse.

Puis, marchant en équilibre sur la crête de l'imaginaire, les témoignages-thèmes s'envolent, et les âmes s'éclatent d'une verve passionnée de vie dans de superbes chorus et arias scandés d'acting out existentiels en folies clippées et iconoclastes sur musique populaire, dans la grande ébullition d'une fête de vie, dansée, sautée, chantée, pendant qu'interdit et non-dits s'inscrivent frénétiquement au tableau en valse exutoire frénétique.

Crédit : Caroline Laberge

Impeccable mise en scène, parfait et subtil dosage. Rien de trop. Puis une trame musicale très sensible mais aussi parfois dans l'ironie, comme (entre autres) celle du fleur bleue refoulé sous une carapace de cynisme, mais qu'on finit ici par complètement assumer en se prenant à fredonner « C'est un beau roman, c'est une belle histoire »...

Outre la prestation fabuleuse, fraternelle et investie des jeunes (et moins jeunes) comédiens, en plein sur la ligne du texte et de l'émotion, Béatrice Picard offre de quintessentiels et apothéotiques moments de présence dignes d'une très grande comédienne, on pense entre autres à cet aria finale et déchirante, avec l'œil pétillant en éclats élégiaques de vie dans l'évocation de cet embrasement : là, dans le dénuement de l'avant-scène, par sa seule expression sensible dont chaque frémissement était porteur de sens, dans une mosaïque de suggestion elle tenait littéralement le monde dans sa main.

Fantastique communion générationelle.

S'embrasent est une œuvre faisant définitivement partie de ces cadeaux que parfois nous accorde la vie. Profond, beau, authentique, et porteur d'un de ces points tournants, un de ces morceau de vie peuplant, tel le Rosebud de Kane, le défilement des ultimes moments de réminiscences de tous les mortels humains.

Un beau voyage de poésie et d'humanité, profondément lucide et intelligent, certainement à voir !

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Une production du Théâtre Bluff

Texte de Luc Tartar
Mise en scène par Eric Jean, assisté de Stéphanie Raymond
Comédiens : Béatrice Picard, Francesca Bárcenas, Christian Baril, Matthieu Girard et Talia Hallmona
Scénographie de Magalie Amyot
Costumes par Stéphanie Cloutier
Environnement sonore par Olivier Gaudet Savard
Éclairages de Martin Sirois

Les citations sont tirées du texte S'embrasent de Luc Tartar

Tournée 2012 :

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15 au 24 septembre2011

Théâtre de Quat’Sous

18 au 28 février2010
Maison Théâtre,

30 septembre au 2 octobre 2009
Maison des arts de Laval

Le grand cahier, d'Agota Kristof — Le groupe Bec-de-lièvre

2012-01-04T18:00:00.002-05:00

Par Yves Rousseau

Le groupe Bec-de-lièvre propose une adaptation du texte « Le grand cahier » de Agota Kristof : la survie au prix de l'enfance.

Crédit: Marie-Claude Hamel

NDLR Le groupe Bec-de-lièvre présente sa pièce Le Grand Cahier en troisième reprise. Les représentations auront lieu du 12 au 20 janvier 2012 au Quat'Sous, puis en tournée du 28 janvier au 31 mars 2012. Voici la critique du spectacle original présenté en janvier 2009 à la salle intime du Théâtre Prospero

Guerre. Famine dans la grande ville. Plus rien pour nourrir les petits. Puis le danger omniprésent. Alors, voilà, une mère envoie ses jumeaux, de jeunes garçons, chez leur grand-mère, une femme immonde et irascible. Fermette. Campagne. Village de demeurés dégénérés, agressifs, violents, curé libidineux_, marchands véreux, voisine_zoophile, officier étranger (hébergé)_urophile, tout cela avec avec en plus le froid, l'isolement, le manque d'amour ordinaire et la mort qui rôde. Crottés, vêtements en loques, certes, mais plutôt que de se laisser aller, ils décident de s'infliger un entraînement de désensibilisation systématique envers toute l'abjection environnante. Puis ils se font la classe et se créent des travaux de composition sur leur vie : si jugé assez bon, le récit est alors copié dans le Grand Cahier...

La scénographie minimaliste induit à merveille, par convergence de ton et de substance, le lieu de pauvreté, de misère et de dénuement dans son époque relative (deuxième guerre): quelques caisses, chaises, bancs et accessoires en bois naturel, mat et ocre, quelques ferblanteries bosselées et autres objets de modestie ceignent une aire de jeu tout en espace de liberté. Les costumes composés de chandails de laine miteux et de culottes courtes sur bottillons de cuir, complètent à merveille.

La façon d'ancrer le texte, la parole, l'âme de ce récit en principe réaliste (qui se fait du point de vue des garçons) procède d'un principe simple et classique d'exposition-représentation alterné, et c'est justement dans cette phase de représentation que se trouve tout le côté à la fois truculent, éclaté et dramatique : la balle folle que constitue le propos narratif sous ton détaché et quasi scientifique (des garçons lorsqu'ils décrivent les phases de leur entraînement) fait rebondir sans ambages toute la laideur humaine environnante, et cette balle est lancée en contre-effet d'éclatements parfois impressionnistes contre le mur déconcertant d'une matérialisation procédant du théâtre d'objet!

À partir de conventions des gestes et d'expression et de principes proxémiques, d'effet d'éclairage et de son (du bon travail), les multiples personnages et contextes sont rapidement établis. Puis voilà qui crée un univers de paradoxe : le drame est mis en relief par l'iconoclaste rocambolesque de ce théâtre animiste, et cette façon par les personnages et leur récit d'enfoncer le clou de l'horreur avec le plus grand stoïcisme descriptif, permet d'atteindre une dimension quasi surréelle mâtiné d'un certain humour noir à rire jaune. Car on rit assez souvent! Et puis, quand on y pense, finalement, encore paradoxalement, on se dit que ce surréel n'est peut-être pas, ô tristesse de la race, si loin de la réalité. Le regard innocent de l'enfance enregistre l'innommable _perversité existentielle dans la vérité de la candeur blindée et dissociée de l'ascétisme, comme mécanisme de survie.

Crédit: Marie-Claude Hamel

Il faut dire que l'ensemble est particulièrement bien découpé et rythmé, ce qui permit sans doute de contourner le piège issu du statisme narratif. Chaque fois, par exemple, que d'une voix de stentor un des garçons annonce un nouveau thème d’entraînement (ex. la capacité de résister aux insultes et médisances des villageois) c'est que cette réalité a déjà fait l'objet d'une exposition et que ce sous-tableau s’enchaîne immédiatement d'un autre, par exemple des extraits de la rixe aux insultes que ces derniers s'infligent pour s'endurcir. Très physique, très incarné.

La partition exigeante demande aux comédiens de nombreux changements de ton, et une étroite orientation face à une complexe trame spatiale impliquant de nombreuses manipulations. Sous nos yeux, l'univers plausible prend vie de façon soutenue et captivante. Déjà, au soir de la première, une interprétation très convaincante. Beaucoup de travail, apparemment.

Vraiment, un bon moment de théâtre!

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En reprise au Théâtre de Quat’Sous
12 au 20 janvier 2012
Billetterie : 514 845-7277

Tournée du 29 janvier au 31 mars

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En reprise au Théâtre de Quat’Sous
23 août au 4 septembre et 14 au 18 septembre 2010
Billetterie : 514 845-7277

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Du 13 au 31 janvier 2009
à la salle intime du Théâtre Prospero.

D'après Le grand cahier d'Agota Kristof,
Adaptation, scénographie et mise en scène par Catherine Vidal
Comédiens : Renaud Lacelle-Bourdon et Olivier Morin

Éclairages Alexandre Pilon-Guay,
Son : Francis Rossignol
Costumes Angela Vaags

Solstice, l'étonnant Noël où personne n'a eu de cadeau, de Véronique Pascal - Théâtre du 450

2011-12-22T16:26:00.021-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Solstice, le Théâtre du 450 accouche d'une désopilante comédie qui pourrait être le pendant québécois, post-moderne, délirant, iconoclaste et socialement satirique du Ebenezer Scrooge de Charles Dicken.

Crédit : Daniel Garneau

Qui ne se souvient pas de ce riche, mesquin et avare Scrooge de Dicken, un personnage froid, calculateur et incapable d'aimer, et ce même en pleine magie de Noël. Il lui faudra la visite du spectre de son ancien associé et de plusieurs fantômes qui dans un survol du passé, présent et futur, le confronteront à son destin afin qu'il s'humanise un peu : le vieux radin s'éveille alors aux conséquences de ses gestes auprès des proches et employés exploités sans vergogne, et Scrooge alors se rachète afin d'éviter la damnation éternelle qui lui était promise.

Crédit : Daniel Garneau

C'est grosso modo cette trame principale qui partiellement semble constituer le fond de la pièce (bien plus que le Casse-Noisette allégué en programme), qui a été cependant on ne peut plus révisée en moult variato par l'imaginaire surréellement débridé de l'auteur Véronique Pascal, dans une mordante transposition bédéesque qui se déroule dans un Québec contemporain mis en perspective dans toutes ses sociétales tares et absurdités. L'univers de Noël de l'auteure est peuplé de personnages seuls-ensemble fonctionnant hyperactivement à vide dans un monde de banlieues bungalow-centres d'achats, et il est envisagé dans toute sa consumériste fausseté (l'esprit perdu du temps des fêtes) : c'est un grinçant portrait de l'état des lieux qui devient une sociétale métaphore de notre façon de vivre.

Crédit : Daniel Garneau

Le Scrooge de Véronique Pascal n'est plus un homme d'affaires gris et victorien incarnant le capitalisme industriel du dix-neuvième siècle de Dicken, mais un playboy infatué de jeunisme et motivateur professionnel auteur de livre à succès sur la réussite, bref le parfait dandy néo-libéral du vingt-et-unième : c'est une ridicule caricature de rêve américain dans toutes ses pathétiques dérives. Sa fille (une enfant du divorce), délaissée par cet éternel père absent n'est pas la vertueuse jeune première souffreteuse, mais un spécimen d'enfant roi avec qui on a acheté la paix à coup de dollars. La figure maternelle précieuse et très BCBG semble souffrir d'aveuglement volontaire, et est beaucoup plus préoccupée par le maintien de son statut et des apparences. Le précité associé trépassé de Scrooge devient ici littéraire nègre caché derrière les écrits à succès du monstre.

Le père Noël passif-agressif et cynique se promène en caleçon long, il est complètement désillusionné par ce que sa fête est devenue, il est en burn-out et ses problèmes de couple mettent en péril la distribution des cadeaux. La mère Noël le boude, elle a le feu au corps et se jette (en costume de super-héroïne vaguement SM) avec appétit dans l'adultère. Oui, il y a une fée, viveuse, presque grivoise et aussi blasée « qu'une vielle waitresse de club cheap ». On pourrait continuer les descriptions de personnages rocambolesques comme ça longtemps, mais disons qu'on va vous laisser le plaisir de découvrir le reste...

La pièce est un véritable feu roulant de rebondissements chorégraphiés et de dérives fantastiques extravagantes, et les comédiens déchaînés jouent tous une multitude de personnages surgissant de toutes parts. L'ensemble est régulièrement ponctué de chants qui s'accordent bien avec le décor en bonbonnières (des colonnes formées de gigantesques boîtes de cadeaux) et les costumes psychédéliques: tout cela forme la dernière couche d'ironie, dans un kitsch-o-rama où le dégoulinant kétainisme du temps des fêtes d'aujourd'hui se trouve mis en exergue.

On dit dans le milieu que les comédies, aussi intelligentes et substantifiques soient-elles, sont immensément beaucoup plus difficiles à faire subventionner. C'est peut-être la raison pourquoi on en retrouve si peu, et c'est peut-être également la raison pourquoi elles sont essentiellement montées par de jeunes compagnies qui de toute façon ne s'attendent pas à recevoir grands subsides, les artisans de ces dernières jouant généralement pour un cachet équivalant à presque rien, absolument rien et même souvent moins que rien. Il y a bien les valeurs sûres des classiques, mais outre quelques sénescents boulevards ringards qui font les caisses pleines d'un certain « théâtre », il y a un manque criant de comédies. On ne saurait donc que trop encourager le travail de Madame Pascal.

Il reste bien quelques raccords à travailler, peut-être quelques coupures ou peaufinage de quelques scènes, mais l’œuvre dans son ensemble reste un véritable bouillon de plaisir et d'énergie venant remplacer la lumière manquante de la période du solstice hivernal. On rigole ferme tout en trouvant de nombreux échos de sens, et c'est magnifiquement porté avec beaucoup de générosité dans un style on ne peut plus potache par une solide distribution essentiellement composée de comédiens comptant parmi les plus talentueux de la relève.

Voilà certainement une belle façon de terminer l'année.

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Texte de Véronique Pascal

M.E.S. Christian Baril

Assistance à la m.e.s. Catherine Germain

Comédiens: Kim Despatis, Charles-Alexandre Dubé, Vincent Pascal, Julie de Lafrenière, Jean Belzil-Gascon, Véronique Pascal, Patrick Renaud

Scénographie, costumes et accessoires Josée Bergeron-Proulx

Composition musicale Gaël Lane-Lépine

À Chapelle Saint-Antoine

Maison Gisèle-Auprix Saint-Germain

150, rue Grant (coin Saint-Charles), Longueuil

Du 16 au 28 décembre 2011

Bergeron-Proulx

16, 17, 20, 21, 22, 27, 28 décembre à 20 h

17 décembre à 14 h

21 décembre à 10h

22 décembre à 14 h

http://www.theatredu450.ca/

Billetterie

(450) 646-6435

Le nid vide - Théâtre de Quartier

2011-12-16T12:51:00.000-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Le Nid Vide, Le Théâtre de Quartier revisite le parental temps de l'après, celui où les souvenirs remplacent la présence incarnée d'un rejeton qui a grandi et a quitté le nid familial pour faire sa vie.

Crédit : Jean-Philippe Baril-Guérard

Et c'est à partir d'une pièce sans paroles, mais au mimographique geste évocateur, qu'est rendue cette histoire douce et sensible conçue pour les tout-petits. Antithèse du théâtre à sensation Le Nid Vide est une œuvre qui s'élève avec poétique lenteur, dans une contrapuntique conversation avec une pianistique musicalité impressionniste (Satie) qui papillonne comme rêve magnifié d'enfant (on ytrouve également du Liszt et du Mozart). C'est également un univers d'humanité et d'émotion, qui par ses ouvertures sur l'imaginaire, concentre en lui-même tout ce qui peut offrir le théâtre en tant qu'objet de croissance et d'élévation se situant aux antipodes des médiocrités abrutissantes, faciles et racoleuses, qui occupent une bonne partie du flux médiatique « destiné » à la jeunesse.

L'histoire au métaphorique anthropomorphisme, se déroule en deux temps dans une famille d'oiseaux. L'exposition table sur les marionnettes à tige et les jeux d'ombres, et elle montre montre un Papoiseau et Mamoiseau épris construisant un nid juché sur les sommets du décor, puis prenant amoureusement soin de Titoiseau jusqu'a ce que ce dernier s'envolasse. Le développement est joué au niveau de la scène par les comédiens portant bec d'oiseaux, et il nous projette au sein de ce nid maintenant vidé, où se trouve le lit abandonné du rejeton. La chorégraphique valse splénétique et nostalgique des parents y virevolte en adagio : ce sont des dérives d'intériorités qui sont amorcées tour à tour par des objets trouvés dans la chambre, chacun symbolisant les diverses étapes de vie de leur fils.

Crédit : Jean-Philippe Baril-Guérard

La scénographie charmante et toute simple est évidemment composée d'une aire de jeu circulaire (comme un nid) donnant sur une chambre enfantine surmontée d'une zone permettant les précités jeux d'ombres. Les costumes échappent à tout stéréotype, et jettent un éclairage de modestie sur des personnages délaissés, plus riches de souvenirs que de biens. Les marionnettes sont vivantes, et colorées. Les éclairages intimistes et enveloppants sont parfaitement dans le ton. L'interprétation est impeccable, elle porte tout l'héritage de la profondeur et de l'expérience, avec toute la force de l'humilité, de la générosité, et du dosage.

On peut néanmoins se questionner (on parle de quelques légers ajustements) sur la façon dont les éléments de la fonction symbolique (les objets investis de sens), et surtout de la trame existentielle faisant appel à la capacité de décentration pourront êtres reçus pour les spectateurs visés par le spectacle, qui sont de l'âge de deux ans et plus, ce qui correspond pour les plus jeunes au tout début du piagétien stade cognitif préopératoire.

La pièce est certes une très belle réussite.

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Conception du spectacle et mise en scène : Lise Gionet

Dramaturgie : Lise Gionet, Louis-Dominique Lavigne et

Monique Rioux
Interprétation : Louis-Dominique Lavigne et

Monique Rioux

Scénographie : Patrice Charbonneau-Brunelle

Éclairages : Martin Sirois

Musiques choisies par: Martin Boisclair et Vincent

Beaulne

Collaboration à la création : Hélène Blackburn, Yves

Dagenais et Antoine Laprise

Le nid vide

Pour les tout-petits de 2 ans et plus

Du 12 au 30 décembre 2011

Salle Jean-Claude-Germain

Théâtre d’Aujourd’hui

3900, rue Saint-Denis, Montréal (métro Sherbrooke)

Billetterie : 514 282 3900

Représentations scolaires

Du 12 au 16 ainsi que du 19 au 23 décembre

(horaire à vérifier avec le théâtre)

Représentations familiales

Du 27 au 30 décembre à 11 h et 15 h

Büchner à Strasbourg - Théâtre du Cerisier

2011-12-11T00:21:00.011-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Büchner à Strasbourg, le Théâtre du Cerisier survole un capital épisode de l'existence du libre penseur socialiste et révolutionnaire Georg Büchner.

La pièce saisie Büchner en 1835, alors qu'il dû payer tribu pour ses activités républicaines : traqué par les autorités allemandes pour trahison, l'auteur de Woyzeck et cofondateur de la Société des droits de l'Homme doit s'enfuir à Strasbourg, où il se planque sous un faux nom. C'est une période de relatif isolement, mais aussi d'effervescente création pendant laquelle l'auteur écrit (entre autres) deux de ses pièces.

L'action se déroule dans une chambre d'auberge minable et capte un Büchner effervescent, torturé, mais encore jeune et plein de promesses, à un moment où il ne sait pas encore que sa dramatique courte vie s'achève. L'univers physique minimaliste devient rapidement un lieu d'abstraction où plane la substance du personnage, et le cruel passage du temps est représenté par un animiste jeu de projection créant une feinte fenêtre dont les paysages s'animent de mouvantes couleurs de sens allant du bleu espoir jusqu'au rouge sang.

Sous spleenétique sifflement du temporel vent de la destinée, le Büchner de l'auteur Vincent Gomez traverse le huis clos de ses conflits, dans un épistolaire survol de sa correspondance avec les êtres ayant marqués son existence. Le sujet se livre avec lyrisme et sensibilité, dans une traversé de son panorama existentiel où planent entre autres les spectres de sa fiancée Wilhelmine, de Jacob Lenz et de Johann Wolfgang von Goethe.

Le solo est porté par le jeune diplômée (EST 2011) Antoine Beaudoin Gentes, qui est entouré d'une équipe également formée de membre de la très récente relève. Tant la direction du jeu que la matière d'écriture de cette jeune compagnie montrent une progression marquée par rapport à sa toute première production du printemps passé. Il y a encore des zones de redondances thématiques et de conventionnelles complexifications interférentielles (dans le rapport établi entre entre Lenz et Büchner), la progression jeu pourrait emprunter à plus de nuance de mouvements climatiques, mais dans l'ensemble on atteint maintenant un niveau qualitatif parfaitement recevable. La forme, l'esthétique et l'orientation de croissance de l'entité prennent une forme tangible, et c'est globalement digne d'intérêt.

La matière de la pièce apporte également des éléments de réflexion, en mettant en relief des mouvements d'idées qui sont à la base même des nos contemporains acquis menacés de barbare décivilisation, et en ce sens les questionnements soulevés sont parfaitement pertinents. La pièce est intéressante.

Ce n'est pas la perfection que l'on demande à de très jeunes artistes passionnés, mettant sur scène avec très peu de moyens et beaucoup de cœur, les prémisses de ce qui bientôt, sera le théâtre de demain. Ce qu'on veut, c'est exactement ce qu'on trouve ici : une démarche qui se précise, une prise de risque, une attitude incarnée de passion, une quête, une recherche, un jeu en émergence qui touche à de beaux éléments de sens et de croissance. Tout le reste, ce n'est qu'une question de travail, d'effort, et de temps.

Voilà quelque chose qu'il faut soutenir et encourager.

Alors, ce soir, on va au théâtre ?

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Texte original, montage et mise en scène: Vincent Gomez
Comédien: Antoine Beaudoin-Gentes
Éclairages et décor: Marilyne Roy
Costumes, coiffure et accessoires: Sophie Rachelle Curie
Musiques et sons: Francis Gagnon et Philippe Coulombe
Marionnettes et images: Stéphanie Legault
Collaboration marionnettes et images: Sabrina Johnson
Directrice de production: Mélanie Cadieux
Assistante metteur en scène: Geneviève Boileau

Espace 4001

4001, rue Berri

Courriel : thcerisier@hotmail.com

Billetterie : 514 647-5516

Pharmak(ha)os, de Pascal Contamine - CIRAAM

2011-12-09T00:50:00.027-05:00

Par Yves Rousseau

Avec plus d'une douzaine d'acteurs sur scène, le CIRAAM monte Pharmak(ha)os, une chaotique fable contemporaine sur l'aliénation.

Crédit - François Godard

En gros, pour simplifier cette œuvre méli-mélo, on peut résumer la chose comme suit : c'est une œuvre au texte slam saturé de références embrassant les dérives du panorama sociétal, ça se passe dans une unité d'asile d'aliénés où on trouve toutes la gamme des diverses pathologies. Tous sont enfermés là à la journée longue. Pour passer le temps, ils suivent un grandiloquent mythomane jouant au metteur en scène : ce dernier se met en tête de monter avec eux un genre de tragédie...

Chacun des personnages par sa substance fait écho à un typique morceau de contemporaine dysfonctionnalité, et ils sont peut-être à notre époque ce que les archétypales figures théâtrales qu'ils incarnent dans ce théâtre dans le théâtre sont symboliquement à l'histoire. Tous ceux qui ont vu Kliniken de Lars Norén feront immédiatement un rapprochement avec cette pièce ( on peut aussi penser à One Flew Over the Cuckoo's Nest, de Ken Kesey).

La pièce par son éclatement et son climat oppressant et paranoïde, devient donc une métaphorique représentation de notre contemporanéité : c'est un lieu fermé et étouffant ouvert à tous les clivages comportementaux. L'omniprésence de caméras (réelles) en fait un type de huis clos qui n'est plus seulement relatif au morbide univers voyeur des téléréalités, mais qui est aussi représentatif de tous ces territoires de travail (et même de vie) hyper-monitorés où l'idée de vie privée devient de plus en plus une utopique vue de l'esprit. C'est un monde d'aliénation chargé de bigbrotherisme.

Jusque-là ça semble tout de même intéressant, mais ce n'est pas par ces dimensions que se distingue la pièce, qui disont le, sans l'effort de mise en scène, pourrait être complètement indigeste. Contamine met la lourdeur du texte dans la folie des personnages, et en fait une arme de sens, qui fait écho à la substance thématique (mais le procédé a ses limites). Si on fait abstraction des inégalités du texte, le metteur en scène met sur scène tout ce qu'on rêve de voir en théâtre : l'acteur grotowskiesque qui est au centre de tout. Les cyclothymiques thématiques, les métathéâtrales intentions de sens, les jeux de choralité, et les contrapuntiques dialogues entre (dans ses limites) texte et mimographies, trouvent ici élévation à partir des préceptes qui sont ceux du théâtre pauvre. Le plateau est dépouillé, la musicalité est autogénérée, la dimension organique est omniprésente, la physicalité est intense et appliquée, et la fraternelle collection d'acteurs se compose d'individus à la poursuite de cette éternelle quête du Graal qui est celle de l'incarnation. Les corporalités portent le signe du travail, de la préparation, de l'entraînement, de l'investissement, de la poursuite d'un idéal théâtral incarné. Le langage de corps et de l'espace est ici éminemment riche, il y de nombreuses superbes fresques.

C'est deux heures et demie d'intensité, et ça constitue malgré tout un repas très lourd, parfois presque assommant, complètement surchargé de labyrinthiques références (entre autres) historico-politiques, mythologiques et existentielles (le texte est parfois impossible au point où l'histoire alambiquée devient secondaire): en deux-heures trente, on passe parfois proche de la noyade ou de l'indigestion carabinée, mais l'ensemble a aussi les qualités de ses défauts.

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Pharmak(ha)os : Texte et mise en scène Pascal Contamine

Distribution : Martin Choquette, Pascal Contamine, Maxime René de Cotret, Rachel Graton,Belkacem Labhairi, Mariane Lamarre, Philippe Lonergan, Xavier Malo, Maxime Paradis, MariePascale, Anne Sabourin, Mariflore Véronneau

Direction de production et régie : Audrey Wyszinski

Scénographie, accessoires et costumes : Fruzsina Lanyi _

Assistance à la mise en scène : Mariflore Véronneau

Mouvement : Estelle Clareton

Musique : Philippe Lonergan

Éclairage : Mathieu Marcil

1er au 17 décembre

Espace Libre, 1945, rue Fullum, Montréal (Station Frontenac)

Billetterie 514 521-4191 • achat en ligne à espacelibre.qc.ca

Théâtre Point d’Orgue - Yvonne, princesse de Bourgogne - Prospero

2011-12-06T04:05:00.007-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Yvonne, princesse de Bourgogne, le Théâtre Point d’Orgue revisite avec ironie et fougue cette tragi-comédie absurde publiée en 1938 par Witold Gombrowicz.

Crédit : Jérémie Battaglia

La pièce se déroule dans un totalitaire royaume de pacotille, ou une potache monarchie sclérosée règne sur un univers surréellement absurde et déliquescent. On y trouve une rombière Reine grotesquement précieuse et facétieuse, un ubuesque Roi irrévérencieusement égrillard et rugueux. Autour d'eux, outre un obséquieux Chambeland aux manières de fashionista, il y a l'habituel cortège de gens de cour : ce sont des intrigants oisifs et comploteurs qui derrière factice complaisance, empoisonnent le royal univers de leurs médisants commérages. Le bellâtre prince héritier Philippe, qui du fait de sa nature fantasque peut-être étouffe dans cet univers, voit un jour arriver Yvonne, une épouvantable laideronne insupportablement lente, empotée, silencieuse, renfermée et sous-douée. Sur un coup de tête, Philippe, qui peut avoir tous les nombreux pétards de la cour qu'il veut, décide plutôt de défier l'ordre des choses (afin de faire chier père, mère et gens de cour), et impose cette improbable créature à tous en la prenant comme fiancée. Chacun feint accepter la créature, mais rapidement divers complots se dessinent, l'exaspération et la rage s'accumulent dans une communale monstrification rageuse et exutoire...

C'est sur un plateau dépouillé sur lequel on transporte au fur et à mesure les quelques meubles accessoires nécessaires, que ce déroule cette pièce. La trame mimographique est étroitement codifiée : chacun des personnages est engoncé dans un précieux ridicule surchargée de maniérisme à la surfaite grandiloquence. L'espace proxémique est également finement étudié, et les principes réglant les territoriales interactions de chacun procèdent également de la même farcesque extrapolation ironique.

Crédit : Jérémie Battaglia

Le principe de choralité est omniprésent, et il s'articule essentiellement autour du groupe de courtisans, dont la présence se dessine autour de géométriques principes d'occupation de plateau selon une anguleuse chorégraphique modernité. Cette climatique influence trouve également appui scénographique, avec une périphérie en semi-transparence verticale en spandex formant une membrane derrière laquelle les caractères hors plateau se loveront, apparaissant ainsi déformé et gargouillique : c'est la substantifique omniprésence de l'horrifique environnement étouffant et paranoïde de la cour, où chacun se trouve toujours épié par la collectivité des monstres humains.

Crédit : Jérémie Battaglia

La progression climatique suit une courbe ascendante négative de chaos : le fragile équilibre homéostatique de l'univers est rompu par la présence d'Yvonne qui devient le bouc-émissaire. La pièce suit un crescendo ou la collectivité rendue dysfonctionnelle, cherche par diverses magouilles à éliminer la cause de cet état de fait. Le paroxystique passage à l'acte cinglé atteint un climax exutoire animal par lequel se dévoile telle une petite mort, la pathétique nature de la bête humaine...

Le jeu à la fois physique et distancié, est généreux, et équilibré. Parmi les savoureuses interprétations, on remarque Markita Boies, qui dans le rôle de la reine est tout à fait craquante. La comédienne chargée d'interpréter Yvonne a été pour le besoin de la cause outrageusement enlaidie, et sa composition fort réussie emmène au sommet de l'exaspération et c'est peut-être là l'ironie de la pièce au niveau du regard qu'elle porte sur l'humanité: plutôt que d'éprouver compassion pour ce caractère défavorisé, le spectateur glisse progressivement et se voit joindre les rangs des sadiques ignominieux monstres rêvant d'occire cette vilaine créature insupportable. La pièce compte une bonne quinzaine d'interprètes, c'est un privilège de plus en plus rare que de voir d'aussi grande distribution dans l'univers paupérisé des théâtres.

C'est une belle réussite pour le Théâtre Point d’Orgue, on passe un bon moment.

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Texte de WITOLD GOMBROWICZ

Traduction : Geneviève Serreau :et K.A. Jelenski

Mise en scène : Louis-Karl Tremblay :

Assistance à la mise en scène : Sonia Montagne

Comédien : Peter Batakliev, Markita Boies, Stéphanie Cardi, Émilie Cormier, Luc Chandonnet, Sébastien David, Maxime Desjardins, Alain Fournier, Simon Fréchette-Daoust, Ariane Lacombe, Gabriel Lessard, Katherine Mossalim, Francis-William Rhéaume, Yan Rompré, Audrée Southières

Scénographie : Karine Galarneau

Costumes : Fannie BretonYockell

Musique : Michel Smith:et Sonia Paço Rocchia

Éclairage : Nancy Bussières

29 novembre au 17 décembre

Théâtre Prospero, 1371 rue Ontario Est

Billetterie : 514-526-6582

Gaëtan, de Marcel Pomerlo - Théâtre Momentum et Théâtre français du Centre national des Arts

2011-12-02T18:29:00.039-05:00

Par Yves Rousseau

Avec Gaëtan (pièces à assembler à la maison) , Marcel Pomerlo livre un solo blessé qui parle de terrible façon de l'endémique solitude, du déracinement identitaire et de la vacuité profonde de toute une postmoderne époque.

Et pour métaphoriquement incarner cet absurde et triste état des lieux chargé d'isolement urbain, Pomerlo a imaginé Gaëtan, emblématique personnage brisé et vulnérabilisé par un au destin marqué : la paroxystique concentration de sa matière mets en exergue des éléments d'un temps d'être dans lequel tous reconnaîtront parcelles de vérité...

Gaëtan est un homme gris, de santé fragile (perpétuellement confronté à la mort, il passe son enfance à l'hôpital), timide, effacé et aux manières de bonne sœur : et pour cause! né en 1964 d'une paysanne fille-mère venue honteusement accoucher en secret à la ville, il fut confié à une crèche, et élevé par des religieuses. L'une d'elles, sœur Yvette deviendra pour lui ce qui se rapproche le plus d'une mère. À la mort de cette dernière, Gaëtan se voit de surcroît confronté à un autre choc : sa mère biologique a refait sa vie, et ne souhaite pas donner suite à sa demande de rencontre. Comme le déraciné des déracinés, le solitaire des solitaires, Gaëtan s'accroche alors à ce qui lui reste d'elle: un livre d’Hermann Hesse, un disque de Chet Baker, puis une lettre manuscrite où (grosso modo à l'état de prémisses) il est question de trouver dans l'art une forme de sublimatoire rédemption.

Gaëtan, homme brisé, trouve donc sublimatoire compensation et affective substitution dans l'art, par lequel il s'élève. Frappé par l'art pictural, il devient gardien de nuit au Musée. Si Gaétan décrit le monde comme étant « un grand vide plein de bruit : un vide assourdissant », il trouve dans le silence de la nuit une paix magnifiée par le poétique environnement des toiles peintes. Toute la laideur du monde, toutes les blessures de la vie se trouvent alors effacées par la beauté, la substance absolutiste de l'art qui l'entoure.

Donnez-nous de la beauté, Christ! dira le personnage tantôt devant la toile « Tenir en dépit des malgré » (du peintre Marc Tremblay, dont l’œuvre traverse la pièce), tantôt devant le portrait de Jeanne Samary (par Renoir) qui le frappe par sa (maternelle ?) féminitude idéale. L’illumination existentielle de Gaëtan passe également par des rencontres avec la musique (le Kindertotenlieder 1, ou Chant pour des enfants morts de Mahler, vraisemblablement chanté la contralto Kathleen Ferrier) et la poésie. De sa bouche d'homme simple, sortent de philosophiques et limpides existentielles vérités.

Il faut beaucoup de courage pour mettre sur scène un personnage comme ça. L'univers (une scénographie dépouillée qui s'anime parfois de projections de tableaux ) de Gaëtan est peut-être rempli par l'art, mais son frêle esquif de survivance flotte sur un très contemporain monde perclus de flottements, de silence, d'absence de l'Autre, de solitude intégrale. Rendre le silence, l'absence sur scène relève souvent d'un défi-casse-gueule.

Pourtant Pomerlo, qui habite son personnage avec beaucoup de profondeur, y parvient avec la puissance tranquille des gestes retenus, des non-dits, en faisant évoluer un caractère qui paraît traverser la vie sur la pointe des pieds, presque comme s'il s'excusait d'exister. Les longs silences entourant Gaëtan, tout le lot de petits gestes et de petites préoccupations traversant la trame mimographique sobre et contenue, parlent avec douleur d'un monde épouvantable remplit de fonctionnement à vide. Gaëtan (pièces à assembler à la maison), c'est justement repartir avec les dimensions cachées d'une époque telle qu'on préférerait ne pas la voir, et ce en en sachant pertinemment avoir traversé un espace qui n'est que trop métaphoriquement représentatif du monde d'aujourd'hui. C'est un propos qui revient hanter l'âme et triturer les entrailles.

C'est à voir !

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Coproduction du Théâtre Momentum et du Théâtre français du Centre national des Arts

Texte, mise en scène et interprétation Marcel Pomerlo

Assistance à la mise en scène et régie : Martin Boisjoly

Oeil extérieur : Dominique Leduc

Scénographie : Cédric Lord et Marcel Pomerlo (d'après les tableaux de Marc Tremblay)

Costumes : Marcel Pomerlo

Musique : Éric Forget (avec la complicité de Marcel Pomerlo)

Conception vidéo : Olivier Bochenek et Roger Dufresne

Accessoires et assistance aux costumes : Audrey Gaudet

Éclairages : Marc Parent

28 novembre au 17 décembre

Théâtre de Quat’ Sous

100, avenue des Pins Est, Mtl

Billetterie : 514 845-7277

PKOI? - Productions Korimaj

2011-11-30T01:38:00.023-05:00

Par Yves Rousseau

« Tu peux devenir qui tu veux » : voilà le leitmotiv de Pkoi?, une pièce pour adolescents qui se penche avec beaucoup d'humanité sur cette période critique où des jeunes en plein processus de construction d'une identité encore incertaine, se trouvent paradoxalement confrontés à des choix d'orientations primordialement tributaires de leur devenir...

Crédit : David Brassard

Qui ne se souvient pas de cette période critique de l'existence : vous être un jeune étudiant du secondaire, vous commencez peine à découvrir la vie et à vous découvrir vous-même et vlan! vous voilà déjà pris à faire des choix d'orientations (entre autres) professionnelles qui auront un impact majeur sur toute la suite de votre vie.

La situation est paniquante, et la fuite par la diversion et la procrastination devient alors réaction de défense pratiquement normale. « Tu peux devenir qui tu veux », c'est une offre sans limites bien prometteuse, mais c'est aussi un vaste panorama aux horizons tellement vastes, qu'il en devient étourdissant. Alors on tâte timidement le terrain du devenir adulte, puis on se replie encore un peu dans le confortable territoire connu de l'adolescence. Deux pas en avant, un pas en arrière, c'est la valse à contre-temps qui marque une des plus importantes périodes de transition de la vie.

Crédit : David Brassard

Et c'est exactement à ce moment que nous plonge la pièce, qui se déroule essentiellement dans le milieu scolaire et sa périphérie. Dans l'univers de Pkoi? professeurs dévoués, et jeunesse normale traversent un cadre de vie qui est bien d'aujourd'hui. Les jeunes, même physiquement côte à côte, pitonnent sur leurs téléphones intelligents et se « parlent » par le truchement des médias sociaux (qui sont ironiquement exposés dans leurs effets et conséquences). L’image personnelle et l'estime de soi se trouvent perpétuellement confrontées aux surfaites images charriées par le flux multimédia et son cortège de faussetés, dans une distorsion des valeurs référentielles vraies (à ce niveau l'iconographie cinématographique, télévisuelle et internet, est abordée avec esprit critique et ironie). C'est un univers éclaté où il est facile de s'égarer.

Crédit : David Brassard

Pour matérialiser tout ce compendium, on a misé sur une contrapuntique dualité entre la parole, et le geste. Ce qui est préoccupation et réalité s'élève par le verbe, alors que ce qui est intériorité, conflit et paradoxe est exposé par le biais du geste. Qui dit époque éclatée dit théâtrale contemporanéité et postmodernité conceptuelle, et c'est sous l'égide de ces principes directeurs qu'a été envisagé ce savoureux collage de langages où s'enchaînent portions réalistes et dérives fantasmagoriques.

La mise en scène physique table sur une proxémique métathéâtralitée géométrique. La prédominante trame mimographique élaborée traverse le territoire des arts circassiens, puis elle emprunte également à la dynamique de la danse moderne, tout en touchant à certaines écoles du mouvement théâtral : on a par exemple l'impression de voir apparaître quelques éclats de meyerholdesque biomécanique, revisités à la façon Hip Hop!

La scénographie composée de quelques bureaux et modules escamotables, quitte cycliquement sa dimension attendue, puis se décompose en multiples animistes accessoires se conjuguant aux langages des corporalités, et le tout forme métaphorique collections de morceaux d'existences traçant la grande fresque sensible et contrastée de l'adolescence. L'ensemble est éminemment rythmé, avec des mouvements contrastés tablant sur la musique techno, l'afrobeat et même le West Coast jazz.

Voilà une œuvre des plus prometteuse, qui à sa première présentation en résidence, arrive déjà à un niveau avancé d'achèvement. Reste peut-être à polir quelques transitions, et à peut-être fluidifier certaines portions d'un texte aux éducatives intentions parfois légèrement trop surtitrées.

Voilà certainement un travail fascinant, pour une pièce éminemment accessible qui fut très positivement accueillie.

C'est à suivre!

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Idée originale et mise en scène : Geneviève Morin

Texte : Marie-Pier Manseau

Chorégraphe: Mélanie Houle

Interprétation : Émilie de la Durantaye, Frédéric Gosselin, Karine Harbec, Sacha Ouellette-Deguire

Scénographie et costumes : Joëlle Harbec

Environnements sonores : Philippe Beaudoin

Éclairages : Jeanf-François Morel

Présenté à la Maison de la Culture Frontenac

25 novembre 2011

Prochaines représentations : www.korimaj.com

Mademoiselle Julie, d'August Strindberg - Théâtre du Solstice

2011-11-23T05:45:00.013-05:00

Par Yves Rousseau

Montée souvent, mais rarement bien jouée, Mlle Julie est une complexe et exigeante pièce qui traverse avec régularité le panorama théâtral, dans une désespérante suite de fiasco d'où émerge parfois une réussite...

Lutte des classes, guerre des sexes, flou identitaire et clivages comportementaux : August Strindberg avait en 1888 avec la publication de sa pièce Mlle Julie, déjà présagé en pleine rigide époque victorienne, le compendium de changements sociétaux qui affecterait la suite du monde. Dans l'univers de Mlle Julie, l'ère aristocratique tire à sa fin, le capitalisme monte en poussant une mercantiliste nouvelle classe dominante, les domestiques rêvent d'affranchissement en quittant leur fonction pour se lancer en commerce alors que les jeunes femmes défient parfois les codes comportementaux restrictifs de leur époque avec des volontés annonciatrices du féminisme et des changements de valeurs : chacun reste pourtant inexorablement captif d'une époque où l'écrasant poids de la tradition et de l'ordre établi contient chacun à l'intérieur de son territoire respectif...

Toute cette substance se retrouve métaphoriquement mise en perspective par la substantifique matière psychologique de personnages finement ciselés. La critique sociale de Strindberg est palpable, et les rouages de l'hypocrisie sociale sont dévoilés, dans une vision qui par son cynisme pourrait être l'antithèse du romantisme.

L'histoire est simple, mais les circonvolutions relationnelles sont complexes : nous sommes en 1894, c'est la veille de la St-Jean et monsieur le Comte s'est absenté, laissant seule sa fille Julie. La jeune femme décide alors de fêter l'événement avec les domestiques restés sur place, et finit par se compromettre avec Jean, le valet du Comte qui est fiancé à Kristine, la pieuse et très traditionnelle cuisinière qui s'éclipse pour dormir. Reste Jean et Julie, seuls et ensemble le temps d'une nuit. C'est un huit clos psychologique, mais pas psychologisant.

La bravache et fantasque Julie, élevée en garçonne par une mère misandre en perpétuelle lutte de pouvoir avec son mari, vit sa féminité selon un paradoxe assemblant carences, blessures, désirs et besoin d'être aimée, versus perversion et sadisme latents. C'est donc au travers d'une très particulière relation d'amour-haine qu'elle aborde l'objet de ses désirs, Jean, avec qui elle joue comme chat avec souris. Julie mise sur sa beauté, son rang, et sur l'attirance qu'éprouve pour elle Jean, pour titiller ce subalterne et amener ce dernier dans des jeux relationnels dégradants. Mais l'égoïste Jean, qui a roulé sa bosse et qui a vécu, qui sait mentir et qui a de l'ambition, fait preuve de finesse et réussit progressivement à trouver faille, et à tourner la situation à son avantage, manipulant Mlle Julie afin qu'elle lui fournisse l'argent nécessaire pour un petit commerce qu'il rêve de partir. Alors que tous deux s'apprêtent à fuir ensemble en conjuguant leur incapacité à aimer, les choses tournent plutôt mal...

Voilà tant de matière, tant de potentiel territoire de réinvention offrant ponts, liens, intersections avec grands horizons de théâtralité faisant jonction avec la contemporanéité! Hélas! La réalisation souffre d'une vision rétrograde pour une pièce (en son temps) avant-gardiste. Loin d'amener ailleurs, de réactualiser, de trouver écho de postmodernité, la mise en scène s'enfonce dans une « vision » un peu muséale, unidimensionnelle, téléromanesque et mélodramatique, avec une restitution qui colle de très près au texte à son premier niveau, avec surcharge, soulignement, lourdeur, comme si on ne faisait pas confiance et au texte, et à l'intelligence du spectateur.

Comme si cela n'était pas suffisant, le tout se déroule dans une affreuse scénographie hyperréaliste et détaillée, qui procède d'un surréel kétainisme qui ne trouve d'égal que dans cette sirupeuse musique médiévalo-new-age tartinant généreusement les transitions, pour une pièce que l'on a ici pourtant située à son époque d'origine. Les costumes sont plus réussis, même si le puritanisme victorien semble parfois bien trahi par quelques incongruités conceptuelles.

L'interprétation est souvent précipitée (rôle masculin), ou inégalement déclamatoire. Le rôle féminin principal manque de paradoxale profondeur, et le caractère semble beaucoup plus platoniquement ingénu que torve, intriguant, équivoque ou pervers, alors que son masculin « opposant » sembler passer outre toute nuance du fait d'un total hyperactivisme électrifié : le personnage est joué au pas de charge. L'ajustement de la projection de la voix en fonction de la taille de la salle est également déficient : l'un semble déclamer pour le troisième balcon d'un grand opéra, alors que l'autre roucoule en susurrant comme dans un intimiste studio. Les acteurs ne semblent pas transporter les motivations des personnages, ce n'est pas habité. La trame mimographique affublée de gestuelles fioritures gratuites forme un tango improbable et trop appuyé. Ces jeunes comédiens réussissent pourtant parfois à bien toucher quelques scènes (le talent est là), et on se demande alors où pouvait bien être passée la direction du jeu le reste du temps.

C'est une traversée assez pénible d'une oeuvre phare d'August Strindberg.

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Texte d'August Strindberg

Traduction : Boris Vian

Mise en scène : Diane Ouimet

Comédiens : Christelle Juteau, Marie-Ève Larivière, Bryan Morneau

Concepteurs et collaborateurs artistiques

René Gareau, Robin Grenon, Annie-Claude Beaudry, Louise Lavergne

Une production du Théâtre du Solstice en codiffusion avec le TDP

Du 16 novembre au 03 décembre 2011

Théâtre Denise-Pelletier

4353, rue Sainte-Catherine Est

Réservations : 514-253-8974

L’Illusion de Corneille - Théâtre Denise-Pelletier

2011-11-17T17:36:00.020-05:00

Par Yves Rousseau

D'ore et d'emblée, Corneille introduisait sa pièce en disant « Le premier acte n’est qu’un prologue, les trois suivants font une comédie imparfaite, le dernier est une tragédie, et tout cela cousu ensemble fait une comédie ». La metteure en scène Anne Millaire pousse irrévérencieusement le mélange des genres encore plus loin, dans une audacieuse et contemporaine appropriation où jazzent mimographie, langues et musique.

Dans l’Illusion comique de la metteure en scène Anne Millaire, les costumes modernes côtoient une vision réactualisée de ceux de cornélienne époque. Les personnages souvent très près de ceux de la Comédia se débattent dans un grandiose décor composé de dantesques poutrelles, avec de très subtils éclairages élaborés. Gestuelle, costumes et musique, croisent baroque esprit et jazzistique contemporanéité. Le rôle des musiciens du groupe Magnitude 6 (intervenant en costume de ménestrel sur scène) n'est pas statique : leur présence est physique et interactive et s'intègre à même le langage scénique, un peu comme l'avait fait Jean Asselin (Omnibus) avec le groupe Pentaèdre dans son fameux Cosi fan tutte.

La gratuité n'est de surcroit jamais au rendez-vous : la métrique est très présente, la diction travaillée, et le texte est rendu en tout équilibre dans une contrapuntique relation avec la musicalité. De nombreux jeux de verbal rythme et de vocale sonorité font clin d'oeil à la substance du texte et de l'oeuvre : ainsi, le personnage du Matamore (que Corneille aurait emprunté à la Comédia espagnole) attriqué en Miles gloriosus ajoute à ses fanfaronnades grotesques, une non moins ridicule accentuation avec roulement de « R » avec une caricaturale prononciation hispanique (ou de vieux français) des terminaisons rimées. La mimographie dialogue avec le texte, et ce tant dans le dramatique que le comique. La dichotomie d'apparence et de style entre personnages jeunes (d'esprit et d'apparence résolument moderne) et les vieux (anachroniques et réactionnaires) n'est pas innocente, et fait également appel entre ce choc de valeur entre baroque et modernité, c'est dans l'esprit de la chose. Les intentions de l'auteur, quant aux précitées climatiques relatives à chacune des portions de sa pièce, restent très palpables.

En s'affranchissant de l'habituelle approche constipée et figée fatalement anticipée par plusieurs dès que les mots « alexandrins » et « Corneille » se retrouvent dans la même phrase, et en se dégageant de l'habituel respect surfait des sempiternels braillements déclamatoires à trémolos dramatisant dont sont généralement affublés les textes classiques, la metteure en scène Anne Millaire a donc ouvert vaste territoire de liberté où le texte, enfin, peut être éclairé dans son intelligence par les vives lueurs du plaisir. Son travail riche de métathéâtralités éclaire la pièce, et recèle moult illusoires jeux de perspective sur la théâtralité.

C'est donc dans une superbe réactualisation qui paradoxalement touche à la « substance » même de l'intemporelle humaine ironie cornélienne, que nous est livrée cette tragi-comédie haute en couleur (finalement beaucoup plus farcesque que tragique). Oubliez l'histoire, qui n'est que l'habituelle épopée opposant jeunesse intrigante éprise de liberté et rétifs vieillards réactionnaires et vénaux : les existentielles simagrées entre jeunes premier(e)s, les cabrioles intéressées entre plus ou moins bons et plus ou moins vilains ne sont ici que prétexte à créer une équivoque zone où sont satiriquement montrés dans toutes leurs enflures, les ataviques tares de la bête humaine.

La fraternelle et généreuse équipe de comédiens livre l’œuvre avec un palpable plaisir non feint. Le jeu est physiquement intense, et le mariage du geste et de la parole propulse certaines scènes au rang d'épique délire rigolard. David-Alexandre Després y livre en Matamore, une performance de farcesque haute maîtrise, c'est à se rouler par terre. On ne peut que comprendre l'apothéotique accueil qui fut réservé aux comédiens au salut.

C'est à voir absolument !

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Texte : Pierre Corneille

Mise en scène : Anne Millaire

Direction musicale et composition : Samuel Véro

Comédiens : Isabeau Blanche, David-Alexandre Després, Vincent Fafard, Andrée-Anne Lacasse, Denis Mercier, Frédéric Millaire-Zouvi, Carl Poliquin

Musiciens (Magnitude 6) : Simon Jolicoeur-Côté, Frédéric Demers, Laurence Latreille-Gagné, Samuel Lalande-Markon, Frédéric Lapointe

Concepteurs et collaborateurs artistiques : Claire L’Heureux, Majorie Lefebvre, Vincent Dupuis, Jonas Véroff Bouchard, Judy Jonker, Érika Blais-Adam, Luc Prairie, Marie-Claude Lefebvre, Charles Licha, Julio Mejia, Julie Pelletier, Carol Gagné, Fanny Denault, François Cyr et Huy Phong Doan.

Du 09 novembre au 09 décembre 2011

Théâtre Denise-Pelletier

4353, rue Sainte-Catherine Est

Réservations : 514-253-8974

Contre le temps, de Geneviève Billette - Théâtre d’Aujourd’hui

2011-11-15T02:33:00.010-05:00

Par Yves Rousseau

Avec « Contre le temps », Geneviève Billette nous plonge au coeur même de la brève vie du génial algébriste Évariste Galois, dans une traversée d'un jeune dix-neuvième siècle mis en perspective dans ce qu'il comporte de prémisses annonciatrices de la postmodernité.

Crédit : Valérie Remise

Si on vous parle d'un monde mercantiliste, favorisant les recherches donnant à court terme des produits commercialisables plutôt que des démarches aux visées plus philanthropiques liées à l'avancement de l'humanité, si on vous montre un univers où les institutions de haut savoir manufacturent de besogneux et acculturés tâcherons du commercialisable plutôt que des penseurs éclairés, si on vous dépeint une « élite » politique dont l'équivoque dialectique s'apparente plutôt à celle de marchands de voitures usagées, si on vous montre une sociétale systémique où pérennité, droit et humanisme sont écrasés au profit de la logique de la rentabilité et du fric, vous penserez instantanément au monde dans lequel nous vivons aujourd'hui, n'est-ce pas?

C'est pourtant contre semblable complexion d'aberrations que se dresse le mathématicien de génie Évariste Galois, qui avant de mourir en 1832 à l'âge de vingt ans dans un duel, eu le temps de rédiger une révolutionnaire théorie des ensembles bousculant les préceptes cloisonnés de la science de son époque. Et ce sont ces quelques années précédant sa mort qui sont explorées par la pièce, avec un personnage qui semble prémonitoirement pressentir le cadre restreint d'une existence conséquemment frénétiquement vécue comme une véritable course contre la montre. Incompris et obsessionnellement captif de sa propre quête, il poursuit sans relâche la construction de son théorème. Le Galois envisagé par l'auteure est un héros romantique, absolutiste, et libertaire plongé dans les mouvements révolutionnaires et insurrectionnels républicains de 1830-1831.

Crédit : Valérie Remise

De plus, Geneviève Billette propose une vision dramatique, qui par le biais du petit et de l'intime, confronte ses personnages aux grands enjeux d'une époque qui est envisagée dans ce qu'elle comporte d'éléments annonciateurs de la nôtre. Le texte, extrêmement bien ciselé, table sur l'allégorique présence d'un omniscient personnage d'outre-monde planant dans un univers déréalisé où défilent sous plein jeu de rétroactions et de temporalités, les existentielles étapes capitales de la vie de Galois et de son entourage immédiat. La construction des personnages est profonde, et la mise en perspective historique est humainement éclairante. C'est un travail fort recherché qui est de surcroît empreint d'un humour subtil et parfaitement dosé.

Pour matérialiser ce superbe texte, le metteur en scène René Richard Cyr a tablé sur une complète mise à l'avant du jeu. La pièce est entièrement interprétée sur une avant-scène traversée par une sombre semi-transparence. L'étroit plateau est à quelques accessoires près (bancs, chaise, bureau), pratiquement dépouillé, et les comédiens ne le quittent jamais. La trame référentielle est très serrée, et les nombreux changements de lieu et de temps reposent essentiellement sur de très précises conventions d'espaces appuyées de quelques effets d'éclairages : le défi de la fluidité devant la complexité est efficacement relevé. Le rythme y est cyclothimiquement maintenu de façon implacable, dans une suite très enchaînée.

Crédit : Valérie Remise

Les atmosphères de jeu peuvent s'appuyer sur les climatiques idéations des collaborateurs. Les superbes costumes victoriens de Marie-Chantale Vaillancourt traversent avec gothique prestance les ténébristes espaces interlopes de Erwann Bernard, qui enrichit également les mimographies par d'anguleux échos d'ombres d'expressionniste facture. Les spleenétiques ostinato des violons de l'automne d'Alain Dauphinais peuplent les transitions de leurs modales vibrations hypnotiquement profondes et dramatiques. L'osmose est parfaite.

Le jeu des comédiens est éloquent, tout en étant contenu dans systémique impliquant que tout soit étroitement placé. Tout dans cet univers parle du social carcan dans lequel sont coincés les personnages, et les corporalités en témoignent avec éloquence. Les compositions sont fantastiques, et derrière une impeccable équipe de vétérans (on y remarque en particulier Bruno Marcil) on trouve une très solide jeune relève, avec Benoît Drouin-Germain (vibrant et énergique dans le rôle principal), et la très prometteuse Kim Despatis (qu'on a vue briller cet été dans Pinocchio).

C'est à voir !

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Texte : Geneviève Billette

Mise en scène : René Richard Cyr

Interprétation : Kim Despatis, Benoît Drouin-Germain, Benoit Gouin, Bruno Marcil, Benoit McGinnis, Émilien Néron, Frédéric Paquet, Alexis Plante, Monique Spaziani

Assistance à la mise en scène et régie : Marie-Hélène Dufort

Scénographie : Jean Bard

Costumes : Marie-Chantale Vaillancourt

Éclairages : Erwann Bernard

Musique : Alain Dauphinais

Maquillages et coiffures : Florence Cornet

Perruques : Rachel Tremblay

Assistance aux costumes : Carole Castonguay

Théâtre d’Aujourd’hui

du 8 novembre au 3 décembre 2011

Billetterie : 514 282 3900

L’affiche, de Philippe Ducros - Hôtel-Motel

2011-11-08T18:04:00.005-05:00

Par Yves Rousseau

Comment en vient-on à devenir martyr kamikaze dans le conflit israélo-palestinien? Mécanique de l'escalade de la haine, polarisation, cristallisation, fondamentalisme : tel est le panorama que traverse L'Affiche.

Crédit :Frédéric Ciminari

Spectacle en reprise du 8 au 26 nov.

NDLR Critique publiée en décembre 2009

Les personnages et la situation? Des familles palestiniennes qui comptent leurs morts et disparus et tentent de continuer à vivre dans de ghettoiques conditions : des gens ordinaires, qui tous portent un indicible fardeau de la guerre et doivent composer avec les militants de l'Intifada. Du côté opposé, on trouve des gens d'étonnante ressemblance dans leur quotidien et préoccupation, et vivant le poids du service militaire et son tribut, tout en devant cohabiter avec leurs propres fondamentalistes, le tout sous perpétuelle peur à l'attentat.

Puis il y a l'horreur du quotidien palestinien. Des enfants qui meurent d'une balle perdue, pour avoir poursuivi un ballon. Les check-points souvent fermés, l'impossibilité de travailler, l'urbaine guérilla, les représailles, les disparitions, les habitations et le paysage dévasté. Le chantage à la collaboration pour la moindre faveur. L'humiliation.

Crédit :Frédéric Ciminari

Le point de vue? Montrer, à partir de l'humanité de chacun, de son quotidien, une certaine vision bilatérale de l'état des lieux, le tout étant observé par le prisme de la vie ordinaire, du quotidien.

La contextualisation scénographique ? Un sol ocre avec bande transversale métallique se jette sur un minéral mur du fond, comme celui des lamentations. La mécanique théâtrale est exposée avec changements de costumes à vue, en latéralité, les réalités suggérées sont avant tout une affaire de convention, et de suggestion. Côté cour, coin Palestine : une photocopieuse active et ses éclats de lumière verdâtre suggère un atelier d'impression, puis une chaise de barbier signale l'échoppe où tous se rassemblent pour discuter. Côté jardin, composé de quelques tables, accessoires, voilà le coin Israël, avec les colons, le territoire occupé, la milice, la salle d'interrogatoire et le bac de simulation de noyade. Les éclairages glauques, funestes, en torves clairs obscurs ou en éclat d'urgence, bercent d'imprévisible ou menacent d'éclats sanglants. Le son participe de la même expressionnisme climatique, stridence, porte-voix, sirène, avec parfois de méditatives complaintes. Des projections dont les images sont saisies in vivo ( caméra de vision nocturne à l'épaule), grossissent l'expression des caractères, et la jettent contre ce mur. La zone de vie est celle de l'inconfort, de l'instabilité, de la peur.

Il y a plusieurs rôles par comédien. Les changements de rôles se font à la volée, ils sont étroitement chorégraphies dans un surréel rallentando.

La construction? Une dantesque parade expressive et viscérale, en mouvements contrastés où on installe climat, plaies ataviques et blessures, de part et d'autre : enfants tués, parents disparus, horizons bloqués, panorama dévasté et sociétés civiles et institutions anéanties en Palestine; militarisation, jeunesse embrigadée, mort planante pour une jeunesse juive parfois prise dans une logique oppositionnelle qui semble lui échapper...

Citoyens modérés, gens ordinaires et militants fondamentalistes respectifs sont montrés, prisonniers de la mécanique de l'escalade de la haine : on trace la genèse du martyr kamikaze politique et religieux dans une atmosphère de siège et de quasi-génocide.

Et dans l'ensemble? Intense, avec la douleur et l'asphyxie en sous-texte comme toile de fond de ces destins damnés. Cette substance se dissout dans l'eau sanglante et trouble des moments rageurs et intenses, en formant parfois de légers précipité : le propos ainsi se cristallise parfois de cumul, frappe, cogne encore, ne serait-ce que pour mieux étamper dans les consciences une indicible réalité.

Sortir un drame de l'abstraction et de la déréalisante surexposition médiatique, le matérialiser, lui donner voix et humanité sans manichéisme ni voyeurisme émotionnel, et montrer des êtres vrais chez qui se mêlent affres et espoirs dans un combat contre un destin torturé, voilà qui est déjà beaucoup. C'est bellement porté, dans une chimie de dosage déjà très avancée face à ces incarnations multiples et complexes.

Voilà une pièce courageuse : son but est de susciter chez chacun conscientisation, et sans doute de susciter ouverture et dialogue, tout en laissant chacun sortir de la salle avec des pistes de réflexion, hors du moite et lobotomisant confort de l'indifférence.

Certes une pièce importante.

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Texte et mise en scène de Philippe Ducros

Comédiens : François Bernier, Sylvie de Morais, Denis Gravereaux, Justin Laramée, Michel Mongeau, Marie-Laurence Moreau, Étienne Pilon, Dominique Quesnel et

Isabelle Vincent

Assistante mes : Charlotte Ménard

Scénographie : Magalie Amyot

Costumes : Nadia Bellefeuille

Musique : Ludovic Bonnier

Éclairage : Thomas Godefroid

Vidéo : Philippe Larocque

Spectacle en reprise du 8 au 26 nov. 2011

1er au 19 décembre 2009

Espace Libre

1945, rue Fullum

Billetterie : 514-521-4191

Ascension, d’Olivier Choinière - Conservatoire d’art dramatique de Montréal

2011-11-06T21:49:00.010-05:00

Par Yves Rousseau

Chronique de la relève : Les finissants du CADM portent avec brio le texte « Ascension », d'Olivier Choinière, dans une superbe mise en scène de Maxime Denommée.

Avec Métropolis (1927), Fritz Lang avait en pleine industrialisation dépeint prémonitoirement une totalitaire société taylorisée. Chaplin jeta avec Modern Time (1936) un humoristique regard sur les dérives du capitalisme. Plus tard en 1949 avec « 1984 », George Orwell pousse taylorisme et déshumanisation à leur paroxysme, en montrant prophétiquement un univers de production où tout est hautement monitoré. Avec Ascension, Olivier Choinière poursuit le temporel cursus d'aliénation, et campe son univers dramatique dans une néo-libérale postmodernité éclatée dignement héritière de ces précitées sociétales prémisses.

L'action se déroule dans une immense tour à bureau, au coeur même du gigantisme contemporain, dans un lieu condensant en lui-même, la fine fleur du corporatisme, de l'arrivisme, du carriérisme carnassier, du consumérisme relationnel et de l'instrumentalisation humaine. En pleine réunion, un cadre y voit son esprit s'évader vers mirifiques horizons de liberté et annonce par une attitude de plus en plus divergente, l'arrivée de plus en plus imminente d'un passage à l'acte vers la fuite. Mais hors de la compagnie, hors du « système », point de salut. On ne quitte pas le navire si facilement. Le prix de la divergence est élevé, et la chute est douloureuse...

C'est tragique ironie décapante que Choinière procède à la déconstruction d'un milieu de travail, mettant ainsi en relief une très emblématique et très actuelle systémique de l'aliénation. La savoureuse dissection des mœurs de bureaux touche à l'absurde asphyxie de l'être, et ses acides éclats assemblent avec brio une cruelle fresque montrant triste état des lieux, avec une vue d'ensemble soulevant en pleine perspective, existentiel et humanitaire questionnement : est-ce ainsi que les hommes vivent...

Le travail de mise en scène de Maxime Denommée impressionne. Les narratifs principes de choralité encadrant les portions dialoguées du brûlant flux textuel de Choinière, ont trouvés superbe appuis mimographiques, dans une suite soudée ou le métalangage suggère perpétuels échos de sens. Les paroxystiques cycles narratifs hallucinés sont étroitement soudés et rythmés, traversant en antinomiques mouvements les intenses territoires de corporelles incarnations métaphoriques haletantes sur arrière-plan déréalisé. Le buid-up est splendide, c'est du Choinière dans toute son implacable splendeur grinçante.

La jeune équipe de comédiens impressionne par sa générosité et son intensité. La mise en espace est optimale, et l'équipe traverse de présence ce dantesque et glauque plateau ceint de métalliques poutrelles donnant sur central promontoire cruciforme : c'est le sacrificiel autel du veau d'or.

Voilà une œuvre que l'on reverra certainement sur scène bientôt, c'est une nécessité.

Ça, c'est du texte!

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Texte : Olivier Choinière

Mise en scène : Maxime Denommée

Comédiens : Olivier Barrette, Louis-Philippe Berthiaume, Vicky Bertrand, Marie-Annick Blais, Jérémie Francoeur-Chalifour, Gabrielle Lessard, Virginie Ranger-Beauregard, Émilie Sigouin, Philippe Thibault-Denis et Marie-Noëlle Voisin

Scénographie : Olivier Landreville

Ambiance sonore : Larsen Lupin et Maxime Denommée

Costumes : Stéphanie Cléroux

Éclairage : André Rioux.

28, 29 octobre, 1, 2, 3, 4 et 5 novembre

Théâtre Rouge, 4750, avenue Henri-Julien, Montréal

Conservatoire d’art dramatique de Montréal

Billetterie du Conservatoire (514 873-4283, poste 313)

Ascension sera également présentée à Québec les 11 et 12 novembre au

Théâtre du Conservatoire d’art dramatique de Québec, 13, rue Saint-Stanislas, Québec

J'aime beaucoup ce que vous faites, de Carole Greep - Productions du losange

2011-11-05T21:30:00.032-04:00

Par Yves Rousseau

Les Productions Losange montent leur propre adaptation du texte « J'aime beaucoup ce que vous faites », de Carole Greep.

Crédit : Patrice Tremblay

C'est dans un kitsch décor de salon que se déroule cette histoire qui se résume à peu de chose : un homme et une femme roulant en voiture passent en revue les torts et travers du couple chez qui ils sont invités, alors que leur cellulaire mal raccroché transmet toute leur conversation aux intéressés. Ces derniers tenteront pendant la soirée de préserver les apparences. Mais peu à peu, le vernis s'écaille et la situation se corse : la soirée va être longue...

Rapidement, le propos prends allure de sitcom où défilent une suite de gags surlignés (sur les hommes, les femmes, le couple) et de situations rocambolesques tout aussi convenues. Peut-être est-ce l'effet d'une approximative adaptation, mais hélas, dans cette version, le texte semble d'une ringardise affligeante.

Nombre de boulevardières comédies peuvent voir leur substance complètement transformée simplement par la mise en perspective amenée par le jeu. Ce n'est malheureusement pas le cas ici. Face aux très basiques incarnations (maladroitement surjouées) relatives au couple invité, on trouve les antinomiques compositions des hôtes : la très prometteuse Sarah Gravel (un des secrets bien gardés du monde théâtral) fait avec générosité et aplomb tout ce qu'elle peut face à un personnage dont l’exécrable « construit » semble découler du niveau zéro du jeu, avec entre autres symptômes, diction machée et atonale, texte approximativement bafouillé, enchaînements laxistes, expression empruntée, lourdeur et confusion de geste, et progressif décrochage dans « l'incarnation ».

Crédit : Patrice Tremblay

La compagnie a eu recours aux services de Mathieu Marleau, un jeune metteur en scène qui depuis sa sortie de l'école de théâtre en 2007, s'est démarqué au niveau de ses propres projets avec plusieurs réalisations fort prometteuses (Cendres sur les mains, Quelqu’un pour veiller sur moi). Marleau semble avoir dans les circonstances tenté de tout contenir à l'intérieur de principes simples et vulgarisés : son travail est bien découpé et bien ordonné, mais un metteur en scène, si cohérent soit-il, ne peut tout sublimer à lui seul.

On ne peut rien ajouter de plus.

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Texte de Carole Greep

Adaptation québécoise par Les productions du losange

Mise en scène : Mathieu Marleau

Comédiens : Jessie Chamberland, Sarah Gravel, Stéfan Lamoureux et Lionel Reynaud

Scénographe : Sylvain Ratelle

Balustrade du Monument-National

1182, boul. Saint-Laurent

Montréal (Québec)

Réservation : 514 871-2224

Jaz, de Koffi Kwahulé - Compagnie Lézards Qui Bougent - Théâtre Les Deux Mondes

2011-11-04T02:35:00.007-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Jaz, émotion et verbe planent, virevoltent et créent image de leur jazzistique déconstruction, dans la traversée d'un dantesque nulle part imaginaire horrifique menant ultimement, à l'exécution d'une condamnée. Compte à rebours...

Crédit : Nicolas Descoteaux

NDLR Critique de décembre 2010

Sous les glauques éclairages d'un limbique univers de cauchemar électrique, une jeune femme attachée sur clinique civière mécanisée est exposée comme un cobaye, dressé, plié, crucifié et centrifugé au gré de complexes mécaniques d'un dispositif pneumatique commandé. Comme virtuel fouet, les stimulus aversifs de ces humiliants mouvements s'accompagnent de monstrueuses sonorités technos-diaboliques sourdes et aliénantes, sous le big-brotherisme voyeur d'une multiplicité d'écrans vomissant échos de pornographique profanation de l'âme, dans ce technologique univers de damnation désacralisée d'humanité. Le visionnaire songe halluciné induit substantifique intronisation métaphorique d'un post-moderne état des lieux...

Crédit : Nicolas Descoteaux

Un univers du viol intégral pour une histoire de viol, de vengeance et de meurtre, se dessine cyclothymiquement par cubistes bribes de témoignages étranglés, avec, recluse dans les derniers recoins de sa dignité, cette femme oscillant entre maniaque flammes de l'impuissante révolte et sombre abîme du désespoir torturé. Sa vie aliénée d'asservissement, son existentialité marginalisée dans insalubre cloaque résidentiel (aux toilettes toujours bouchées) des laissés pour compte, s'introjettent dans sa captivité par la symbolique corporalisation de la révolte et de la douleur : on assiste à un retournement contre soi excrémentalisé au sens propre par de la matière fécale (ou résiduelle), et au sens figuré par la putride matière d'un destin sacrifié de fatalité.

Crédit : Nicolas Descoteaux

La parole de Jaz est celle de tous les détours, de toutes les instinctives errances, et le papillonnant trait de son verbe trace la schizokaléidoscopie de l'état des lieux d'une post-modernité où l'individualité se perd dans la taylorisation, le morcellement, la perte de sens, le flou identitaire et la déshumanisation. Son pugilat contre l'inéluctable vide de la mort touche à la grandeur de la force de vie dans le paradoxe de la petitesse de l'être devant l'existentielle absurdité. Son universel stoïcisme devant la fatalité illustre par sa métaphorique représentativité, l'atavique universalité de la tragédie et l'élève au rang de mythique icône à l'universelle féminitude.

Le jeu procède d'un viscéral cri dépersonnalisé (Jaz parle d'elle-même comme d'un être extérieur) livré sous poétiques éclats déconstruits parfois symboliques, comme si mosaïque d'états et de moments assemblait totale substance à la manière d'un procédé d'éclatement jazzistique où la note bleutée serait verbe. Sur l'expiatoire plateau où son personnage est soumis à la question, Madame Chérubin donne tout, avec un viscéral jeu d'une rare intensité subtilement modulé d'expressionnistes gestes. Plus que par la surcharge produite par ces gadgets scénographique, c'est avant tout par le simple pouvoir de suggestion de l'interprète que se matérialise un univers habité par un personnage livré dans toute la splendeur animale de son inaliénable humanité (belle direction de jeu).

C'est un théâtre d'initié intriqué de références (tant dans le texte que dans les projections), un fascinant objet dense et oppressant de véracité qui trouve donc plus existence dans son verbe et son humanité, que dans sa technoïde matérialité. On aurait aimé la pièce peut-être juste un peu plus épurée, avec une voix directe plutôt qu'amplifiée (pas toujours clairement).

Mais ici, l'interprète transcende tout, domine son espace, et porte avec superbe ce texte à partir d'un jeu physique enrichit par un impeccable travail chorégraphique.

À voir !

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Texte de Koffi Kwahulé

Mise en scène de Kristian Frédric

Comédienne : Amélie Chérubin-Soulières

Scénographie et costumes : Kristian Frédric

Chorégraphie : Laurence Levasseur

Conception robotique et vidéo : Simon Laroche

Conception vidéo : Yves Dubé

Éclairage : Nicolas Descôteaux

Conception sonore : Michel Robidoux

Assistante à la mise en scène : Margot Châron

Assistante aux costumes : Marilène Bastien et Julie Émery

Assistante aux vidéos : Christian Pomerleau

Assistante scénographe : Stephanie Delarue

Effets spéciaux : Guy Fortin

En reprise du 1er au 12 novembre 2011

4 au 15 décembre 2010

Présenté au Théâtre des Deux Mondes (pour Usine C)

7225 Chabot, Montréal

Billetterie : 514-521-4493

Théâtre de la manufacture - Au Champ de Mars, de Pierre-Michel Tremblay

2011-11-02T16:43:00.005-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Champs de Mars, Pierre-Michel Tremblay part des prémisses du champ de bataille et de l'aftermath existentiel pour exposer un territoire d'intériorité qui sans faire de cartier, décape la risible postmodernité de notre petit coin de confort indifférent.

Crédit : Suzane O'Neill

En reprise, théâtre du Rideau Vert, 1er au 12 novembre

NDLR Critique de janvier 2010

Instinctivement, en contemplant l'affiche apocalyptique du spectacle, et en captant de facto ce thème de l'aftermath guerrier, plusieurs ont sans doute songé à un drame viscéral et sanglant, voire une tragédie. Ce n'est pas tout à fait faux, ni tout à fait vrai. Oui, il y a certes une profonde dénonciation de la guerre (ici nos soldats en Afghanistan), oui on y trouve une incisive critique sociale sur cette façon que nous avons de transposer nos occidentales valeurs dans nos interventions « pour la paix », mais le propos ne s'arrête pas là, ni dans la forme, ni dans l'esprit.

À partir de la thématique précitée, Champs de Mars est en fait une oeuvre qui comme une cascade d'ironie cruelle et d'humour noir coulant sur lave d'incandescentes blessures, s'évapore de miasmes en verve acide en dressant un portrait cruellement rigolard et d'une acuité sans merci de notre post-moderne réalité. Le champ de bataille au sens propre, qui fut celui d'un ancien combattant de Kandahar en plein choc post-traumatique, devient le champ de bataille intérieur et de ce vétéran, et celui des autres personnages gravitant autour de lui - chacun des caractères occupant une part d'utopie, de lubie, mais aussi de vérité.

Crédit : Suzane O'Neill

Les personnages sont complètement tourné en bourrique en même temps que montrés dans toute leur humanité contrastée. Il y bien sûr ce soldat skinhead heavy métal (le vétéran) sous-culturel alcoolique, toxicomane, hanté par ce sergent imaginaire qui est une transposition du brain wash militaire aux relents de valeurs canadiennes, dans l'utopie de la libératrice civilisation apportée aux Afghans; puis il y a sa psychiatre traitante, une névrosée baignant dans l'utopie de l'empathie tarifiée et l'étatique surcharge de travail dévolue au praticien, et elle contient sa désillusion, son ras-le-bol et son épuisement en tentant de le sublimer dans de méditatifs cours de clarinette klezmer; on trouve ensuite ce professeur de musique, une ultra satire de petit bobo plateau dans l'utopie gaugauche altermondialiste pacifiste zen conscientisée dont les milles prétentions et le look surfait artistico-intello branchouille affecté cachent un narcissisme, un arrivisme et une vacuité de poseur sans nom; finalement, on rencontre ce réalisateur de camelote filmique (style action) et télévisuelle tendance-concept de pacotille à la mode, en burn-out , hyperactif de gestuelle de vendeur de char usagé et de verbe en forme de bullshit, manipulant avec ostentation frénétique son blackberry centre de vie. C'est que ce dernier est mis en relation par la psy avec le vétéran afin de documenter sa prochaine « œuvre » (film d'action de pacotille) : par le biais de ce personnage, la charge envers certaines errances médiatiques est sans pitié...

Crédit : Suzane O'Neill

Tout cela est livré à partir d'une scénographie toute fonctionnelle, avec coin jardin le bureau d'un BCBG sage et générique de la praticienne, et côté cour la garçonnière de l'assistance (du soldat), crade, jonchée de vaisselle sale et de bouteille vide .

Chaque réplique est un trait révélateur aigre-doux exutoire, jouissif, livré sous action-réaction constante par ces dyades absurdes et improbables, devant une salle croulant de rire sardonique : un rire de sens qui n'est pourtant pas celui de la facilité. L'interprétation est charnue, complice, incarné, avec des comédiens qui semblent autant endosser rôle et propos que prendre plaisir, sous une direction à la fois précise, grave et espiègle qui dénote un grand sens du tempo, du détail déclencheur.

Un peu plus d'une heure de délire hilarant passant dans un éclair de lucidité.

À voir!

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En reprise, théâtre du Rideau Vert, 1er au 12 novembre

Texte : Pierre-Michel Tremblay
Mise en scène : Michel Monty
Comédiens : Josée Deschênes, Justin Laramée, Mathieu Quesnel, Sébastien Rajotte et David Savard
Assistance à la mise : en scène Geneviève Lessard
Décor : Patricia Ruel
Costumes : Sarah Balleux
Éclairages : Guy Simard
Musique originale : Jean-François Pednô
Accessoires : Marie-Ève Lemieux

26 janvier au 6 mars
Théâtre La Licorne
4559 Papineau, Montréal
Billetterie : 514.523.2246

Rouge - Compagnie un mot au creux de la main

2011-11-01T02:41:00.014-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Rouge, Marc Israël Le Pelletier revisite le mythe du Petit Chaperon Rouge sous l'égide d'une déconstruction vaguement absurdiste.

Rouge est une jeune femme qui n'a jamais réussi à se libérer de la mort de sa grand-mère. Afin de contourner deuil et douleur, elle engage Mère-Grand, un comédien chargé d'incarner cette défunte. Isolée dans les schizoïdes dédales de sa solitude, Rouge ressasse son passé par le truchement de ses conversations téléphoniques avec l'employé, et revit rétrospectivement l'histoire de sa vie. Perdue dans les limbiques miasmes d'une demie-réalité psychotique et brisée de conflit avec la figure maternelle, Rouge redevient ainsi progressivement le petit chaperon qu'elle était enfant, et retraverse l'espace coupable de sa désobéissance de jadis, celle qui ouvrit la porte au grand méchant loup.

Sur une scène ou le rouge prédomine, se matérialisent deux symboliques univers parallèles ou coexistent sans jamais se voir, les deux protagonistes de l'histoire. Du côté jardin, on trouve l'incarnation de cette mère-grand vêtue d'une jaquette et d'un bonnet, dans un univers évoquant la rustique cabane de ce conte de Perreault. Du côté cour se trouve la proprette chambre de la jeune femme.

Si cette très libre variations autour de ce conte renvoie inévitablement aux très post-modernes problématiques de la mercantilisation et de la virtualisation des rapports, du refus de la mort et du deuil, elle semble en cinquante petites minutes ratisser trop large par addition et agglutinement référentiel avec arrière-plan de bidouillages vaguement sociopsychanalytiques. C'est au travers d'une hébéphrénique gestuelle (dissocié d'une scénographie pourtant élaborée) ou le relatif statisme alterne avec une lenteur affectée, que résonnent les répliques désincarnées au travers des zigzags aléatoires de la bancale construction dramatique. Le jeu des comédiens semblent englué dans le collant territoire du total manque d'espace, avec un langage scénique qui laisse aussi perplexe que le texte souvent beaucoup plus abscons que réellement absurdiste. Ça tourne en rond.

On ne peut guère rajouter quoi que ce soit de plus.

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Texte : Marc Israël Le Pelletier

Mise en scène : Cécile Assayag

Interprétation : Ansia Wilscam Desjardins et Miguel Doucet

Installation vidéo : Geneviève Boivin

Conception sonore : Mayline Terrettaz

Costumes : Karine Blanchette

Scénographie : Stéphanie Légaré

Lumières : Stéphane Ménigot

Salle intime du Théâtre Prospero

19 octobre au 5 novembre

1371, rue Ontario Est

Tél. : (514) 526-6582

Dans l'ombre d'Hemingway, de Stéphane Brulotte - Théâtre Jean-Duceppe

2011-10-29T00:31:00.008-04:00

Par Yves Rousseau

Hemingway, et Cuba : voilà deux entités qui dans leur union, devraient en principe ouvrir la porte à de vastes et mirifiques territoires de grande théâtralité métaphorique...

Hélas! la rencontre plutôt que de s'envoler vers de riches espaces d'écriture et de jeu s'attarde au travers d'une téléromanesque chronique, aux dernières années d'un personnage Hemingway alcoolique, caractériel, et ébranlé par la critique. Et c'est dans un décor trop grand et trop vide que se développe cette intrigue, avec déluge d'effets de projections : certains suggèrent à grand renfort d'effets sonores (la mer) un arrière-plan Cubain de carte postale, et d'autres accompagnent un saupoudrage de matière Hemingway prenant forme de dérives intérieures en voix hors-champs accompagnée de belles images aux dimensions métaphoriques surlignées.

Si on apprécie les climats de persiflages de boulevard, remplies de gag à punch line et d'éléments anecdotiques, on pourra peut-être passer plus facilement au travers de la « sitcom-esque » partie première de cette pièce. L'intrigue simpliste est axée sur l'éternel triangle adultérin: une jeune aficionado italienne dont s'est épris le vieillard se pointe avec sa rombière et bourgeoise déchue de mère, et Hemingway vit alors un dilemme face à son épouse légitime. Une interminable multiplication de planes scènes entre l'auteur et sa quasi-lolita occupent bonne portion de la pièce, qui en tiers final emprunte au ton du feuilleton dramatique d'après-midi, avant de s'échouer dans une conclusion impromptue se dépannant d'un quelconque prologue surtitré.

Oubliez les niveaux d'existence, la recherche des motivations des personnages, et les ramifications actancielles. L'interprétation flirte parfois un peu avec le style distancié, avec plaqué de quelques décoratifs pré-finis dramatiques. La formidable matière Hemingway ne semble pas portée à même les personnages. On échappe un peu à ce syndrome dans quelques scènes où le travail de jeu semble plus approfondi (rôles féminins), mais cette recherche a malheureusement été canalisée dans une valse de rupture de style. Par exemple, le parlé québécois du couple initial découle peut-être d'un travail d'appropriation de la matière, mais les autres personnages aux exotiques et instables accents de pacotilles semblent complètement fabriqués, comme s'ils avaient été envisagés (dans le style de jeu) pour une autre pièce. Les manipulations d'accessoires et de décors faites à vue sont laborieuses, ajoutant à la lourdeur de l'ensemble.

Quand on pense à la profondeur et aux résonnances presque mystiques de la culture cubaine, on ne peut qu'être affligé par ce seul personnage cubain prenant la forme d'un guignol serviteur, dont la construction emprunte à tout les clichés. Ce ne sont pas quelques maigres mesures de musique du pays (noyées dans une série de choix douteux) qui dédouaneront le tout.

La grande rencontre avec Hemingway et Cuba, ça sera pour la prochaine fois...

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Texte et mise en scène : Stéphane Brulotte

Comédiens : Bénédicte Décary, Linda Sorgini, Marc Legault, Marie Michaud, Michel Dumont

Décor : Richard Lacroix

Costumes : François St-Aubin

Éclairages : Luc Prairie

Vidéo : Yves Labelle

Musique : Christian Thomas

Accessoires : Normand Blais

Assistance à la mise en scène : Maude Labonté

Du 26 octobre au 03 décembre 2011

Théâtre Jean-Duceppe

175, rue Sainte-Catherine O., Montréal (Québec)

Métro Place des Arts

Tél. : 514 842-2112

Sans frais : 1 866 842-2112

Faire des enfants, d'Éric Noël - Théâtre de Quat'Sous

2011-10-27T02:33:00.011-04:00

Par Yves Rousseau

Après avoir été initialement montée en 2010 par le vétéran Pierre Bernard dans le cadre des productions des finissants de l'École Nationale de Théâtre, la pièce "Faire des enfants" est de nouveau portée sur scène par Gaétan Paré, un jeune metteur en scène de la relève.

Crédit : Yanick Macdonald

Puisque nous avions déjà détaillé les particularités de la pièce (texte magnifique) dans la couverture du spectacle original de mars 2010 (nous vous recommandons de la lire), voici un brève synthèse de l'histoire. La pièce se déroule aujourd'hui, dans un éclaté univers de postmodernité. Dans ce monde de vacuité, de pertes de repères et de relative solitude, les personnages pris dans les grands courants de dérive sociétale tentent de s'accrocher à quelques tangibles bouées de l'étourdissement volontaire. Certains noient leurs anxiétés existentielles dans la petite vie, le travail, la routine, et d'autres, comme Philippe, l’antihéros et personnage principal de la pièce, anasthésient leurs peurs et angoisses par une fuite effrénée dans le stupre et la fornication.

Deux temps principaux marquent l'histoire : d'abord dans une chute effrénée, on assiste aux derniers jours de l'existence de Philippe, un jeune homosexuel autodestructeur qui se prostitue, se drogue et partouze frénétiquement avec une insouciance suicidaire. Puis, l'action se rapporte à sa banlieusarde famille éclatée, qui traverse l'aftermath de sa mort, une famille comme bien d'autres qui cherche à comprendre en traversant des zones d'émotions où se rencontrent culpabilité, colère, révolte, douleur et impuissance. Globalement, il y a des portions dialoguées qui touchent à un réalisme certain, tout en étant ponctuées de très lyriques et limbiques dérives d'intériorités découlant de procédés narratifs permettant plongée en apnée au sein des vives blessures.

Crédit : Yanick Macdonald

Il existe dans les approches de mise en scène des procédés qui tout en exposant l'intériorité des personnages, permettent à partir de diverses manœuvres de métalangages de renvoyer le petit vers le grand, le personnel vers le sociétal, bref de mettre en relief ce qui dans une pièce permet de dépasser la stricte dimension de l'anecdotique et de l'intime afin de parler du monde dans lesquels on vit. Le point de vue de Paré ne semble pas toujours rechercher ce genre de mise en perspective, mais parait plutôt procéder d'une intense plongée au sien de l'intimité des personnages. L'univers envisagé par Paré est celui d'un huis clos : un simple praticable de planche qui parait flotter, isolé au milieu d'un spartiate espace, accueille un oppressant univers où stagnent toutes les blessures. Le grand souci esthétique est perceptible, la cyclothymique gestuelle est étroitement codifiée, et les personnages traversent un espace de conventions où mimographies, proxémique et effets de scènes mettent emphase sur cette glauque intimité. Il en résulte une certaine lourdeur, un pathétisme ambiant, une impression de séance de grattage de bobo crade et souvent scatologique. Ainsi, les cycles de martèlement thématiques envisagés par Éric Noël comme une progression en crescendo dramatique, ne s'éclairent pas de sens sous variations d'angles de traitements et de mises en perspectives (comme ils le devraient), mais semblent plutôt redonder et stagner au premier niveau. Par contre, ce qui tient lieux de boulet et entrave dans cette portion première, se transforme pourtant en formidable carburant dans le temps deuxième de la pièce (portant le texte dans toute sa force), révélant avec magnificence et grande sensibilité des personnages profondément humains et emblématiques de notre époque et de tous ses modus vivendi.

À part les sensibles interprétations de Dany Boudreault (Philippe), d'Hélène Mercier (très troublante dans le rôle la mère) et de Daniel Gadouas (le père), on trouve ailleurs un certain décalage de jeu qui peut parfois être assez agaçant. Quelques costumes et maquillages semblent emprunter à une grotesque et carnavalesque vision des personnages jeunes et divergents. Le climat sonore aurait peut-être pu bénéficier d'un plus grand apport de travail de composition musicale plutôt que de simples repiquages générant des climatiques parfois un peu plaquées. Le très fin travail d'éclairage tout en clairs-obscurs, en zones interlopes et en fins découpages, traduit parfaitement les paradoxaux et équivoques états climatiques et humains.

Voilà un jeune auteur des plus prometteur.

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Texte : Éric Noël
Mise en scène : Gaétan Paré
Avec Dany Boudreault, Sonia Cordeau, Ludger Côté, Normand Daoust, Daniel Gadouas, Marc-André Goulet, Rachel Graton et Hélène Mercier
Assistance à la mise en scène, assistance au son et régie : Olivier Gaudet-Savard
Scénographie : Mylène Chabrol
Costumes : Linda Brunelle
Éclairages : Claude Cournoyer
Conception : sonore Gaétan Paré
Maquillages et coiffures : Suzanne Trépanier
Assistance aux costumes : Chantal Bachand
Coupeur : Michel Proulx
Confection : Gabrielle Desrosiers
Parure de tête : Lyne Beaulieu
Perruque Rachel : Tremblay

18 octobre au 13 novembre 2011
Théâtre de Quat’ Sous
100, avenue des Pins Est, Mtl

Billetterie : 514 845-7277

La Ligue d'improvisation Montréalaise (LIM) débute sa vingt-et-unième saison

2011-10-20T01:57:00.037-04:00

La Ligue d’improvisation Montréalaise, formidable lieu d'expérimentation ouvert à la relève théâtrale, entreprend sa vingt-et-unième saison.

Crédit : Aude Vanlathem

Chronique de la relève - Changement de garde à la LIM.

Fondée en 1991, Ligue d’improvisation Montréalaise a peu à peu évolué vers une formule d'improvisation plus axée sur la créative théâtralité que sur la formelle compétition. Pour résumer en quelques mots, on peut dire que le système orientant équipes et improvisations met en place des conditions s'approchant beaucoup du laboratoire de jeu. Les accessoires y sont tolérés et les improvisations thématiques sont accompagnées de dynamiques interventions musicales in vivo.

Crédit : Aude Vanlathem

Les équipes regroupent un amalgame mêlant dans de variables proportions, de jeunes diplômés d'écoles de théâtre (jeune relève), quelques autodidactes, ainsi que des acteurs plus expérimentés issus de la « vieille » relève faisant invariablement preuve de belle écoute et de grande générosité auprès de leurs cadets.

Crédit : Aude Vanlathem

Dans l'actuel contexte de sous-financement chronique des institutions théâtrales, les territoires de prises de risques et d'expérimentation se font rares, course aux revenus et à la rentabilité obligent. Cette situation est encore plus criante pour les membres de la relève, qui entre les éphémères engagements épars, traversent souvent des périodes de flottement où les impératifs de survie prennent le pas sur le travail de jeu.

Crédit : Aude Vanlathem

Ce lieu d'expression créative offrant ouverture, liberté et hebdomadaire occasion de pratiquer (ce qui permet de maintenir une continuité), devient donc un essentiel organe d'avancement. On y a vu passer (et on y voit encore) nombre d'artistes comptant maintenant parmi les grands noms du théâtre, et on y voit régulièrement œuvrer moult jeunes talents émergents. De nombreux metteurs en scène et acteurs de calibre y sont régulièrement invités à titre de maître de jeu. Pas étonnant d'y trouver une grande qualité de spectacles traversant des territoires contrastés allant du tragique au comique.

Crédit : Aude Vanlathem

Le spectacle du 16 octobre explorait les miasmes et délires des intimes fantasmagories intérieures, honteuses ou abracadabrantes. Les équipes semblaient rajeunies par de nombreuses arrivées : les quelques derniers membres de fin de cohorte de la génération « X » que l'on y retrouve y côtoient une très majoritaire jeune génération « Y » : c'est un changement de garde.

Voilà un superbe espace d'humanité et de liberté. C'est ouvert d'octobre à juin, tous les dimanches, et on peut retrouver la liste des joueurs et le calendrier des matchs ci-bas.

On ne vous en dit pas plus, à vous le plaisir de découvrir.

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Tous les dimanches

Le Lion d’Or, 1676 Ontario Est

20 h

Animateur : François Lachapelle
Musiciens : Guillaume Rivard, Nicolas Fréchette, Christian David, Catherine Planet, Samuel Charrois, Mathieu Gélinas
Éclairages : Anne-Sara Gendron, Caroline Daigle, Maxime Clermont, Tania Perno-Viau

Équipes de comédiens :

LES JAUNES

François Bernier

François Gilbert

Suzie Bouchard

Marc St-Martin

Delphine Bienvenu

Amélie Geoffroy

Charles-Étienne Beaulne

LES ORANGES

Florence Longpré

Ève Landry

Simon Boudreault

Mathieu Lepage

Sebastien Leblanc

Sophie Thibeault

Mikhail Ahooja

LES VERTS

Mira Moisan

Olivier Gaudet-Savard

Frédéric Barbusci

Laurie Gagné

Arnaud Soly

Didier Lambert

Sarah Berthiaume

LES BLEUS

Martin Boily

Jean-Philippe Durand

Véronique O'Reilly

Anne-Élisabeth Bossé

Mathieu Bouillon

Kim Despatis

Jean-Sebastien Lavoie

Les ROUGES

Joëlle Paré

Alexandre Cadieux

Simon Rousseau

Charles-Alexandre Quesnel

Johanne Lapierre

Sébastien Rajotte

Lily Thibeault

Matchs :

16-Oct Bleu Jaune

23-Oct Vert Rouge

30-Oct Bleu Orange

06-Nov Vert Jaune (Coup de Coeur

Francophone)

13-Nov Rouge Bleu

20-Nov Orange Vert

27-Nov Jaune Rouge

4 - dec Bleu Vert

12-Jan Orange Jaune (Jeudi)

15-Jan Rouge - Orange

22-Jan Bleu Jaune

29-Jan Vert Rouge

5-fev Bleu Orange

12-fev Vert Jaune

19-fev Rouge Bleu

26-fev Orange Vert

04-Mars Jaune Rouge

11-Mars Bleu Vert

18-Mars Orange Jaune

25-Mars Orange-Rouge

01-Avril Bleu Jaune

08-Avril Vert Rouge

15-Avril Bleu Orange

22-Avril Vert Jaune

29-Avril Rouge Bleu

06-Mai Orange Vert

13-Mai Jaune Rouge

21-Mai Bleu Vert (Lundi)

27-Mai Orange Jaune

03-Juin La Grande Finale de la LIM

Le Camp Horreur, de Anne-Hélène Prévost - Théâtre du Lys

2011-10-02T16:51:00.017-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Camp Horreur, Le Théâtre du Lys donne dans la totale parodie du genre très particulier des « Teen horror movies » pour public collégien de tout âge...

Crédit : Théâtre du Lys

C'est donc dans un univers volontairement calqué sur ces paroxystiques et grand-guignolesques trames filmiques rocambolesques dignement tributaires des univers d'Ed Wood (avec ici une petite touche de Jesús Franco) que nous entraînent cette délirante bande de sanguinolents lurons. L'habituel maigre scénario sert comme d'habitude à introduire toute une série de péripéties où se côtoient les emblématiques et incontournables personnages du précité genre « Teen horror movies »...

Crédit : Théâtre du Lys

Déjà sans doute devinez-vous histoire et caractères. Certes, il y a bien sûr le sportif, viril et libidineux antihéroïque capitaine de l'équipe de football, puis sa copine, l'inévitable godiche ingénue en mini-jupe qui est la chaste reine des meneuses de claques. Vous savez également que ce dernier cherchera à entraîner cette blanche oie dans un lieu isolé où il pourra enfin tenter une énième fois de la convaincre « de le faire ». Vous visualisez spontanément ce lieu qui se trouve bien entendu à être nécessairement mystifiant, brumeux, glauque et inquiétant : il s'agit ici d'une sordide chambre d'une fantomatique auberge supposément abandonnée, avec un décor d'une autre époque rappelant certains univers horrifiques des années 40 où planait le spectre Béla Lugosi. Rendu à cette étape, vous savez pertinemment que pour que l'histoire marche, il manque la troisième roue du chariot arrivant inopinément juste à temps afin que la morale soit sauve et que « l'acte » ne puisse jamais être consommé : c'est le nerd pot de-colle, la tronche maladroite, gaffeuse et complexée qui en réalité joue à l'ami tout en rêvant également de se farcir la majorette. Inutile de vous préciser que la nuit venue, sous musique décalée, sifflement du vent et éclats de tonnerre, cette spectrale auberge va s'avérer ne pas être aussi abandonnée qu'elle en avait l'air. Oui, ça va saigner...

La construction « dramatique » est jusqu'en mi-portion cocasse, mais elle pourrait être un peu plus ramassée au niveau du rythme, et plus fourbie d’inattendus. C'est en portion deuxième que pleine amplitude parodique est atteinte, avec une très intentionnelle surcharge de la proposition livrée avec la plus macabre des ironiques mauvaises fois. À partir d'une « approche » du « jeu » où chacun se roule avec délectation dans les codes expressifs potaches et appuyés du genre, et sous déferlement de décapitations sanguinolentes, de danses macabres et de guerrières éructations meurtrières, les comédiens s'en donnent à cœur joie en entraînant cette farce à la limite du surréel, et ce, malgré une totale intégrité des trois théâtrales unités classiques : temps, lieu et action. Pour ce qui est de la bienséance, contentons-nous de mentionner cette scène éthylique où la tronche surfant sur vague d'hémoglobine et caracolant sur monceaux de cadavres, apprends sur la pompette cocotte, manuel d'éducation en main et lampe frontale sur tête, à faire sous ivresse de toutes les altitudes des Monts de Vénus, le plus intime des compliments...

On rigole bien, c'est un délire prometteur.

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Texte : Anne-Hélène Prévost

Mise en scène : Guillaume Perreault

Interprétation : Gabriel Dagenais, Jennyfer Desbiens, David Leblanc, Gabriel Paré, Anne-Hélène Prévost, Julie Roussel assistance

Assistance, régie et conception d'éclairages : Marjorie Quessy

Décor et accessoires : Jeanne M. Leblanc

Costumes : Cath Lecours

Espace 4001

4001, rue Berri, Montréal

Metro Sherbrooke

Courriel : theatredulys@gmail.com

Billetterie : 514 678-7701

Théâtre de l'Opsis - Il Campiello, de Carlo Goldoni

2011-09-25T23:00:00.000-04:00

Par Yves Rousseau

C'est sous grandiose et apothéotique accueil que le Théâtre de L'Opsis voit triompher la première pièce de son cycle italien, Il Campiello, de Carlo Goldoni : un festif délire au parfum de farce, une tordante rigolade tablant avec ironique verve sur les éternelles humaines faiblesses...

Crédit : Yannick MacDonald

NDLR : Ce grand succès du Théâtre de l'Opsis est repris une fois encore au Théâtre Denise-Pelletier. La critique suivante a été réalisée lors de la présentation d’octobre 2010 à la Cinquième Salle de la Place des Arts.

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Carlo Goldoni fut à son époque réformateur de la Commedia dell'arte : à partir des principes exposés en 1750 dans son (métathéâtral) « Il Teatro Comico », la pièce à canevas se transforme progressivement en comédie de caractère totalement écrite, sans masques, avec à la base un certain réalisme social peignant une humanité dont on fait grande moquerie : pas d'hypocrisie faces aux moeurs de la race, toutes les prétentions et faux-semblants passent à la moulinette d'une comédie élaborée, mais toujours porteuse des couleurs de la comédia, de son esprit, et de ses personnages.

Crédit : Yannick MacDonald

L'histoire de cette pièce écrite en 1756 est simple : à Venise, sur un campiello, soit une petite place ceinte d'habitations très serrées ou tout le monde sait tout sur tout le monde, on s'épie, on commère, on s'enquiquine, on se chamaille, puis on fête. Une armée d'affreuses vieilles mégères y intrigue afin de marier leurs filles aux meilleurs partis de la place : ainsi débarrassées, elles pourront se marier à leur tour, elles, libidineuses sorcières, affreux crapauds qui se croient toujours désirables. La situation se complique des manigances d'un survenant bellâtre noble ruiné à la recherche d'une belle et surtout d'une dote, une belle façon jeter de l'huile sur le feu et rebrasser les cartes des alliances amoureuses déjà ébauchées entre les belles et plusieurs gars du coin.

Crédit : Yannick MacDonald

Magnifiquement campé dans une scénographie reproduisant à partir de portes recyclées d'étroites façades plausiblement vénitiennes, la comédie envisagée par Serge Denoncourt met en relief avec une étonnante acuité les satiriques intentions de Goldoni, dans un parcours ou la verve colorée et truculente du maître s'appuient sur les irrévérencieuses facéties et cabrioles gentiment grivoises dignes des zannis de la comédia : s'ils ne sont pas masqués les personnages de vieux portent riches maquillages totalement au service d'une comique et très descriptive laideur cocasse. C'est une cavalcade, un feu roulant où chaque trait ironique s'accompagne d'une contrepartie physique chargée de rigolards doubles sens, de références perverties dans toute la force irrévérencieuse et égrillarde de la farce : voilà la substance retrouvée, parfois crue, mais toujours vraie d'un Goldoni ici textuellement décensuré, survolant dans cette pièce la burlesque vie des petites gens de son déliquescent univers Vénitien.

Crédit : Yannick MacDonald

La pièce est rythmée au quart de tour, tout y est impeccablement placé et contrasté d'effets : les scènes attendrissantes à la Pierrot et Colombine croisent tordant mitraillage d'actions bouffonnes, et, en parfait accord de sens avec d'une œuvre qu'on s'est pourtant appropriée, les humaines prétentions de vertus laissent toujours entrevoir avec délice moqueur leur contrepartie d'universelle bassesse, de tares et de vices. C'est de surcroit habillé de magnifiques costumes, de superbes éclairages, et de chant qui, comme l'aspect chorégraphique, illuminent l'espace d'une grande fête carnavalesque.

Crédit : Yannick MacDonald

L'équipe de comédiens impeccablement dirigée, semble bénie des bons hospices dionysiaques, une totale présence généreuse, investie, fraternelle et incroyablement savoureuse. Les prestations demandent totale présence et force de dextérité dans les actions corporelles, avec en plus une impitoyable trame d'enchaînement dans cet univers aux multiples portes et fenêtres selon une exigence de précision qui rencontre l'implacable mécanique d'un Feydeau.

Un bouquet coloré de vie, de couleur et de plaisir, un jubilatoire moment de festif théâtre : grandiose et apothéotique triomphe.

À voir absolument, voilà certes de quoi oublier la grisaille automnale et faire le plein d'énergie !

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Texte de Carlo Goldoni
Mise en scène de : Serge Denoncourt
Assistance à la mise en scène : Marie-Christine Martel
Costumes : François Barbeau
Décor et accessoires : Louise Campeau
Éclairages : Martin Labrecque
Conception sonore Michael Binette
Conception des maquillages : Nathalie Gagné

Avec :

Annick Bergeron, Luc Bourgeois, Louise Cardinal, François-Xavier Dufour, Stéphanie Labbé, Magalie Lépine-Blondeau, Marie-Laurence Moreau, Olivier Morin, Adèle Reinhardt etJean-Guy Viau

En reprise au Théâtre Denise-Pelletier du 22 septembre au 19 octobre

4353, rue Sainte-Catherine Est

Réservations : 514-253-8974

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Du 5 octobre au 30 octobre 2010
Cinquième Salle de la Place des Arts
Billetterie :514.522.9393
billetterie@theatreopsis.org

Emily Dickinson - La Demeure

2011-09-25T17:48:00.008-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Émily Dickinson, La Demeure explore l'existentialité de l'auteure par la métaphorique expression corporelle, dans une vibrante rencontre avec le verbe beau.

Crédit : Zed Touati

C'est à un véritable survol profond, sensible, et un peu espiègle des biographiques points marquants de l'existence de l'auteure Émily Dickinson, que nous convie la compagnie La Deumeure. Pour nous plonger dans la psyché de cette écrivaine recluse dont les poésies ne furent découvertes et publiées qu'après sa mort (en 1886), ont a opté pour une trame mimographique très élaborée : le geste y devient métaphorique reflet de la psyché, et les mouvements dialoguent comme dans une contrapuntique fugue avec le verbe, le tout traçant expressionniste fresque d'une existence de poétique fuite dans une intériorité libertaire et magnifiée.

Crédit : Zed Touati

Le metteur Olegv Kisseliov se situe sans doute parmi les dignes héritiers des grands pontifes du jeu incarné, avec une post-moderne vision réactualisé de l'acteur total rappelant parfois certains aspects du travail et de la vision de Jerzy Grotowski. Bien qu'utilisant de la musique préenregistrée et une trame d'éclairage recherchée, le travail de Kisseliov rejoint par dépouillement général et son minimalisme scénographique (le minimum pour suggérer) cette forme de dénuement plaçant l'acteur au centre de tout — on pense entre autres au théâtre pauvre, et à la notion d'espace vide. C'est un travail sur l'intégralité du jeu et de l'acteur comme on en voit hélas! plus assez de nos jours.

Crédit : Zed Touati

C'est essentiellement sous la spleenétique musique de Miles Davis, et autour de quelques costumes et accessoires rappelant les objets fétiches à l'auteure (par exemple la fameuse robe blanche) que s'est littéralement envolée la comédienne Larissa Corriveau, dans une superbe et très exigeante prestation demandant absolue présence. La trame expressive est très touffue, et ce, tant dans le texte que dans les mouvements papillonnants et cyclothymiques où s'expriment avec un brin d'ironie et d'iconoclastie, tous les paradoxes connus de la créature littéraire Dickinson.

C'est à voir.

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Textes : Emily Dickinson

Mise en scène, scénographie, lumière, son : Oleg Kisseliov

Création et interprétation : Larissa Corriveau

Assistance à la mise en scène : Nadia Vislykh

Collaboration à la dramaturgie : Larissa Corriveau

Aide à la traduction : Emmanuel Schwartz

Voix hors champ : Sarah Desjeunes/Sharon James/

Maxime Laurin/Gaetan Nadeau

Jusqu'au 1er octobre

Théâtre La Chapelle

3700, Saint-Dominique

Billetterie : 514-843-7738

Cantate de guerre, de Larry Tremblay - Théâtre d'Aujourd'hui

2011-09-24T23:21:00.012-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Cantate de Guerre, Larry Tremblay accouche d'un très grand texte théâtral qui parle de la mécanique de la haine : dur, viscéral, et sans compromis.

Crédit : Valérie Remise

Du fatal destin des Troyennes jusqu'aux modernes génocides de l'Allemagne nazie ou du Kosovo, l'histoire de l'humanité est un long fleuve sanglant où coule la violente matière de l'atavique haine humaine. Et c'est avec un très dur, mais subtil, profond et puissant texte tragique que Larry Tremblay en fait ici contemporaine et universelle représentation.

Dans un nulle part imaginaire cauchemardesque qui pourrait être celui de toutes les exactions d’hier et de demain, un groupe de miliciens lourdement armés procède au barbare massacre d'une famille en prenant à témoins le plus jeune de ses membres, soit un jeune garçon de sept ans. C'est à ce dernier que le chef des perpétrateurs adresse jusqu'au bout de l'horreur, un long soliloque démentiel qui est halluciné par les souvenances (dérives temporelles) de sa propre famille semblablement massacrée. C'est un discours qui matérialise la haine de toutes les haines, celle qui prend source dans l'éternelle chaîne de la vengeance.

Crédit : Valérie Remise

Pour accueillir ce flux aussi verbalement que physiquement intense et incarné, on a imaginé un anguleux enchevêtrement de de gigantesques poutres (en arrière-plan) suggérant les guerrières ruines devant lesquelles une humanité exsangue et incertaine crapahute sur le plan incliné et grillagé d'une scène traversée de tous les déséquilibres.

Ce sombre univers expressionniste enrobe ce rituel de tribale rage d'une glauque lumière interlope, et les mouvements brusques et soudés de contrastes de ce méphistophélique opus sont annoncés par de bruitiques crissements sourds issus de cordes de pianos (tendues à même le décor) et d'obus titillés par les frottements d'un archet.

Ces précités mouvements sont le fruit empoisonné issu d'un principe d'interaction entre les crachats verbaux paranoïaques et psychopathiques du récitant (le chef joué par P.A.), et les échos chorégraphiés du chœur de patibulaires sbires. L'ensemble forme une monstrueuse unité traversée par des êtres maudits qui dans le royaume de Hadès, répéteraient dans une éternelle damnation un universel scénario chargé de toutes les rages et de toutes les blessures génocidaires.

À la composition incroyablement habitée de Paul Arhamani, s'ajoute un impeccable travail généreux et fraternel des comédiens formant le chœur. C'est une totale réussite pour une post-moderne tragédie qui à l'égalité et à l'unisson avec celles des plus grands, montre ce qu'on ne voudrait plus jamais voir, mais qui finit toujours par resurgir avec une violence renouvelée...

C'est à voir absolument : une heure de dense vérité.

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Texte : Larry Tremblay
Mise en scène : Martine Beaulne
Comédiens : Paul Ahmarani, Mikhaïl Ahooja, Abdelghafour Elaaziz, Frédéric Lavallée, Mathieu Lepage, Philippe Racine, Denis Roy
Assistance à la mise en scène et régie : Stéphanie Capistran-Lalonde
Dramaturgie : Marie-Christine Lesage
Décor : Anick La Bissonnière
Costumes : Daniel Fortin
Éclairages : Claude Cournoyer
Musique originale : Ludovic Bonnier
Accessoires : Julie Measroch
Voix : Frédérike Bédard
Maquillages et coiffures : François Cyr
Conseiller au mouvement : Huy Phong Doan
Collaborateur au décor : Éric Olivier Lacroix

20 septembre au 15 octobre

Théâtre d'Aujourd'hui

3900 rue Saint-Denis

Billetterie : 514 282 3900

Le Numéro d’équilibre, d'Edward Bond - Théâtre des Petits Pas de Géants

2011-09-10T15:39:00.004-04:00

Par Yves Rousseau

Avec « Le numéro d'équilibre », Edward Bond traverse avec farcesque et absurdiste cynisme, les croulantes illusions d'une humanité exsangue errant dans les sociétales ruines de l'aftermath du capitalisme triomphant.

Crédit : Frédéric Chais

L'univers ici inductivement suggéré par Bond est celui d'une postmodernité éclatée, individualiste et gorgée de néo-libéralisme décadent. Il est celui des lendemains qui déchantent du rêve américain, celui où la promesse de l'universel accès aux biens et au bonheur fait plutôt place à un crade univers de chacun pour soi chargé de désillusions et de laissés pour compte. C'est un monde où le consumériste modèle a de son enflure atteint son paroxystique point culminant, celui de la rupture, du déséquilibre, du fameux point de non-retour. On ne s'y alimente que de croustilles de pomme de terre aux psychédéliques saveurs industrielles impossibles, comme emblématique aliment symbolisant le triste état des lieux : c'est une élégie de l'aliénation. Les zombiesques êtres dépossédés de leur substance et harassés par l'absurde non-sens de cette non-existence, continuent de survivre comme ils le peuvent. Certains s'accrochent à leur petite fonction sociale, dans une vacation ectoplasmique et désincarnée, comme une forme de défensif repli sur soi passant par le mécanisme de défense de l'activisme. D'autres, plutôt que de chercher équilibre dans cette échappée vers l'avant, « choisissent » l'intérieure fuite dans la folie : c'est le cas de Viv l'antihéroïne principale de la pièce.

Crédit : Frédéric Chais

Là où tout chancelle et s'écroule, Viv cherche ce fameux point d'équilibre universel, et pense l'avoir trouvé dans un vétuste immeuble voué à une imminente démolition. Et c'est dans un poétique état limbique, vulnérable et lunaire, que sa schizophrénique quête se poursuit. Son ami Nelson la visite, la ravitaille de ces précitées croustilles de pomme de terre tout en tentant de la raisonner. Malgré ses efforts, la jeune femme périra lors de la démolition. Pour Nelson débutera alors un surréelle errance où il croisera les êtres reliés au drame, dans une absurdiste épopée cyniquement farcesque. Dans le panorama sociétal (de la bêtise humaine) traversé par ce pauvre Nelson, les êtres agressifs, paranoïaques vivants au seuil de la dysfonction et du burn-out se livrent à des dialogues de sourds, seuls et ensembles. Plus aucun modèle ne tient, tout y est déconstruit, haché menu puis passé à la casserole.

Crédit : Frédéric Chais

Pour matérialiser le cadre de ce trublion délire en deux temps, une brillante scénographie réalisée avec beaucoup d'imagination et peu de moyens, offre fascinant support métaphorique. La phase première montrant la petite dans son absolutiste quête se déroule dans le brouillard d'un nulle part existentiel (bellement accompagné d'un mantraesque effets électroacoustiques) représenté par de trouble et immatérielle membranes translucides au travers desquelles on devine amoncellement de briques. La phase seconde (plus cabaresque), montre l'arrière-plan sous glauque éclairage, et alors ce qui semblait brique et démolition, se révèle être amoncellement de sacs vides de croustilles formant une collante matière symbolique et envahissante dans laquelle devront se débattre les personnages.

Il y a eu un très intéressant travail d'appropriation relativement à cette langue hachée, où souvent les répliques impromptues sont syntaxiquement concaténées, comme si on exposait la parcellaire voix intérieure des personnages qui semblent souvent plus ou moins s'adresser à eux-mêmes. On a transposé la traduction française de Jérôme Hankins dans un québécois « normatif » (non joualisant), avec un effet assez réussi au niveau des portions de texte plus lyrique et intérieur (par exemple pour la précitée phase première), mais plus difficile au niveau du rythme pour les phases plus dialoguées (il reste peut-être un certain travail d'adaptation). L'acoustique ne semble pas favoriser les basses sonorités, et les voix de baryton ou de contralto atteignent difficilement la salle — il faut dire qu'à cet égard, certaines répliques ravalées et mâchées n'aident en rien.

Si l'équipe se tire de la phase cabaresque de façon intéressante et souvent cocasse (on y remarque en particulier Mikaël Lamoureux), la portion la plus sensible et la plus belle du spectacle appartient à Aurélie Morgane, qui interprète avec brio le personnage de Viv à partir d'une subtile trame mimographique très habitée : voilà dans toute sa triste splendeur, Viv seule aux portes du néant dans sa vulnérable quête d'absolu.

Voilà certainement une jeune compagnie qui ne rechigne pas devant la prise de risques et la découverte. Le travail de défrichage donne de belles éclaircies, et ouvre pistes et sentiers sur des trajectoires de recherche pertinentes.

C'est une démarche qui vaut la peine d'être encouragée.

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Texte : Edward Bond

Mise en scène : Louis-Karl Tremblay

Assistance à la mise en scène : Kathleen Aubert

Interprétation : Alessia de Salis, Mickaël Lamoureux, Olivier Mercure, Aurélie Morgane

Conception sonore : Steve Lalonde

Conception des éclairages : Sarah-Katerine Lutz

Décor et accessoires : Sophie Rachelle Currie

Costumes et maquillages : Sophie Rachelle Currie

Direction de production : Sophie Duchesneau

Direction artistique Laurence Perreault-Rousseau

7 au 17 septembre 2011

Centre Culturel Calixa-Lavallée

3819 Calixa-Lavallée, Montréa

Billetterie : 514 523.3316

Blackbird, de David Harrower - Le Groupe de la Veillée - Théâtre Prospero

2011-09-08T00:44:00.006-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Blackbird, le Groupe de la Veillée se penche sur un texte explorant la zone trouble et paradoxale d'une relation illicite entre un homme mûr et une très jeune fille. Le texte n'étiquette jamais d'un nom le phénomène, et ni n'excuse, ni ne juge. Pas de cautionnement, pas de sentence : on montre.

Crédit : Groupe de la Veillée

NDLR : Voici à titre indicatif, la critique du spectacle original présenté du 28 avril au 23 mai 2009. Notez que dans la reprise actuelle, la comédienne Catherine-Anne Toupin (apparaissant sur les photos) est remplacée par Marie-Ève Pelletier.

La mise en situation est rapide. Dix-sept années plus tard, Una aperçoit par hasard un fantôme de son passé. Elle le suit, à son travail, l'interpelle. Embarrassé, il entraîne prestement cette belle jeune femme à l'écart, loin du regards des collègues, dans un coqueron dînatoire crade, jonché de détritus et déserté : là ou tout va se passer. Étouffant, troublant. Rapidement, on est installé dans le malaise : il avait à l'époque quarante ans, elle en avait douze. Une illicite passion, trois mois. Puis un procès. Pour lui, après, quelques années de prison et les thérapies d'ordonnances. Puis changer de nom, et se refaire une vie: sa conjointe aurait même une fille... Pour elle, le même quartier, la vie marquée, stigmatisée , les cancans, l'insupportable regard des autres.

Bien sûr, on ne peut moralement cautionner le geste, où être emphatique face à cet homme. Mais l'écriture de Harrower, fine et terriblement efficace (voir impitoyable) dans son build-up émotionnel, évite de définir les personnages d'un point de vue manichéen. Un texte en demie teinte, qui refuse d'excuser, mais aussi de condamner, et qui nous situe plutôt en permanence dans des zones d'humanité trouble, très. S'y trouvent autant l'odieux sous-jacent, la honte, la fuite, que le trouble attachement idyllique ressurgissant, latent. Pas de victime et bourreau, en fait pas totalement – mais plutôt l'intelligence des paradoxes humains : on nous situe dans le malaise et les cicatrices et plaies ouvertes des personnages, étant projetés dans leurs émotions. Mais ne vous méprenez pas : on ne tombe pas dans la romance de l'amour maudit et impossible et on ne vient pas vous dire que cela eût pu être légitimé, n'eut-ce été du fait de la cruelle fatalité des divergences d'âges. Le jugement est laissé au spectateur.

Deux courants de vies qui se heurtent, eaux troubles, bouillonnement interlope

Face à Una, les explications et rationalisations et regrets de l'homme , sur cet égarement qui n'aurait été qu'unique, fortuit et lié à une passion transcendente, sont ils légitimes, où procèdent-ils plutôt justement de la dynamique d'une pathologie et de ses manipulations (pathologie qui est exposée, indirectement, dans le propos)? La douleur déchirée, éructante et rageuse de Una semble doublée d'une visible passion refoulée sous le poids de la spoliation et de de la blessure : cette émotion est elle authentique, où découle-t-elle d'un syndrome (connu) de subjugation?

Douleur captive et paradoxale

Facile, avec un tel propos, de tomber dans le psychodrame stigmatique avec l'ignoble de service, n'est-ce pas? Ici vraiment pas le cas. Que de dosage, que de subtilité. La rencontre, en cycles de résurgences en « up and down », prend la forme d'un déchirant et profond thriller existentiel. Là, sur scène, Téo Spychalski a adroitement contourné les pièges de la vision facile, confortable, pour plonger justement dans l'inconfort, le malaise avec un grand « M » d'une rencontre en deux courants de vies qui se heurtent, se mêlent et tourbillonnent dans un grand bouillonnement interlope et paradoxal. Ici, les gestes retenus, les hésitations, les petites fuites et dérobades, bref, tout le non-dit, parle puissamment, en parfaite symbiose et dialogue avec le texte: des intentions bellement cernées et rendues avec grande maturité.

Rebecca Vachon (jouant la supposée fille de la conjointe de l'homme) et Catherine-Anne Toupin : une couche d'incertitude de plus...

Alors là, le jeu ! Gabriel Arcand est tout simplement magistral. Tout, et dans le corps, le ton, et l'expression participe de cet abandon total au propos et au caractère. Catherine-Anne Toupin offre également une splendide performance, avec de saisissant moment d'expression. On sent une adhérence totale, une complicité solide entre comédiens et metteur en scène dans cette vision de ce dantesque tango. La jeune Rebecca Vachon, complète avec un caméo convainquant. Finalement, l'adaptation habile d'Étienne Lepage, qui resitue l'action dans un contexte qui pourrait être vraisemblablement local, alimente efficacement la proposition.

Certes pas un sujet facile, mais une œuvre puissante, un texte riche et déroutant, dans un rendu coulé dans le savoir-faire.

Avec Blackbird le Groupe de la Veillée conclut bellement sa saison, une sortie par la grande porte. On attend déjà la suite.

À voir!

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Une production du Groupe de la Veillée

Texte de David Harrower
Traduction par Étienne Lepage
Mise en scène de Téo Spychalski
Comédiens : Gabriel Arcand, Catherine-Anne Toupin (remplacée par Marie-Ève Pelletier pour la reprise 2011) et Rebecca Vachon
Décors Véronique Bertrand
Lumières Mathieu Marcil

Crédits photographiques : Groupe de la Veillée

28 avril au 23 mai 2009 - en reprise du 8 au 23 sept. 2011
Théâtre Prospero
1371 rue Ontario Est

Billetterie : 514 526 6582

Après la faim (fin) - Mandoline Hybride

2011-08-26T00:49:00.007-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Après la faim (fin), la créatrice interdisciplinaire Priscilla Guy s'intéresse au spleenétique temps de l'après, celui de tous les l'aftermaths des existentiels temps forts.

Impressionniste, limbique, éminemment inductif et féminin, symbolique et paradoxalement espiègle et iconoclaste, voilà les qualificatifs qu'on pourrait appliquer au travail de créatrice interdisciplinaire Priscilla Guy, qui s'intéresse ici aux spleenétiques flottements des petits lendemains vides et creux suivants les forts temps de bombance existentielle.

L'univers de départ est celui de la solitaire errance domestique dans ces lendemains en forme de petite mort. Et c'est ici la pomme qui est au coeur de la poétique imagerie : présente en quantité industrielle et d'abord sagement rangée, elle envahira le vide espace alors que progressivement les contours du réalisme se déconstruisent. Alors, les corps isolés quittent la prévisible routine des mouvements attendus, fondent, puis épousent les objets avec suave langueur et pleins de soif de l'autre. Puis en communale rencontre anarchique, les êtres exultent dans un crescendo de gloutonnerie affective où craque la symbolique chair de la pomme. Finalement, ce qui fut bacchanale, chair, sève, jus, se transforme en boulet, en obstacle, et les corps rampent dans les ruines des rencontres, les épaves de l'avant et les trognons des réminiscences. Après la faim, c'est la fin. Jusqu'à la prochaine fois...

Les phases solitaire et communale sont habitées par trois danseurs en costumes du quotidien ainsi que par la sensible musique de Lucie Monsarrat Chanon, qui épouse étroitement ce crescendo allant du réalisme à l'onirisme. Sa musique prend d'abord les contours d'un indicatif téléromanesque, puis accompagne la trajectoire de déréalisation : elle croise alors l'abstrait avec rythmiques onomatopées électriques et mécaniques, le poétique avec le papillonnement onirique du xylophone, et l'existentiel avec l'impressionnisme pianistique.

Moins narratif et théâtral que sa précédente création, le nouvel objet de Mandoline Hybride s'adresse d'abord aux sens, aux émotions et il faut s'y laisser couler sans chercher la voix de la raison, un peu comme lorsqu'on se laisse interpeler par une toile.

On passe un bon moment.

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Direction artistique, chorégraphie et vidéo : Priscilla Guy

Interprétation et cocréation chorégraphique : Jessica Serli, Louliko Shibao et Andrew Turner

Conception musicale : Lucie Monsarrat Chanon

Éclairages de Timothy Rodrigues.

Théâtre La Voûte, 2019 Aylwin, Montréal

25, 26, 27 août 20 h/ 28 août 16 h

réservation/information : mandolinehybride@gmail.com

L’enclos de l’éléphant - Théâtre du Grand jour

2011-08-24T19:05:00.024-04:00

Par Yves Rousseau

Avec l'Enclos de l'éléphant, l'auteur Étienne Lepage explore paranoïde dimension des rapports humains, puis assujettissement et formatage idéologique et comportemental à l'ère du panoptique big brotherisme post-moderne.

L'ère post-moderne est certes paradoxale : si jamais l'homme ne fut avant autant confronté à si important bombardement sensoriel issu de la multiplication des moyens de communication, jamais peut-être ne fut-il aussi isolé, solitaire et vulnérable devant masses de propagandes idéologiques générées par les spin-doctors propagandistes rattachés aux diverses factions composant le vaste panorama du néo-libéralisme triomphant. L'individu vulnérabilisé, privé de repères tangibles et vivant dans un univers aux tissus sociaux fragilisés, est soumis aux flux médiatiques lui indiquant comment penser et comment se comporter dans un environnement normatif favorisant la mercantilisation des rapports humains. Cet envahissement des divers moyens communications a certes pour effet d'abolir la distance entre les êtres, mais sous l'effet pervers d'un grossissement sensationnaliste suscitant peur de l'Autre et repli défensif. Cette climatique paranoïde est également soutenue par une relativisation de la notion de vie privée, et par une fluidification des frontières d'une intimité exposée par les médias sociaux, et violés par certaines institutions.

Le précité ensemble forme un systémique big brotherisme sociétal panoptique et c'est de façon brillante que l'auteur Étienne Lepage en fait métaphore à l'échelle humaine et intime. La scénographie de Romain Fabre, elle, en matérialise l'idée : à l'image du système architectural panoptique imaginé il y a deux siècles par le philosophe Jeremy Bentham (et comme métaphore sociétale de l'aujourd’hui), les spectateurs forment tissus sociaux morcelés en étant isolés dans de schizophréniques niches individuelles formant un forum donnant sur une arène-spectacle.

Sur cet espace de jeu dénudé se trouve un homme mûr lisant en solitaire son journal. On frappe, puis entre inopinément un quelconque quidam réclamant asile, le temps d'un orage. Le type complètement histrionique, assomme son hôte d'un flux verbal intense, et à l'image de l'omniscient bombardement médiatique, il génère un véritable lavage de cerveau ne laissant aucun espace de pensées : l'olibrius est si mephistophéliquement convainquant et hypnotique, qu'il finit par entrainer son hôte hébété dans toutes sortes de jeux psychologiques aussi absurdes que potentiellement pervers. Cette totale intrusion d'abord vraisemblablement inoffensive, induit climatique relationnelle alternant résistance et soumission passive, puis elle emprunte une tangente où miroite peur, paranoïa et agression, avant de produire réveil brutal à saveur de mercantilisation des rapports — comme dans la vraie vie d'aujourd'hui, tout ça pour ça : vendre (on ne vous en dit pas plus...)...

Voilà une fabuleuse rencontre de comédiens. Paul Ahmarani fabrique à merveille et avec beaucoup d'inspiration ce personnage mouvant et gesticulant, presque surréellement manipulateur et prolixe, tandis que Denis Graveraux fait parler tous les silences éberlués de son personnage quasiment muet et souvent immobile. Le texte du jeune auteur Étienne Lepage semble tout simplement hallucinant, comme une fenêtre s'ouvrant soudainement sur un lieu d'abstraction matérialisant absudiste et emblématique échantillon d'humanité, dans une apparition aussi ironique, délicieusement grinçante et cynique, que déstabilisante, soudaine et imprévisible. Voilà un jeune homme promis sans aucun doute à un avenir des plus brillants.

C'est à voir.

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Texte : Étienne Lepage

Mise en scène : Sylvain Bélanger

Distribution : Paul Ahmarani et Denis Gravereaux

Scénographie et costumes : Romain Fabre

Assistance à la mise en scène et régie : Jean Gaudreau

Conception sonore : Larsen Lupin

Éclairages : André Rioux

Collaborateurs : Phong Doan et Caroline Laurin-Beaucage

23 aout au 10 septembre

Espace Libre

1945, rue Fullum

Billetterie : 514-521-4191

Deux ans de votre vie - Les Biches Pensives

2011-08-19T15:43:00.016-04:00

Par Yves Rousseau

« Deux ans de votre vie » est une agréable comédie pétillante et ironique qui fait résonner la voix intérieure de célibataires totalement en manque et soudainement confrontés à l'arrivée inespérée d'un partenaire potentiel...

Credit : JérômeLeclerc

Ils sont trois, ils sont jeunes, ils sont célibataires et très en manque, et ils vivent dans cette folle époque d'aujourd'hui où les êtres de plus en plus souvent esseulés, désespèrent de rencontrer l'âme soeur. Pourtant, leur désir se heurte aux blessures issues des échecs amoureux passés, puis à une conséquente phobie de l'engagement paradoxalement accompagnée d'une masochiste contemplation misérabiliste et envieuse des couples heureux (épicerie, resto, cinéma, etc.) sous profond sentiment d'insuffisance et d'inadéquation face à la capacité de séduire et de plaire encore...

Bien sûr, cela tient jusqu'à ce qu'une fois encore le destin s'en mêle en propulsant ces « malheureuses » « victimes » vers une nouvelle relation aussi crainte que souhaitée. C'est donc avec beaucoup d'ironie et d'espiègle intelligence que l'auteur Rébecca Déraspe plonge ses personnages complètement hystériques et paniqués exactement à ce moment. Le procédé d'écriture table machiavéliquement sur un procédé narratif révélateur : chaque étape de la progression de la relation est ponctuée par des apartés où les presque tragi-comiques personnages livrent leurs flux de pensées. La manœuvre montre avec humour satirique toute la très typique matière névrosée de caractères qui par leurs propos et ruminations, tracent la grande mosaïque de la pathétique réalité des relations amoureuse à l'époque du troisième millénaire. Et si on a choisi de propulser les personnages dans une heureuse suite idyllique, c'est toujours à partir de mises en situation rocambolesques, surfaites et improbables, comme si on cherchait par ce construit remplit d'autodérision à nous rappeler avec un certain humour noir plein de mauvaise foi, qu'ici on est au théâtre, et pas dans la vraie vie...

Évidemment, afin de mettre en scène un propos rythmé par les perpétuelles insertions des apartés, cela prenait quelque chose de particulièrement fluide et dynamique. On a donc opté avec beaucoup de bonheur pour un espace (presque) vide, où les scènes sont en toutes modulations climatiques, très enchaînées. Temps et lieux sont schématiquement définis par simples conventions d'espace ainsi que par des déclarations à même la narration. Le jeu est donc mis très à l'avant, et c'est un territoire d'acteur qui hormis une exposition un peu longuette, se laisse traverser avec beaucoup de plaisir. C'est une pièce qui marie légèreté et substance avec adresse, et c'est bellement livré par une distribution qui compte de solides talents de la relève.

Malheureusement, pour en savoir plus sur cette histoire où il est question d'une soeur qui décide de prendre tout les moyens pour trouver une compagne à son frère « dépressif », il faudra vous rendre sur place, car on ne vous en dira pas plus...

C'est à voir.

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Texte de Rébecca Déraspe

Mise en scène Jacques Laroche

Interprétation Annie Darisse, Benoît Drouin-Germain, Dominique Leclerc

Scénographie et costumes Marzia Pellissier

Éclairages et régie Josiane Fontaine-Zuchowski

Conception sonore Gaël Lane Lépine

Salle Jean-Claude-Germain

16 août au 3 septembre 2011

Théâtre d'aujourd'hui

3900 rue Saint-Denis

Billetterie : 514 282 3900

PAPA - Les Garçonnes

2011-08-12T21:56:00.005-04:00

Par Yves Rousseau

La dernière création des Garçonnes explore la complexion des rapports père-fille en hybridant documentaire cinématographique et fiction théâtrale.

L'objet théâtral est le fruit d'une collaboration multidisciplinaire entre le réalisateur Patrick Bilodeau, qui a interviewé seize vrais papas de tout âge à propos de leurs relations père-fille, et l'auteur Julie Roy, qui a imaginée le fictif personnage d'une jeune femme vivant conflit ouvert avec son père.

Le concept est assez original. Nous sommes dans une buanderie et Jeanne, le personnage solo qui est de retour d'un très long voyage, lave son linge sale en public. Les témoignages vidéos de paternels intercalés entre chaque scène jouée, apparaissent dans le hublot des machines à laver. L'ensemble s'articule autour d'une mise en espace poétique avec interventions d'un coryphée offrant spleenétiques chants climatiques et poses métaphoriques sous superbe musique.

C'est un mariage bipolaire opposant les interviews souvent touchants et cocasses de véracité et remplis de bonhomie, et le volet fictif et dramatique relatant l'entrée difficile dans la vie adulte d'une enfant gâtée. Dans les vidéos, Bilodeau trace avec humour, finesse et surtout beaucoup d'unité, un portrait touchant avec justesse à la réalité de père de diverses générations, et de toutes provenances sociales. En contrepartie dans son texte, Julie Roy relate avec lyrique justesse la tragédie générationnelle des enfants-roi, qui souvent parmi tout ce qu'ils reçurent en trop, manquèrent peut-être de ce qui ne se retrouve que dans une essentielle immatérialité affective et une minimale rigueur éducative. Dans une forme théâtrale papillonnante, très prometteuse, mais pas encore complètement intégrée (les coutures paraissent un peu, le mariage entre le plurigénérationnel (vidéos) et l'unigénérationnel (fiction) est discordant), l'unité se retrouve se retrouve au niveau de la ligne du caractère, qui est livré dans toute sa «splendeur» et sans compromis.

Le personnage de Jeanne vit donc le conflit à la fois tragique et pathétique de ceux qui grandirent trop protégé pour pouvoir de mesurer à la vie et sentir fureur de vivre, ceux qui eurent parents-amis surprotecteurs et prompts à sortir le chéquier, mais inconsistants dans leur façon de tracer limites et assumer leur rôle de figure d'autorité. Dans sa quête existentielle à saveur de fuite psychogène, Jeanne semble donc avoir tout fait pour trouver cette limite que jamais elle n'eut le luxe de recevoir, et son voyage prend la forme d'une valse provocation libertaire, dépravée et doublement paradoxale : tout pour se mesurer à la vie et s'émanciper de papa, mais tout vécu avec la frivolité et l'insight d'une viveuse catin, et vraiment tout pour faire chier papa, mais avec l'argent de papa...

Voilà un laboratoire avancé, riche de matière et des plus prometteur, comportant d'intéressantes pistes de jeu : et si on y trouve foisonnent de type de père, pourquoi ne pas y faire foisonner les types de filles si c'est la grande mosaïque des relations père-fille que l'on trace?

À suivre.

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Mise en scène et scénographie par Les Garçonnes

Texte : Julie Roy.

Jeu : Geneviève Boivin-Roussy, Patricia Gagnon

Musique : Patricia Gagnon et Pierre-Philippe Côté

Réalisation : Patrick Bilodeau

Montage : David Tomassini

Éclairage : Robin Kittel-Ouimet

Costume: Catherine Aubertin.

Les 5, 6, 11, 12, 13 août 2011 à 20 h

au Goethe-Institut Montréal, 418, rue Sherbrooke Est, Montréal

Le prince et le pauvre - Festival du Nouveau Théâtre Musical The Next Wave 2011

2011-08-10T13:54:00.012-04:00

Par Yves Rousseau

Le Festival The Next Wave présente une production française récipiendaire du prix Marius 2008 pour le meilleur spectacle musical jeune public : il s'agit d'une adaptation du conte « Le prince et le pauvre », de Mark Twain.

Crédit - The Next wave

Nous sommes au XVIe siècle, Angleterre, à la toute fin du règne d'Henri VIII. L'héritier de la couronne est le jeune Prince Édouard, qui n'est alors qu'un enfant coincé dans le faste guindé et protocolaire de la cour. Édouard rêve de jeu et d'escapade en toute liberté dans les rues de Londres. Le hasard lui fera rencontrer son sosie, le jeune et très pauvre Tom Canty, qui lui rêve aux merveilles de la cour. Les deux garnements devenus amis ont alors l'idée de d'échanger de costume et de se faire passer l'un pour l'autre. Entre-temps, le roi meurt, et bientôt son successeur (le prince) sera couronné. C'est alors que l'ignoble et perfide Comte d'Hertford (oncle et tuteur du Prince) qui a subrepticement ouï l'entente entre les deux garçons, complote afin de s'emparer du pouvoir en éliminant d'abord le véritable prince, puis en faisant ensuite de Tom son pantin. Mais cela est sans compter l'opiniâtreté du brave prince, qui avec l'aide de son nouvel ami, le preux Miles Hendon, a bien l'intention de déjouer les sbires le poursuivant et de démasquer le séditieux Hertford...

C'est une production tout à fait vivante, vibrante et remplie d'humanité, qui est ici matérialisée par cette superbe équipe. Loin du clinquant et de la « broadwayisation » des productions croulant sous une asphyxiante couche de trop épais crémage, la présente réalisation table sur la notion d'espace vide, et laisse toute la place à performance de l'acteur, et à la musique acoustique. Cette dernière, organique, douce et capiteuse, est livrée in vivo par un impeccable ensemble chambriste de sept musiciens (piano, violon, violoncelle, clarinette, cor, batterie et percussions) occupant l'arrière-scène, et dont le rôle dépasse largement par ses dimensions, le simple accompagnement. Ce volet instrumental où on retrouve de riches sonorités profondes (aux fréquentes résonances klezmer) s'enrichit évidemment d'une multitude de chorégraphiques prestations chantées, où alternent superbes arias et très harmoniques morceaux de choralité.

Le texte, simple, accessible et direct, résume l'essentiel d'une intrigue bienséante, et porteuse d'une proposition certes éducative, et à portée morale indubitablement constructive. Le groupe de comédiens et de collaborateurs, qui n'a pu bénéficier qu'un d'un maigre seize jours de travail et d'un très modeste budget, impressionne : là où il n'y a pas beaucoup d'argent, il y a du coeur, et ça paraît. Point de coeur, point de bon théâtre, car l'art lorsqu'il s'élève n'est-il pas avant tout une affaire d'engagement? L'essentiel de la troupe est composé de finissants du programme de théâtre musical du CEGEP Lionnel-Groulx, en plus du ténor Richard-Nicolas Villeneuve. En matière de voix, outre ce dernier, on remarque particulièrement le travail de Nathalie Niesing (magnifique timbre vocal), qui en plus de la précitée formation collégiale détient une formation du Conservatoire Royal de musique de l’Université de Toronto.

Voilà très certainement une pièce pour toute la famille, petits et grands y passeront un très bon moment. Reste à cette compagnie à trouver producteur afin de finaliser le déploiement matériel optimal et permettre à la pièce de dépasser le cadre des trois représentations prévues.

À voir !

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Auteur : Ludovic-Alexandre Vidal

Compositeur : Julien Salvia

Adaptation anglaise : Michael Conley

Metteur en scène : Julien Salvia

Direction musicale : David Terriault

Direction lumière et technique : François Godard

Affiche : Matthieu d’Aurey

Comédiens :

Emilie Allard (Edouard Tudor)

Geneviève Bastien (Dame Edith)

Simon Chaussé (John Canty)

Alexandre Léveillé (Gustave)

Julien Lemire (Lord Hertford)

Caroline Mailhot (Tom Canty)

Richard Nicolas (Miles Hendon)

Nathalie Niesing (Mme Canty)

Musiciens :

David Terriault (Piano)

Vincent Kim (Violon)

Thomas Sédillot (Violoncelle)

Émilie Chamberland (Clarinette)

Fanny Ladouceur (Cor français)

Justin Benoît Bélanger (Batterie)

Laura Alejandra (Percussions)

Présenté les 5, 6 (en français) et 9 août (en anglais)

à Espace Libre, 1945 Fullum à 20 h

Montreal Shakespeare Theatre Company - Titus Andronicus

2011-08-04T00:32:00.014-04:00

Par Yves Rousseau

Le Titus Andronicus de la Montreal Shakespeare Theatre Company : l'affaire est ketchup!

Il n'est pas nécessairement facile de trouver la façon de rendre Titus Andronicus, une pièce surchargée d'exactions. Grosso modo, c'est une œuvre de jeunesse dont la shakespearienne paternité est contestée pour des raisons de styles et de maîtrise littéraires considérés comme étant partiellement inapparentés au reste du travail du Grand Will. Dans l'aftermath des massacres de l'ère moderne, certains metteurs en scène ont néanmoins réactualisé une pièce dans laquelle ils voient une matière contemporaine et crue où ont peut trouver toutes les violentes errances de notre époque.

Monter Titus leur demande capacité d'imagerie et sens du dosage, car c'est très certainement une oeuvre qui par la multiplication de scène d'horreur, peut facilement basculer dans la carnavalesque surenchère grand-guignolesque. En l'absence d'une lecture qui plutôt que de rechercher métaphoriques parallèles et écho de sens relativement à nos états des lieux, prendrait plutôt parti de s'enfoncer dans une livresque restitution macabre et sanguinolente, on peut facilement aboutir à un «freak show gore».

C'est hélas! exactement ce qui se passe avec cette version de Titus. L'action prend fidèlement place sur une antique place romaine, avec toges, calceus, cuirasse, casque à plumet et tout le tralala. Les scènes souvent déclamatoires et statiques, ont pourtant été ramassées les unes contre les autres, et s'enchaînent selon un rythme forcé. Comme dans un « bon » film américain de tuerie, les atrocités paraissent ainsi défiler à une cadence très soutenue : meurtres, décapitation, mutilation virevoltent et éclaboussent généreusement l'ensemble d'hémoglobine. L'affaire est ketchup...

Et si encore le tout était rendu efficacement à l'intérieur de cette unité stylistique paroxystique : hélas, sur un plateau rougeoyant où tous finissent par être beurrés de sang, les tentatives de jeu viscéral et incarné donnent plutôt dans la grotesque surenchère, contribuant avec le reste à cette totale surcharge de la proposition. Il y a bien trois ou quatre interprètes qui se démarquent, allant jusqu'à offrir quelques scènes réussies, mais ailleurs l'inégalité du jeu du reste de l'imposante distribution est trop importante pour que ces quelques exceptions puissent à elles seules transcender et la performance, et les choix de mise en scène. Quelques tableaux tellement ridiculement chargés de beuglements dramatiques, de feintes fatalités et de jeu physique maladroit, ont au moins le mérite de déclencher le rire. Certains personnages, du simple fait d'une distribution paradoxale, ne passent absolument pas.

Ça sera pour une prochaine fois!

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Texte : William Shakespeare

Mise en scène : Aaron George

Comédiens : Christopher Moore,Jessica B. Hill,David Sklar, Ellie Moon,Jaa Smith-Johnson, Alex Goldrich, Patrick Rogers, Matt Lacas, Jason McCullough, Chris Nachaj, Megan Bradley, Stephanie Von Roretz, J.S. Elie, Angelo Vernucci, Aris Tyros, Zachary Amzallag, Liana Muhammad, Michelle Lewis, Julianna Kun, Sandra Foisy, Michaela Di Cesare, Tracy Allan, Lia Grant, Anne-Marie Saheb, Judith Portelance, Patrick Beaulieu, Karine Kerr-Gillespie, Jumaane Johnson, Joseph Ste-Marie, Laura Vizbara, Harley Rose,

Chorégraphe : Amy Blackmore

Scénographie et costumes : Genia DeMarco

Studio Hydro-Québec du Monument National

1182 St-Laurent, Montréal

2 au 13 août

Billetterie : 514-871-2224

Macbeth, de Shakespeare - Repercussion Theatre

2011-07-30T19:03:00.029-04:00

Par Yves Rousseau

Pour sa tournée 2011 des parcs du Montréal métropolitain, la compagnie Répercussion Théâtre propose un Macbeth se déroulant à notre époque.

Crédit : Repercussion Theatre

C'est donc dans un décor dépouillé constitué de quelques plates-formes sur squelettes métalliques que l'on verra évoluer les personnages en contemporaines tenues de ville. Les nobles y ont apparence d'affairistes issus d'une oligarchie corporative militarisée, et les persiflages de la cour se déroulent lors de 5 à 7 jazz-martinis. Et c'est dans les miasmes de ce faustien capitalisme triomphant, qu'apparaissent les méphistophéliques sorcières, qui sont incarnées par des travestis lubriques en minimalistes accoutrements de cabaret décadent. Les éclairages froids et bleutés accompagnés d'une mystifiante trame d'effets sonores électroacoustiques industriels complètent la postmoderne climatique.

La transposition à notre ère est intéressante dans sa façon de réactualiser conflits et errances d'une humanité ayant fort peu changé depuis l'époque du visionnaire Shakespeare : d'une lutte de pouvoir à l'autre, l'histoire se répète, et se répète sans cesse. Si certaines scènes impliquant jeu physique et utilisation de l'espace comptent parmi les plus réussies, de trop nombreux autres tableaux sombrent dans un téléromanesque statisme : on est à cet effet très loin du riche travail mimographique de Jean Asselin, qui l'été passé avait monté Roméo et Juliette pour cette compagnie.

Crédit : Repercussion Theatre

Une profonde inégalité de jeu afflige également la distribution, où le meilleur parfois, côtoie le pire. Si le pentamètre iambique ou le tétramètre trochaïque (éléments de métrique liés au rythme et à la diction) paraissent maîtrisés par quelques-uns, ils semblent pour d'autres s'articuler de façon inconsistante. De vaillants efforts individuels chez quelques rôles secondaires ne parviennent hélas pas à racheter le décalage pour certains des rôles principaux, insipides. Par ses errances de ton, l'ensemble prend apparence d'une quelconque bouillie, où le shakespearien mélange des genres semble former une informe fusion plutôt qu'une dynamique articulation de principes de jeu : le tragique y est englué de fadeur potache, et l'enchanté et le diabolique stagnent dans les eaux croupissantes du grand-guignolesque. L'orientation du jeu semble donc tâtonnante.

Voilà un Shakespeare ancré sur des bases prometteuses, mais qui semble se trouver encore à l'étape du laboratoire.

La pièce est présentée en anglais, gratuitement jusqu'au 21 août.

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Texte : William Shakespeare

Mise en scène — Arianna Bardesono

Concepteur de costumes — Laurence Mongeau

Scénographe — Cassandre Chatonnier

Comédiens : Nathan Barrett, Attila Clemann, Karl Graboshas, Tim Hine, Tim Hine, Chala Hunter, Dustin Kagan-Fleming, Samantha Megarry, Samantha Megarry et Adrian Shepski

Présenté dans les Parcs de la région montréalaise : horaire

La revanche des nombrils - Théâtre du 450

2011-07-03T22:12:00.013-04:00

Par Yves Rousseau

Avec la Revanche des nombrils, l'auteur Jocelyn Roy aborde avec une légère et ironique comédie, la difficulté à trouver l'âme soeur dans cette époque des communications où paradoxalement de plus en plus de gens se retrouvent célibataire et isolés.

Crédit : Robert Laflamme

Planant sur son céleste Olympe, Aprhodite se trouve bien découragée lorsqu'elle contemple le triste spectacle d'un monde froid et individualiste où chacun, engoncé dans sa solitude, tente pathétiquement de rencontrer l'âme sœur par le biais des sites de rencontre cybernétiques. Elle qui jadis enflamma le cœur des hommes, ne voit plus défiler que des hordes de technozombies nombrilistes et obnubilés par leurs addictifs bidules internet. Aphrodite, déchue et outrée, décide d'agir afin de rétablir sa crédibilité et prouver à ses divins collègues qu'elle peut toujours susciter la passion : elle interviendra donc à répétition auprès de Frédérick, et Mélanie, deux jeunes trentenaires esseulés dont elle aiguillera la rencontre, initiée sur internet. Mais la déesse de l'amour n'est pas au bout de ses peines : les deux tourtereaux sont maladroits et complexés. Chacun d'eux est de surcroît terriblement bonasse et doit composer avec ex-conjoints emmerdeurs ou parent pots de colle, tous de véritables spécialistes du détournement et du sabotage...

C'est avec beaucoup d'ironie que la pièce survole les rocambolesques péripéties expérimentées par qui veut aujourd'hui rencontrer l'âme sœur. Sites de rencontre, séances de speed dating et compagnie recèlent peut-être quelques perles rares, mais qui n'a jamais entendu amis et parents de retour sur le « marché » raconter les rocambolesques et décourageantes rencontres d'énergumènes en tout genre arrivant inévitablement avec de telles expériences. Et puis une fois la « bonne » rencontre faite, encore faut-il que chacun réussisse à surmonter blessures, phobies et névroses inhérentes aux expériences antérieures, souvent brèves et nombreuses. Voilà l'acide bouillon dans lequel doivent se débattre les personnages...

Afin de matérialiser ce délirant univers, on a opté pour dépouillement, et force de la suggestion plutôt que réalisme à tout crin. Les quelques panneaux ébauchant contextes et lieux sont manipulés à vue par les comédiens. Chacun joue plusieurs personnages, ces derniers étant campés dans dans deux zones de réalité et de langue. La première zone (tout en hauteur, en arrière-scène) est celle des dieux campés aux cieux, avec une Aprhodite s'exprimant en vers tout en étant appuyée par un chœur digne d'une vision délirante et rigolote de la tragédie. La deuxième zone est celle des pauvres humains se dépatouillant dans leurs malheurs, et s'exprimant en langue commune. Un appui dosé au ressort comique permet de mettre en exergue la satire sociale. La musique est omniprésente, avec quelques chorégraphies de music-hall se mariant avec autodérision avec de récurrents airs kitsch et entraînants.

L’œuvre est déjà amusante, rigolote, bien servie dans son registre léger par une distribution composée de solides membres de la relève, tous s'étant auparavant signalés dans de très majeures pièces. C'est un divertissement intelligent réalisé avec beaucoup d'énergie, et très peu de moyens. Le texte pourra bénéficier de quelques derniers ajustements d'écriture, cela essentiellement en quart final, où la trame dramatique s'embourbe dans quelques éparpillements.

On passe un bon moment.

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La revanche des nombrils - Une comédie de Jocelyn Roy

Version adaptée avec chansons de Véronique Pascal et musique de Gaël Lane-Lépine

Mise en scène par Jean Belzil-Gascon

Comédiens : Christian Baril, Yannick Chapdelaine, Valérie Le Maire, Véronique Pascal et Julie Ringuette

Chapelle Saint-Antoine (150, rue Grant)

(salle climatisée, accès pour personne à mobilité réduite)

du 30 juin au 23 juillet et du 4 au 27 août

jeudi, vendredi et samedi, à 20 heures

450 646-6435 (theatredu450.ca)

www.theatredu450.ca

Pinocchio - Théâtre La Roulotte- Parcs de Montréal

2011-06-30T12:36:00.005-04:00

Par Yves Rousseau

Cet été dans les parcs de Montréal, Le Théâtre La Roulotte présente Pinocchio : attention, émerveillement et plaisir au rendez-vous!

Crédit : Vincenzo Dalto

Depuis plus de cinquante ans, le Théâtre La Roulotte sillonne les parcs de Montréal chaque été afin de présenter gratuitement une pièce de théâtre pour toute la famille! Comme la tradition le veut, l'oeuvre choisie est jouée par de jeunes finissants de l'École Nationale de Théâtre et du Conservatoire d'art dramatique de Montréal, qui sont dirigés par un metteur en scène d'expérience. Il s'agit cette année du très solide Hugo Bélanger, dont le travail se caractérise par de très imaginatives adaptations d'oeuvres jeunesse classiques, revisitées entre autres à partir d'une commedia dell'arte réinventée. Comme ce fut le cas avec ses deux précédentes collaborations (Le Baron de Münchhausen en 2005, et Alice au pays des merveilles, en 2006), il s'agit d'un éclatant succès.

Crédit : Vincenzo Dalto

La pièce est minutieusement réglée au quart de tour, dans une très dynamique et très physique occupation de l'espace. La superbe scénographie turquoise et bourgogne évoque la masure du menuisier Jepetto, avec arrière-plan forestier dominant l'atelier. On y trouve également de multiples transformistes trouvailles ingénieuses, ainsi qu'un castelet : c'est que les marionnettes sont omniprésentes. Les très riche et colorés costumes (voir photos) se conjuguent aux truculents masques des créatures, c'est un véritable régal pour l'oeil. Au niveau de la musique, Patrice d'Aragon s'est une fois de plus dépassé, et la pièce compte de nombreux airs tout à fait espiègles et entraînants, livrés sous superbes harmonies.

Crédit : Vincenzo Dalto

Il faut finalement donner crédits pleinement mérités à cette extraordinaire troupe de jeunes comédiens talentueux : tous s'y donnent sans ménagement, en matérialisant cette fascinante féérie avec un aplomb incroyable.

La pièce sera présentée une bonne cinquantaine de fois un peu partout sur l'île de Montréal, vous trouverez l'horaire complet à l'adresse suivante : www.accesculture.com/activite/Pinocchio

Voilà une belle cinquantaine de minutes de plaisir pour toute la famille!

Et c'est à voir absolument !

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Présenté du 29 juin au 23 août

Librement adapté et mis en scène par Hugo Bélanger

D’après l’œuvre de Carlo Collodi

Interprètes : Maxime Béliveau, Kim Despatis, Simon Labelle-Ouimet, Simon Lacroix et Sarah Laurendeau

Assistance à la mise en scène : Camille Gascon

Conception des décors : Sara-Claude Lépine

Conception sonore : Émilie Martel et J.-F. Piché

Conception musicale et coconception sonore : Patrice d’Aragon

Conception des costumes : Nicolas Paré

Conception de la marionnette de Pinocchio : Louise Lapointe

Conseillère manipulation marionnette : Dominique Leroux

Confection des masques : Marie-Pier Fortier

Confection du masque de MangeFeu : Philippe Pointard

Consultant scénographique : Loïc Lacroix Hoy

Direction de production : Audrey Lamontagne

Direction technique : Michel Forget

Régie dans les parcs : Jean Desmarais

Les fourberies de Scapin - Théâtre du rideau vert

2011-06-21T14:05:00.010-04:00

Par Yves Rousseau

Avec « Les Fourberies de Scapin », le Théâtre du Rideau Vert revisite Molière sous l'égide de la Circassienne cabriole, dans une langue parmi les plus accessibles et contemporaine livrée par Jean-Baptiste Poquelin.

Crédits photo : François Laplante Delagrave/Jean-François Hamelin

Ce n'est point en montrant le théâtre dans le théâtre, mais bien le cirque dans le théâtre, qu'a été envisagé par Denise Filiatrault le fourbe univers de ce Scapin. Au lever du rideau, c'est donc sous scénographique évocation d'un chapiteau qu'apparaissent les caractères crapahutant d'une funambulesque prouesse circassienne à l'autre. Chacun d'entre eux est dressé soit avec bonheur en personnage de Commedia dell'arte (dans un clin d'oeil aux origines de « Scapino »), soit avec malheur en auguste clown de psychédéliques couleurs, dans une évidente initiation ce qui deviendra, avec l'addition de multiples autres éclats, un déraillement lié à une surcharge de la proposition...

Crédits photo : François Laplante Delagrave/Jean-François Hamelin

Et c'est ce dichotomique principe opposant brillantes trouvailles, et surcharge filrtant avec racolage facile qui hantera tout du long de la représentation, cette théâtrale mouture. Comme première couche, on trouve superbe et très apte distribution, visiblement parfaitement capable de sentir, habiter et rendre un texte qui comporte déjà en soi son lot de bel esprit, et de comique effet ironique. Là où le bât blesse, c'est cette deuxième couche, qu'on peint sur une toile déjà potentiellement équilibrée, et la couleur de cet ajout se marie mal : elle parait surfaite, et criarde. C'est comme si, plutôt que de faire confiance au texte et au jeu des comédiens, on avait engoncé d'un carcan hyperplacé le propos dans une surenchère de cabrioles, de simagrées et d'enflure de ressort comique : la moliéresque finesse qui plane même dans la farce et le grossissement, se noie dans une certaine ostentation...

Tout de même, pour peu qu'on fasse abstraction de cette couche de crémage trop épaisse, et trop sucrée, et sans doute retrouve-t-on suffisamment d'éléments valables pour passer un intéressant moment. Quoiqu'encore ne semblant pas tous jouer à partir la même unité stylistique et dans la même pièce, quoique devant composer avec un improbable « casting » pour un personnage (heureusement secondaire), et quoique ne maîtrisant pas tous la moliéresque prose (ex. un Argante truculent, diction exceptée...) avec la sublime diction vivante, et incarnée du brillantissime Carl Béchard (qui joue le vieux Géronte), l'équipe de comédien arrive néanmoins au travers de tout ce cirque, à se dépatouiller de cet envahissement conceptuel, et à jouer, et à établir cet unique et vibrant contact qui est celui du théâtre...

Ça reste une pièce qui, à quelques réglages près, pourrait en tant que pur divertissement, faire les belles heures de l'été...

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Texte : Molière (Jean-Baptiste Poquelin)

Mise en scène : Denise Filiatrault

Assistante à la mise en scène : Marie-Hélène Dufort

Comédiens : David Savard, Carl Béchard, Marcel Leboeuf, Marc St-Martin, Luc Bourgeois, Martin Héroux, Danièle Lorain, Émilie Josset, Arlette Sanders, Alexandre Martel et David Alexandre Després

Concepteurs : Martin Ferland, Suzanne Harel, Normand Blais, Luc Prairie, Jean Bégin, Rachel Tremblay, François Sasseville, Parisi Maître Illusionniste, Luz/Marie Christine Dufort, Gilles Lacroix

À partir du 16 juin

Monument-National

1180 Boulevard St-Laurent

Billetterie : 514-844-1793

Défenestre-moi - Mille chevaux-vapeur - Fringe de Montréal

2011-06-19T13:50:00.004-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Défenestre moi, la compagnie Mille Chevaux-Vapeur construit théâtrale dimension où le verbe beau se conjugue à sensible musique, sous le signe de l'existentielle urgence d'être, et d'aimer.

Cela avait très bien commencé pour la jeune compagnie Mille Chevaux-Vapeur lorsque l'hiver dernier, elle présenta son premier poétique opus dans lequel, disions-nous, « la charnelle passion rencontre lyrique traversée existentielle ». Et voilà qu'on remet ça, dans une forme cette fois où douce et suave musicalité s'incarnent sur scène dans un crescendo d'interactivité avec instrumentistes intervenant in vivo, en parfait parallélisme avec le mouvement général de la pièce.

Dans un environnement minimaliste et dépouillé, l'humaine présence est entièrement, organiquement portée à l'avant, dans une totale livrée de la vulnérable face de l'homo sapiens bête solitaire devant l'évanescente promesse d'un regard, d'une existentielle caresse, le tout sous les chagrins nuages de la langueur, de l'attente, et de l'orage menace de la perte, de l'abandon. La couleur passe par étincelle d'espoir, sous bleuté tourbillon de nostalgie où anima et animus (incarné part deux comédiens) traversant en papillonnant l'espace du verbe, éclairent un instant de leur substantifique, mais éphémère présence, un impressionniste univers climatique.

La très fine et prometteuse écriture de Joanie Roy se mêle et se caresses de littéraire amour courtois avec les chansonnières paroles de Richard Desjardins, Dan Bigras, Claude Léveillée, Gilles Vigneault et de Patrice Desbiens.

C'est un véritable petit moment de grâce, ça serait bien à reprendre.

À voir!

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Musiciens, Catherine Renaud et Paul Lemaire (basse et guitare acoustiques)

Comédiens : Clémence Dumas-Côté et Mathieu Hébert

Salle M.A.I. Montréal arts interculturels

3680 Rue Jeanne Mance

10 juin à 23 h 45

12 juin à 19 h

13 juin à 18 h

14 juin à 22 h

18 juin à 15 h 15

19 juin à 21 h 30

Billetterie : 514-849-FEST

Les chroniques du laboratoire UNIK - LaboKracBoom - Fringe de Montréal

2011-06-19T01:31:00.005-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Les chroniques du Laboratoire Unik, la compagnie LaboKracBoom traverse clownesquement un granguignolesque espace où délire et folie circassiens rencontrent potache et drolatique bédéesque.

Crédit : Marc Lepage

Dans un surréel univers où planent horrifiques sonorités dignes d'un film B de science-fiction ou d'horreur des années cinquante, un archétypal savant fou procède à ses alchimiques et frankensteinesques expérimentations dans son laboratoire jonché de substances mystiques et de portions disséquées de corps humains. Et c'est avec l'aide de ses monstrueux sbires qu'il traque une belle, lunaire et espiègle Pandore toute droite sortie de sa zizanique boîte. Il va sans dire que ces zanniesques idiots de Bergame la basse auront, au travers de leur rocambolesques et « cartoonesques » péripéties, autant de succès avec cette créature que le Gros Minet avec le Tweety Bird des Looney Tunes.

Acrobatique et surtout bouffonesque et mimographique, ce joyeux délire emplit l'espace d'une rigolarde et saltimbanque énergie déferlante, avec un humour qui cependant ne dépasse jamais les limites de la bienséance. Le travail de cette jeune, compagnie atteint le stade avancé du laboratoire, on est en train de peaufiner la trame rocambolesque tout en testant différentes trouvailles s'ajoutant au gré des idéations créatrices.

Voilà un travail tout à fait intéressant et prometteur, pour une jeune entité issue du théâtre de rue et tablant sur la multidisciplinarité : on y trouve des danseurs ayant bifurqué vers le cirque, et un comédien physique.

C'est une belle petite heure de plaisir, et c'est pour toute la famille.

À suivre.

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Comédiens et créateurs : Élise Legrand, Simon Durocher-Gosselin, Bruno Gagnon et Cyril Assathiany

Théâtre Lachapelle

3700, rue Saint-Dominique

vendredi 10 juin à 20:00h

samedi 11 juin à 14:15h

dimanche 12 juin à 22:15h

vendredi 17 juin à 20:15h

samedi 18 juin à 16:30h

dimanche 19 juin à 18:00h

Billetterie : 514-849-FEST

Je reviens de mourir, Guillaume- Simplement Y - Fringe de Montréal

2011-06-18T12:56:00.008-04:00

Par Yves Rousseau

La compagnie Simplement Y présente Je reviens de mourir, Guillaume, un magnifique texte métaphorique de Marie-Charlotte Aubin qui, à la recherche du temps perdu, trace les lancinants mouvements amoureux contrastés du moi émotif de l'âme humaine.

Crédit : Louis Longpré

Et pour matérialiser ce magnifique verbe entre autres récipiendaire du prix Piché 2010 de poésie, le metteur en scène Frédérick Moreau a choisi mise en exergue du texte et de l'émotion par le dépouillement. Planant dans un vide espace faisant abstraction de raison et matérialité, la substantifique expression du désir traverse cyclothymiques mouvements de la passion amoureuse, et ce des tranquilles eaux du spleenétique quotidien, jusqu'aux lendemains tempête.

Crédit : Louis Longpré

L'être dans son sensible et trouble désir de l'autre, y plane de toute ses émotives splendeurs pulsionnelles, de toutes ses pudeurs, de toutes ses peurs et désirs, conjugué en dyadique anima et animus nus, vulnérables et organiques valsant sur territoire d'humanité. L'amour, dans toutes ses cruautés, y est iconoclastiquement déshabillé de toutes ses utopies...

Ce petit bijou d'une vingtaine de minutes est bellement rendu par une dyade de jeune comédien habitant territoire de toutes les limbiques apesanteurs. Quelques légers ajustements au niveau de la fluidification de la diction restent cependant à faire.

C'est un très beau moment de poétique théâtre.

À voir!

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Texte : Marie-Charlotte Aubin

Mise en scène : Frédérick Moreau

Avec Fanny Migneault-Lecavalier et Patrick R. Lacharité

Scénographie : Laurence Gagnon

Espace 4001 Berri

samedi _11 juin @ 16 h 15

dimanche _12 juin @ 18 h 30

mardi _14 juin @ 22 h

vendredi _17 juin @ 19 h 15

samedi _18 juin @ 15 h 15

dimanche_, 19 juin @ 20h45

Billetterie : 514-849-FEST

SexeMania - Stuko-Théâtre - Fringe de Montréal

2011-06-17T12:16:00.017-04:00

Par Yves Rousseau

Avec SexeMania, Stuko-Théâtre montre quintessentielle expression de la post-moderne urbaine solitude, dans un univers aux rapports humains mercantilisés où âmes désespérées et sordidement blessées errent dans le sociétal et sous-culturel désert affectif des laissés pour compte.

Crédit : Louis Longpré

L'histoire, celle d'un étouffant huis clos, est simple : une enfance de carence affective et de sordides abus plus tard, « Elle », se retrouve jeune femme, danseuse nue et prostituée. Son nouveau voisin, « Lui », le laissé pour compte des laissés pour compte est un de ces pathétiques pauvres types faisant fixation sur ces praticiennes de l'effeuillage (il la vit danser, jadis), s'imaginant au moindre frétillement que « quelque chose » se fut réellement passé à la faveur du moindre échange de regard — voilà un pauvre diable prêt à s'accrocher à n'importe quel espoir. Un soir, très tard, elle rentre ensanglantée, battue par un client. Titubante, étourdie, aveuglée, elle brise sa clé dans la serrure de son appartement et s'écroule dans le couloir. Il la recueille : certes, il est pas bien méchant et reste bien respectueux, mais tout en étant collant comme une tache, tellement désespéré d'obtenir d'elle la seule affective chose qu'elle ne puisse donner...

Ce texte tout en dichotomie, en solitudes croisées, lucidement dur et sans compromis, offre fabuleux territoire de composition à deux jeunes comédiens qui déjà à l'étape et dans des conditions de laboratoire, présentent belle appropriation des personnages. Le rôle masculin révèle un être maladroit, lunaire, décalé, dont les phrases aux fausses allures de « sitcom-esques» punch-line parlent plus par leur incomplétion, leurs coupures, leurs non-dits, comme moult échos d'une solitaire existence où la vacuité rencontre le cul-de-sac. Le personnage féminin occupe antinomique pôle dramatique, sous trouble vol poétique, blessé, parfois presque lyrique : quoiqu'animée par des dialogues efficaces, la pièce de réaliste mouture se signale surtout par ses arias d'intériorité, avec puissantes dérives dans lesquelles personnages hors du temps réel, se livrent.

C'est un travail en progression très prometteur, qui pourra profiter dans son affinement de quelques resserrements temporels et de quelques polissages de pratiques bricolages dramatiques (parfaitement normal à cette étape du travail de recherche et de création). Bien appuyée par un partenaire ayant bien cerné l'élégiaque et paradoxale apologie du vide et de la solitude que représente son personnage, on retrouve la très solide Marie-Ève Milot, un des principaux talents de la relève et une jeune femme profondément investie dans son art , qui se signale par la solidité et la consistance de son travail depuis sa sortie de l'école de théâtre, en 2005. Mlle Milot offre déjà à cette étape préliminaire, de beaux morceaux de troublant jeu subtil et incarné. Voilà certainement sans aucun doute une grande comédienne en devenir. On y remarque également les très pertinentes climatiques musicales de space-guitare sensible, sombre et spleenétique d'Alexi Rioux.

Certainement un des impératifs du festival, c'est à voir.

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Une production de Stuko-Théâtre

Texte et mise en scène Guillaume Lapierre-Desnoyers

Avec Marie-Ève Milot et Alexandre Bergeron

Scénographie Angela Rassenti

Environnement sonore : Alexi Rioux

10 au 18 juin

MAI

3680 Jeanne-Mance

Billetterie : 514-849-FEST

www.stukotheatre.com

vendredi 10 juin à 18h, samedi 11 juin à 16h,

lundi 13 juin à 20h15, jeudi 16 juin à 23h45,

vendredi 17 juin 16h, samedi 18 juin à 19h

C.R.É.A.T.U.R.E - Les Demies - Fringe de Montréal

2011-06-12T02:30:00.008-04:00

Par Yves Rousseau

Le collectif Les Demies présente un objet théâtral prenant forme d'une existentielle revue exposant paradoxes identitaires chez des jeunes femmes étant chacune issue d'un métissage entre un parent immigrant provenant d'une minorité visible, et un parent caucasien québécois de souche.

Elles sont quatre, elles ont vingt ans, elles sont respectivement à moitié haïtienne, marocaine, chinoise ou slovène, et elles étudient en théâtre, mais sont non-comédiennes. Aucune d'elles ne parle la langue de son parent immigrant, et aucune d'elles ne mit jamais les pieds dans le pays d'origine de ce dernier, ou enfin, si peu. Elles sont québécoises, nord-américaines, et pourtant leur quotidien est complexifié par une bi-identité culturelle où elles se retrouvent prises entre dichotomiques valeurs de leurs parents, et dichotomie entre leurs propres valeurs et celles d'une portion de leur famille étendue.

Et c'est sans quatrième mur, presque à la bonne franquette qu'elles nous présentent sur une scène presque dépouillée, ce théâtral objet qui pourrait presque être au cheminement personnel ce que le boal-esque espace est à l'engagement social, n'eut-ce été d'une relative propension à surfer sur l'anecdotique, le cocasse, plutôt que l'incarné et le viscéral. Cette collections d'assertions trace tout de même existentielle et identitaire paradoxe traversant petites splendeurs et déroutes du quotidien, et a au moins le mérite de montrer avec ironie les persistantes manifestations de préjugés et attitudes toutes faites que subissent encore aujourd'hui ceux qui tout en étant nés ici, font partie de minorités visibles.

La metteure en scène Sophie Croteau a rythmé, découpé ce texte mêlant prise de bec et témoignages, en animant l'ensemble à partir d'une activiste drill kaléidoscopique, ce qui donne une post-moderne parade pour majorettes (au sens figuré) et paravents, souvent efficace, mais parfois étourdissante de vas et vient frénétiques.

C'est sensible, intéressant, même si on a l'impression qu'à force de papillonner d'une thématique à l'autre, on ne touche qu'à la surface des choses. Le non-jeu donne espace à un naturel espiègle et presque candide, aplanissant peut-être un propos qui aurait pu s'enrichir d'un quelconque jeu dramatique, ou tout du moins de l'impact de voix posées, et d'une diction travaillée.

C'est une curiosité intéressante, mais ceux à la recherche de théâtrale composition, de jeu incarné, et d'un construit dramatique élaboré pourront peut-être rester sur leur faim.

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Texte : Suzanne Valière-Nolet
Mise en scène : Sophie Croteau
Avec Laïma Abouraja, Frédéricke Chong, Marilou Craft et Ariane Dessaulles

Théâtre La Chapelle

3700 St-Dominique

Billetterie : 514-849-FEST

Les sauvages, de Julie-Anne Ranger-Beauregard - Théâtre Nouveau Né

2011-06-02T18:19:00.012-04:00

Par Yves Rousseau

Dans un beckettien univers clos et compulsif, deux jeunes individualistes boursouflures de sexes opposés, s'enquiquinent à qui mieux mieux, traversant de leurs perpétuelles prises de bec le matrimonial territoire absurde censé former la matière de leur insignifiant petit couple vivant

existentielle bungalowisation substantifique : c'est un délirant espace où se matérialise tous les non-lieux des contemporaines unions...

Et c'est dans la consumériste matérialisation de l'aliénation que constitue leur american-dreamesque pavillon morcelé de crade incomplétude décorative, que chaque parcelle de divergence, chaque morceau de différence, chaque préférence de tâche et de rôle, passent par minutieuses négociations issues de ces emblématiques suprêmes incarnations de post-moderne égotisme monstrueux d'anciens enfants-rois : deux entité en forme de « je » « me » « moi » tentant risiblement de conjuguer leur respectif narcissisme à la première personne du pluriel! Puis, alors qu'ils s'arrachent presque les cheveux, on sonne à la porte : il s'agit de ce jeune couple d'amis impossiblement étincelants et parfaits dont on avait complètement oublié la visite : d'une pièce à l'autre, on leur fait visiter et revisiter le domicile, et chaque cycle fait évoluer emblématiques babillages et persiflages de couples vers révélatrice quasi surréalité...

Et si chacun de ces visiteurs s'avérait être la fantasmagorique incarnation de l'être idéal? Et si soudain réalité et fantasme se mêlaient, dans une incertaine dimension où conflit croise inconscient et tentation?

Il est toujours agréable de voir éclore un très prometteur jeune talent, comme cela est le cas avec l’auteure Julie-Anne Ranger-Beauregard, diplômée en 2010 de l'École Nationale de Théâtre. On trouve dans son écriture, ludique verve espiègle et sens aigu de l'ironie poussés vers absurde et sociétale dérision. Ses univers captifs et parodiquement névrosés partent de microcosmiques échantillons d'humanité éminemment descriptif de notre collectif et post-moderne temps d'être. Voilà également une redoutable dialoguiste, construisant échanges très précisément aiguillés, avec impeccables mécaniques où effets et rythme s'enchaînent en effervescent tourbillon de sens, décapants, mais vivants et colorés. Cette minutieuse précision est elle-même envisagée à l'intérieur d'une architecture dramatique solidement planifiée, mais ne dédaignant orienter sur fausses pistes et frapper de surprises. On trouve par exemple dans le présent opus, croisement de decrescendo (le couple réel voguant du conflit vers la rédemption) et de crescendo (le couple fantasmagorique, dont l'idéal de perfection s'excrémentalise progressivement), deux pôles antinomiques s'affrontant dans composite univers où le principe de réalité se trouve attaqué par résurgences d'inconscient.

C'est dans un spartiate espace meublé d'à peine quelques accessoires qu'évoluent les caractères. Les climatiques mouvements de récurrences trouvent ainsi essentiellement ancrage dans la convention, et l'intrinsèque existentielle captivité des personnages se trouve renforcée par une glauque périphérie murale aveugle. Ce total espace de jeu propulse acteur dans perpétuelle sériation d'actions-réactions physiques et expressives. Chaque réplique comporte sa clé, son effet, et commande intense recherche.

À cet effet, le travail de cette jeune compagnie semble parfaitement bien aligné, atteignant le stade d'un laboratoire avancé (réalisé dans un temps assez serré) où il reste à affiner certains mouvements, et à trouver forme et mécanique pour quelques répliques (surtout en deuxième partie) : c'est que l'intense homéostatique systémique dramatique de Mlle Beauregard est particulièrement exigeante. Le travail de la jeune équipe de comédiens est très intéressant, on y remarque en particulier Myriam Fournier (CADM 07) qui sert son personnage avec beaucoup de générosité.

Tout cela est certainement très prometteur, vraiment à suivre de près.

On passe une bonne soirée.

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Les sauvages, une création du Théâtre Nouveau Né

Texte : Julie-Anne Ranger-Beauregard

Mise en scène : Guillaume Sauriol-Lacoste

Interprétation : Geneviève Beauchemin, Martin Boily, Myriam Fournier et Vincent Fafard

Scénographie : Sylvain Genois

Illustration : Mathieu Potvin

Théâtre de l’Esquisse

1er au 11 juin 2011

1650 Marianne Est, 20 h

Réservation : reservationlessauvages@hotmail.com ou 514 433-2472

Variations futiles - Productions Drôle de Monde - Espace La Risée

2011-05-26T15:22:00.013-04:00

Par Yves Rousseau

La compagnie Productions Drôles de Monde revient avec une version bellement retravaillée de son spectacle Variations Futiles : attention, bouffons déchaînés en liberté!

Crédit : Productions Drôles de Monde

Ils sont clowns noirs, benêts et grimaçants, et ils crapahutent sur montagnes russes de mimogaphiques cabrioles en traversant de leurs « steppettes », « sparages » et « simagrées » irrévérencieusement candides et potaches, le panorama de moult saynètes peuplées de cartoonesques extravagances. Souples et simiesquement expressifs, ils se tordent corps et âmes, dans une chaplinesque et saltimbanque rencontre croisant zannis, masques, pantomimes, contorsions, danse contemporaine, marionnettes — et tutti quanti — le tout interactivement accompagné d'un burlesque et interactif dialogue musical in vivo.

Crédit : Productions Drôles de Monde

L'univers scénique est presque celui du théâtre pauvre, avec ici une intense physique aptitude de l'acteur découlant d'une théâtrale totalité que ne renierait sans doute pas Grotowski, s'il eût revisité les bouffons de Lecoq. Quelques panneaux réversibles, quelques accessoires, et beaucoup de souplesse et d'énergie animent cet effervescent quatre-vingt-dix minutes de délire.

La première version de ce spectacle (qu'on peut consulter ci-bas pour plus de détails) a été efficacement remaniée (voir transformée), quelques numéros qui en 2009 étaient un peu décalés ont été améliorés, retravaillés ou remplacés. Le résultat est probant, le rythme est très serré, endiablé. La drolatique matière découle de la gentille, bouffonesque absurde surréalité ambiante, une climatique espiègle, avec un humour simple, direct, très physique, et pas du tout psychologisant : pour qui aime ce genre d'humour (un peu à la Looney tune ascendante commedia dell'arte), il n'y a ici rien pour se casser la tête, mais tout pour s'amuser.

On passe une bonne soirée.

Présentation originale - critique du 31 octobre 2009

Avec Variations Futiles, la compagnie Productions Drôles de Monde revisite à sa façon la commedia dell'arte avec forain, absurde et frénétique métissage lancé dans le 21e siècle : le jeu et mime dramatique rencontre le saltimbanque, Chaplin et la danse moderne...

D'abord, tentons de situer le travail des Variations futiles : il est né de la commedia dell'arte et dans le geste, la corporalité, et le travail de masque. Très palpable époque référentielle. Puis bien sûr, il est forain, on l'imagine facilement sur tréteaux, et malgré plusieurs références contemporaines qui l'ancrent bel et bien dans l'aujourd'hui, il est de par sa formule, intemporel. Par le ton, le côté iconoclaste et candide en cabrioles et quasi-contorsionnisme, les costumes et le maquillages (faciès blanc ornementé), il s'approche donc du travail de clowns de cirque, et ce sont ces derniers qui enfilent ici les divers personnages : la vie du point de vue d'un bouffon. Il repose essentiellement sur la pantomime, et le verbe est plus dans l'effet émotif, la sonorité, le rythme, que le sens. L'effet rigolard se trouve plutôt dans l'aspect absurde, surréel. Par sa gentillesse, sa forme potache, il est au stade sensori-moteur et pré-opératoire , surtout, ce que le théâtre psychologique est à la pensée formelle : il s'adresse aux émotions directes, simples, naturelles et très peu au rationnel.

Il y a par contre système de double quatrième mur, avec, entre les deux, le public imaginaire auquel on s'adresse : un aspect délimité, domestiqué qui exclue l'impertinence interactive de personnages trublions pour cette commedia néo-traditionaliste foraine, urbaine, burlesque ,mimétique ,bouffonne et iconoclaste.

Sur la scène, quelques paravents sombres suggèrent une façade en bois, puis lorsque retournés, ils présentent le capharnaüm d'une penderie ou d'une armoire à balais et bricoles. En avant du proscénium, côté cour, deux musiciens -clowns in vivo alternent piano impressionniste, accordéon musette, et onomatopées sonores burlesques selon la texture du moment, croisant parfois leurs effets à une bande préenregistrée incluant de nombreuses références chaplinesques.

Hautement cabotin, digressif, ludique, physique, la dizaine d'opuscules de l'expression promène variétés selon les climats sonores précités : du Pierrot lunaire (dans l'esprit), en passant par arlequinades peuplées de diva à la voix cassée, ou de vilain et de policier comme au temps du cinéma muet du Charlot. Certains tableaux présentent des saynètes assez galvaudées d'expression clownesque prévisible en grands élans sur le derrière, mais plusieurs autres se démarquent par originalité, en particulier les scènes chorégraphiées où les caractères se perdent dans les genres et les époques musicales sur mosaïques de types de danses en déluge de références, et aussi pour quelques moments dramatiques et poétiques d'une belle facture climatique visuelle et musicale.

C'est dans ce genre de trouvailles, lorsqu'on quitte l'anecdotique et l'effet pour l'effet pour s'ancrer dans une ironie découlant d'une trame et d'un concept cocasse, que le spectacle, au travers de quelques longueurs, offre ses meilleurs moments, et s'envole d'un deuxième niveau offrant alors juste assez de sens, de trame narrative, pour que l'effet prenne racine et s'éclate de rires francs et d'émotions contrastées. Le spectacle est certes riche des ces modules relativement plus ou moins isolés, et quelques élagages de redondances et élaborations conceptuelles en cohérence accrues pourraient êtres l'étape prochaine dans l'évolution de cet ensemble quand même intéressant et potentiellement prometteur.

Les comédiens et les saltimbanques, d'une simiesque souplesse et intensité déchaînée, ne ménageant certes pas leurs efforts hautement physiques, avec une expression correcte et typée, à l'intérieur des caractéristiques du concept. On remarque Mathilde Addy-Laird, une jeune finissante de la cuvée 2008 du CADM, qui y offre de beaux moments de grâce sensible.

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Crédits mai 2011

Mise en scène : Maya Gobeil
Distibution : Maude Chicoine-Cotnoir, Mathieu Trudel-Jeté, Pierre-Louis Renaud, Luc Labelle, Myriam Magri-
Foughali
Musiciens : Jean-François Malo, Dominic Bidal
Direction de production : Dominique Brossoit
Costumes : Laurianne Derouin
Scénographie et accessoires : Véronique Poirier et Hugo Dalphond
Éclairages : Raphaël Bussières

Espace La Risée
25 au 28 mai 2011, 20 h
1258 Bélanger, Montréal

Billetterie : (514) 931-6630

Crédits octobre 2009

Mise en scène de Maya Gobeil, assistée de Dominique Brossoit
Comédiens : Mathilde Addy-Laird, Nicolas Campeau, Maude-Chicoine Cotnoir, Patrice R. Lacharité, Mathieu Trudel-Jetté

Musiciens-clowns : Gabriel Monzerol et Jérémie De Pierre.
Scénographie par Hugo Dalphond et Véronique Poirier
Masques et marionnettes par Véronique Poirier
Costumes par Lauriane Derouin et Charlotte Biron
Maquillages : Maude Chicoine Cotnoir
Musique : Jérémie De Pierre et Gabriel Monzerol, en collaboration avec Alice Tougas St-Jack et Gabriel Paquin-Buki

Sur la photo : Nicolas Campeau, Mathilde Addy-Laird et Mathieu Trudel Jetté

27 oct. au 7 nov.
Espace La Risée
1258, rue Bélanger
Montréal, Île de Montréal H2S 1H9 Canada

Billetterie : (514) 931-6630

De la race en Amérique - La Caravelle DPI de Guadeloupe

2011-05-25T15:19:00.008-04:00

Par Yves Rousseau

En se distanciant de tout mouvement de fondamentalisme racial, le futur président Barack Obama prononçait le 18 mars 2008 à Philadelphie un marquant discours humaniste, qui tout en situant dans historique perspective les racines des sociales inégalités, lançait un formidable appel au « vivre ensemble », à la tolérance et à une plus grande mobilisation communale afin de promouvoir meilleure justice sociale au niveau de l'accès l'éducation et des soins de santé.

Crédit : Éric Guyenon

Et c'est ce discours intégral d'une cinquantaine de minutes qui constitue l'ensemble de cette performance solo. Seul à son pupitre sis au centre d'une scène nue, l'acteur Éric Delor fait ferme, mais sobre lecture de l'original texte traduit en français. Une voix, un homme et son message sont ainsi mis totalement en exergue.

Fidèle à ses Boal-esques prémisses, la soirée se conclue avec un élément participatif : la pièce est suivie d'une discussion portant sur les divers enjeux sociétaux soulevés par le discours, avec certains soirs un invité spécial (soit l'auteur Dany Laferrière le 24 mai, et journaliste Richard Hétu le 25 mai.

La manœuvre est intéressante, particulièrement par les échos d'universalité relatifs à certains clivages soulevés, dont on trouve équivalent bien au-delà des frontières de l'état américain : il y a certes là matière à discussion passionnée.

La chose passe à Montréal comme un éclair, du 24 au 28 mai seulement, et c'est au théâtre Espace Libre.

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Texte : Barack Obama

Traduction : Megan Fischler

Mise en scène : José Pliya

Comédien : Éric Delor

Éclairage : Babylone Aidi

24 au 28 mai

Espace Libre

1945, rue Fullum, Montréal

Billetterie : 514 521-4191

3,2,1 - Productions Eskal

2011-05-20T15:39:00.022-04:00

Par Yves Rousseau

La pièce 3,2,1 est une soirée de courtes formes explorant délirant univers du théâtre absurde.

Crédit : Productions Eskal

Pour trois soirs seulement, le metteur en scène Richard Ducharme propose programme comprenant trois courtes formes, dans une formule évoquant un peu par son assemblage, la traditionnelle revue théâtrale québécoise d'antan. Outre intermède musical (tango), on y retrouve donc l'habituel sketch (mélo)dramatique au sein de l'habituel foisonnement de pièces comiques, ces dernières découlant cependant du théâtre absurde plutôt que de l'habituelle mouture burlesque. Les textes d'auteurs émergents sont servis par une éclectique sélection de comédiens de la relève issue de l'École Nationale de Théâtre, de l'École de Théâtre de St-Hyacynthe, de l'École Supérieure de Théâtre de l'Université du Québec, et des Ateliers Danielle Fichaud.

La scénographie évoque le commun lieu propre à tous les numéros, qui est celui d'un parc au centre duquel trône un banc public. Les personnages portent urbains costumes génériques, avec parfois quelques effets d'unité. Quelques approximatifs éclairages proposent sur fond blanc quelques interactifs découpages de couleurs, agréables, mais non essentiels, ces derniers s'intégrant dans un ensemble de basiques variations transitionnelles. Une spleenétique musique de guitare folk-blues se marie allègrement bien aux matières dramatiques (pièce médiane), mais jure un peu dans les climatiques absurdistes. Les enchaînements sont relativement serrés, presque correctement efficaces et intégrés, à quelques rodages près.

En partie première, on trouve d'abord le texte Vous avez l'heure s.v.p., de Maxime Cormier, qui avait été présenté originalement en 2007, au Midi-Minuit (joué par l'auteur et Pierre-Luc Bouvrette). L'histoire ? Pendant quinze minutes de délire absurde, un passant s'échine à obtenir l'heure d'un rébarbatif quidam. La présentation originale montrait climatique à la Ionesco, mais trouvant cinglant effet dans de vertigineux dialogues servit sous mécanique du tac au tac rappelant la verve de Devos. Pour la présente version, Ducharme a plutôt fait se conjuguer verbe avec mimographiques gestuelles, et cette ionescoesque matière prend maintenant couleur d'une verbale rixe servie à la Louis de Funès. C'est bien joué par deux jeunes comédiens, et on y remarque en particulier le travail de Frédéric Cloutier (ENT 2008), dans le rôle de l'impossible guignol réactionnaire et caractériel.

Avant l'entracte, et après un Tango bellement dansé entre autres par la sémillante Mary-Kim Kelly, on trouve le premier texte de Sylvain Girard, relatant les derniers moments d'un clochard rêvant comme celui de Chaplin, des Lumières de la Ville. C'est bien joué, mais le jeu à lui seul ne peut transcender moult hiatus et stagnation dans un mélodramatique conte candide et sans grands remous.

En finale, voilà une pièce beaucoup plus intéressante de Girard intitulée Le Blues des chaises folles. On y rencontre toujours (comme dans le premier numéro) une folie à la Ionesco, mais cette fois croisée avec climatique d'univers fermé et captif à la Beckett. Quatre êtres de générations spontanées (deux couples) vivent depuis toujours sur un banc de parc : c'est un existentiel cloaque conformiste dans un nulle part réglementé par de totalitaires papales règles que nul n'ose questionner. Mais que voilà chaise unique apparaissant, véritable objet de tentation par sa nouveauté, suprême appel à la transgression et à l'individualisme : osera-t-on défier l'opprobre, et quitter l'atavique banc du territoire connu, pour se lancer à l'assaut de ses rêves, pour oser s’asseoir sur cette chaise de la zizanie? C'est une libertaire élégie tournant en bourrique règles reçues et conformiste horizons de vie engluée dans les homéostatiques mécanismes sociétaux du conservatisme et de la tradition séculaire, avec de savoureux et surréels dialogues. La forme dramatique s'y dépanne par contre d'un coup de théâtre qui, de façon peut-être discutable, vient faire fi des conventions installées afin de produire point de chute tarabiscoté. C'est bien livré, même si le choix d'approche pour un des personnages féminins (envisagé comme une cocotte extrapolée) semble propulser très agaçante forme de jeu en décalage de niveau par rapport à l'ensemble.

C'est intéressant, amusant : jeune compagnie en construction.

À suivre.

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Mise en scène par Richard Ducharme.

Vous avez l’heure S.V.P.? de Maxime Cormier

Le clochard de Sylvain Girard

Le blues des chaises folles de Sylvain Girard

Avec Frédéric Cloutier, Martin Vachon, Simon Tanguay, Marie-Joëlle Guindon, Marc-André Boire et Mary-Kim Kelly.

Assistante à la mise en scène : Andrée-Anne Godbout

Éclairages : Pierre-Luc Asselin

Son : Michael Binette

Musique/interprétation : David Tremblay

19, 20 et 21 mai

Salle Calixa-Lavallée

3819, rue Calixa-Lavallée

Billetterie : (514) 602-9005

La nuit à l'envers - Tsunami Théâtre

2011-05-19T17:26:00.007-04:00

Par Yves Rousseau

La nuit à l'envers propulse deux existentielles trajectoires d'aliénation se croisant en choc de solitude : sous triste valse renvoyant sociétal échos d'une époque, c'est le bal des éclopés de la vie traversant la nuit des laissés pour compte...

Crédit : Jean-Philippe Baril-Guérard

L'histoire est simple : nous sommes en fin de soirée dans la chambre d'un modeste hôtel de passe où Lola, une prostituée de second ordre racolant sur le trottoir, vient d'y faire entrer son dernier client de la soirée. Fatiguée, elle s'apprête visiblement à expédier la « chose » manu militari, mais voilà, le type, un grand timide, ne se laisse pas faire et veut plutôt causer. Malgré toutes les tentatives de Lola, le non-lieu s'étire et ce n'est que le fric supplémentaire allongé par ce quelconque petit employé au look de tronche qui la pousse à endurer ce bizarroïde et babillard quidam. Au travers de sa logorrhée remplie d'anecdotiques insignifiances issues d'un quotidien néanmoins magnifié d'émerveillement candide, le type révèle de surcroît en savoir beaucoup sur Lola, qui commence à s'inquiéter...

Le texte matérialiste antinomique et improbable rencontre entre deux absolues solitudes noyées dans l'existentielle fuite. Geneviève Arsenault habite personnage blessé par la fatalité, dont la morosité et le désespoir s'anesthésient dans l'interlope chosification mercantiliste de sa personne. Désincarnée, plus qu'un objet de mépris avec identité dissoute dans le crade espace de l'effacement par l'autodestructrice déchéance, Lola n'est plus un être, elle est aux yeux de tous, une pute. Face à elle, Martin Grenier joue cette tronche inhibée, socialement inapte, et traversant terrible isolement post-moderne en enjolivant sa vie de mythomaniaques idéations poético-romantiques. Malgré sa maladresse, et la légère impression de schizoïde décalage qu'il donne, le rapport qu'il tente d'établir avec Lola n'est pas celui de l'habituelle instrumentalisation exutoire. Malgré que son action semblât motivée par lucide délire de grand enfant attardé, elle n'en comporte pas moins un élément des plus dérangeant et des plus déstabilisant pour Lola : ce n'est pas à la pute que s'adresse le plouc, mais à la personne, celle que plus personne ne voit, et pire, celle qui ne se voit peut-être plus elle-même...

Voilà pathétique et désespérée tentative de contact humain : elle semble vraisemblablement condamnée d'avance du fait de la substance dérivante des personnages, mais elle est néanmoins existante. Une tentative qui à elle seule, tristement, métaphorise pathétique état des lieux de la postmodernité. Non, il n'y aura pas de rédemption, ni de salvatrice romance, la pute ne sera pas tirée de sa passive auto-destruction, le type ne quittera pas rêverie compulsive et défentielle frigidité existentielle pour se transformer en être incarné. Il n'y aura plus que le tragique spectacle d'une inaptitude qui est celle de toute une époque éclatée, avec comme arrière-plan l'absurde spectacle d'une résiduelle humanité aliénée, blessée, étouffée, mais survivante...

Pour sa toute première mise en scène, la jeune Isabeau Blanche a opté pour sobre espace où en confidentielles convulsions cyclothymiques, évolue cette rencontre traversant paradoxes des respectives névroses, résistances et incapacités des personnages. Plutôt que d'emprunter inflationniste valse d'effets éclatés, la matière traverse l'intimiste territoire d'un dramatico-ironique tango où moult pseudofuites s'opposent à conséquentes voltes-face : tout les non-lieux et blessures d'humanité des personnages sont inductivement mise en exergue par une rencontre contrastée d'humour cyniquement révélateur entre, vulnérabilité de personnages existentiellement totalement démunis (d'amour), et tranquille tragédie d'un absurde quotidien emblématiquement rempli d'une toute contemporaine vacuité.

Voilà un initial travail prometteur. Le rythme est, à quelques flottements près, efficacement climatiquement modulé, malgré quelques symboliques transitions encore légèrement à fluidifier. Quelques affinages au niveau de la montée dramatique pourraient bonifier la portion menant à la chute finale. On y remarque en particulier Martin Grenier, offrant implicite renvoie de sens et d'intériorité pour un personnage paradoxalement désintériorisé.

On passe une bonne soirée.

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Texte : Xavier Durringer
Mise en scène et adaptation : Isabeau Blanche
Comédiens : Geneviève Arsenault et Martin Grenier
Scénographie : Cloé Alain Gendreau
Éclairages : Marie-Hélène Boisvert
Musique : Xavier Germain Poitras

du 17 au 28 mai 2011
Espace 4001
4001 Berri

Billetterie: 514-903-1052 ou écrivez au tsunamitheatre@hotmail.com

Attends-moi - Théâtre de La Manufacture

2011-05-13T18:45:00.011-04:00

Par Yves Rousseau

Avec Attends-moi, Kristen Thomson matérialise existentiel espace mettant en exergue l'humble et bref moment d'une humaine vie, frêle esquif marquant à peine d'une éphémère vaguelette, l'océane immensité du temps : vanitas vanitatum, omnia vanitas...

Sur la scène, un clinique environnement immaculé composé d'un transversal corridor fenestré montrant entrées à cour et jardin, suggère hospitalière chambre. Une vielle dame s'y meurt, et c'est au travers du brouillard d'un semi-coma que lui parvient limbiques échos où se mêlent réalité environnante, et peut-être ultimes fantasmagories issues d'un cerveau agonisant. Sous bruitique climatique mêlant évocation du souffle respiratoire et timbre de moniteur cardiaque, la scène devient sous le blafard éclairage de néons, l'existentiel espace où transitent cliniciens et visiteurs, êtres réels ou hallucinés par cette invisible mourante, imaginairement sise au-delà du proscénium.

Pressés par l'imminence du funeste départ, les personnages démunis tentent de sortir de leur confort indifférent, de leur anesthésie existentielle, et s'adressent par maladroites bribes ravalées, à l'agonisante: si petits et si maladroits devant la mort, et tant de choses à dire. Il y a d'abord une fantasque fille fraîchement sortie de prison, éteinte, cynique, autodestructive, promenant ironie cinglante et désillusion larvée (interprétation incarnée de MFL) au travers de conflictuelle relation avec sa mère, qu'on devine avoir été ni particulièrement bonne, où particulièrement mauvaise. Puis, abasourdis par le spectacle de la vacuité et de l'inanité de sa propre destinée, il y a le fils, un ouvrier qui, sous perpétuel sentiment d'échec refoulé, flotte en vieux garçon dans le nulle part du vide et consumériste sociétal éclatement contemporain. Outre un mystique personnage représentant âme planant entre-deux-monde, on trouve finalement une infirmière à la trajectoire de vie contrastée, qui est très réalistement représentative des autres caractères dans sa façon d'essayer de recoller les morceaux de sa vie éclatée.

L'humanité des personnages traverse, sous fatalité du destin , tous les territoires d'aliénation de la petite vie ordinaire : c'est la valse des antihéros tournoyant dans le cloaque de véristes existences emblématiquement mornes, comme une élégie de la quotidienneté et de « l'ordinaireté » ayant comme climatique de fond, la brièveté de vies futilement enchâssées dans les récurrents cercles vicieux où spleenétiques âmes errent, hallucinées de désorientation dans le flou modus vivendi solitaire et absurde de la postmodernité. L'éclatement du tissu social rend particulièrement vulnérables ces êtres isolés qui se retrouvent seuls devant la mort, confrontés à la perte d'un des derniers êtres significatifs de leur existence, et cet être est de surcroît la mère, qui représente peut-être aujourd'hui la seule et persistante forme de lien inconditionnel, dernier rempart séparant de la totale solitude relative : c'est dans la mise en relief de cette dimension, que la pièce trouve sa principale force.

La précitée conventions de base (scène = point de vue de la délirante mourante) est intéressante, car permettant de marier réaliste matière et dérives fantastiques — deux antinomiques dimensions cependant livrées sous structure chancelante de zigzags alambiqués. De plus, montrer ou évoquer sur scène la quotidienne banalité, la routine morfondue, la solitude et aliénation, ne suffit pas à intrinsèquement à en faire quelque chose d'intéressant, et les limites des situations et personnages dont on a peut-être trop vulu souligner une certaine représentative normativité, se conjuguent à l'aspect éthéré, flottant et zen de la mise en scène : un long et philosophal fleuve tranquille aux parfois trop langoureux bercements.

Le jeu est, dans les limites de la matière et de la définition des personnages, rendu de façon très correcte, avec comme principale limite un choix de diction populaire trop soulignées chez le personnage du fils, qui mâchonne, ravale et concatène ses répliques ainsi rendues partiellement inintelligibles.

Reste capitale et cuisante question posée : Est-ce que la vie, ce n’est que ça?

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Texte : Kristen Thomson

Traduction : Olivier Choinière

Mise en scène : Marie Charlebois

Avec : Valérie Blais, Normand Daneau, Rachel Graton et Marie-France Lambert

Assistance à la mise en scène : Marie-Hélène Dufort

Décor : Danièle Lévesque

Costumes : Mylène Chabrol

Lumières : Claude Cournoyer

Accessoires : Francis Farley-Lemieux

Musique originale : Ludovic Bonnier

Maquillages : Angelo Barsetti

3 au 28 mai 2011

4890, boulevard Saint-Laurent

Billetterie : 514 523-2246